<![CDATA[L'Allonge]]>8325117d-7a96-5e0a-ac08-85983155a5b4Tue, 07 Jul 2026 17:14:25 +0000Captivate.fmMédias ténoishttps://artwork.captivate.fm/c690f557-ce0c-4bf0-b6db-18827d2cd9e4/FOTR-Allonge-2026-Big-copie-2.jpgL'AllongeMédias ténoisMédias ténoisL'Allonge. On se pose, tranquille, sur le patio, avec un "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.https://allonge.captivate.fmfalseepisodicnopodcastFOTR 2026 - L'Allonge du 3 juillet - June ThrasherFOTR 2026 - L'Allonge du 3 juillet - June Thrasherc5055570-83e1-49bf-b4ca-911d5dd7e573Tue, 07 Jul 2026 11:14:15 -060014:56falsefullL’entrevue présente June Thrasher, aussi connu sous le nom de Kaylin, dans le cadre de l’émission consacrée aux artistes qui se produisent à Folk on the Rocks. Il explique que June Thrasher est un projet électronique né après environ 25 ans passés à jouer dans des groupes, une pratique devenue plus difficile à concilier avec ses déplacements et son travail. Kaylin dit que le projet a commencé comme une musique ambiante électronique, puis a évolué vers des morceaux plus dansants et parfois plus lourds. Il précise qu’il est batteur de formation, avec un parcours passé par le métal, le hardcore punk, le shoegaze et le rock indépendant. Il ajoute qu’en parallèle, il travaille à temps plein dans le milieu musical, notamment pour Sask Music, et qu’il aide les artistes depuis 12 ans à développer leur carrière, faire des tournées et élaborer des plans marketing. Lorsqu’on lui demande de décrire son univers sonore, il compare son approche à l’ambiance de la première saison de Stranger Things. C’est cette bande sonore qui l’a poussé à acheter son premier synthétiseur et à explorer la synthwave. Il résume sa musique comme une version de Stranger Things avec des rythmes de danse. Sur le processus d’écriture, il explique qu’il n’y a pas de méthode fixe. Il commence souvent par improviser au clavier ou au synthétiseur, puis ajoute progressivement d’autres éléments, parfois à partir d’une boucle de huit mesures. Il peut aussi s’inspirer d’une image, d’une œuvre d’art ou d’une vidéo, en cherchant à créer une musique qui corresponde à l’atmosphère observée. Il parle ensuite de deux morceaux importants. Le premier, Windmill City, dure sept minutes et est inspiré des silos à grains des Prairies en Saskatchewan. Il décrit ces structures comme imposantes et réconfortantes, et dit que la chanson rend hommage à ces paysages et à une ambiance en train de disparaître. Il explique aussi comment il adapte sa musique sur scène. Il ne fait pas de DJ set : il joue en direct avec plusieurs machines, synthétiseurs et séquenceurs, en construisant les morceaux devant le public. Il dit apporter environ neuf pièces d’équipement et souligne que cette méthode demande beaucoup de pratique, avec la possibilité que quelque chose tourne mal en direct. Enfin, il réagit à sa première invitation à Folk on the Rocks en disant être très enthousiaste et reconnaissant. Il conclut en parlant de Impella, une chanson de son album Prairie Thrash, inspirée de sa première voiture, une Impella de 1981. Il relie ce morceau à des souvenirs de jeunesse, de sorties entre amis, de musique, de skateboard et d’une sensation de liberté.FOTR2026 - L'Allonge du 26 juin - Rebekah Hawker : des histoires de vie sous le soleil du NordFOTR2026 - L'Allonge du 26 juin - Rebekah Hawker : des histoires de vie sous le soleil du NordL’épisode présente Rebecca Hawker, autrice-compositrice-interprète country-folk originaire de Barry, en Ontario. Elle explique qu’elle se considère d’abord comme une écrivaine, attirée par les histoires humaines et les relations entre les gens. Elle dit aussi que le fait de venir d’une grande famille a influencé sa manière d’observer les autres et d’écrire ses chansons. Interrogée sur ses influences, elle cite surtout Casey Musgraves parmi les artistes qui l’ont marquée récemment. Elle mentionne être sensible à la façon dont Musgraves a mêlé un son country à des synthés plus modernes et à des arrangements pop. Rebecca Hawker décrit sa musique comme du storytelling folk porté par une énergie qui rappelle le country des années 1990. Elle explique vouloir créer des chansons à écouter sur la route, avec un mélange de récit, de sonorité roots et d’aspects plus entraînants. Elle parle ensuite de la chanson « Ticket », qu’elle considère importante. Elle dit qu’elle l’a écrite alors qu’elle se sentait incertaine à propos de sa place dans la musique, au moment de la sortie de son EP « Careful Woman » en 2019. La chanson exprime l’idée que poursuivre ce qu’elle aime suffit, même si une carrière musicale paraît incertaine. Lorsqu’elle revient sur son parcours, elle dit que certains moments lui font réaliser que sa carrière avance, notamment quand elle partage la scène avec des artistes qu’elle admire. Elle cite un spectacle bénéfice avec Julian Taylor, Leila Bialy, Georgia Hammer et Bob Egan. Elle dit aussi être particulièrement fière de son dernier EP, « Quit My Habit ». La chanson titre a été difficile à écrire, car elle traite du deuil après la mort de sa mère. Elle explique que le processus d’écriture et d’enregistrement a été éprouvant, mais important pour elle. Enfin, elle évoque sa première venue dans les Territoires du Nord-Ouest et son impatience de jouer à Yellowknife. Elle dit n’avoir jamais visité le Nord auparavant et avoir hâte de vivre le soleil de minuit et de rencontrer le public local. Elle se dit curieuse de découvrir la vie dans des communautés plus éloignées et la façon dont les gens y vivent au quotidien.

]]>L’épisode présente Rebecca Hawker, autrice-compositrice-interprète country-folk originaire de Barry, en Ontario. Elle explique qu’elle se considère d’abord comme une écrivaine, attirée par les histoires humaines et les relations entre les gens. Elle dit aussi que le fait de venir d’une grande famille a influencé sa manière d’observer les autres et d’écrire ses chansons. Interrogée sur ses influences, elle cite surtout Casey Musgraves parmi les artistes qui l’ont marquée récemment. Elle mentionne être sensible à la façon dont Musgraves a mêlé un son country à des synthés plus modernes et à des arrangements pop. Rebecca Hawker décrit sa musique comme du storytelling folk porté par une énergie qui rappelle le country des années 1990. Elle explique vouloir créer des chansons à écouter sur la route, avec un mélange de récit, de sonorité roots et d’aspects plus entraînants. Elle parle ensuite de la chanson « Ticket », qu’elle considère importante. Elle dit qu’elle l’a écrite alors qu’elle se sentait incertaine à propos de sa place dans la musique, au moment de la sortie de son EP « Careful Woman » en 2019. La chanson exprime l’idée que poursuivre ce qu’elle aime suffit, même si une carrière musicale paraît incertaine. Lorsqu’elle revient sur son parcours, elle dit que certains moments lui font réaliser que sa carrière avance, notamment quand elle partage la scène avec des artistes qu’elle admire. Elle cite un spectacle bénéfice avec Julian Taylor, Leila Bialy, Georgia Hammer et Bob Egan. Elle dit aussi être particulièrement fière de son dernier EP, « Quit My Habit ». La chanson titre a été difficile à écrire, car elle traite du deuil après la mort de sa mère. Elle explique que le processus d’écriture et d’enregistrement a été éprouvant, mais important pour elle. Enfin, elle évoque sa première venue dans les Territoires du Nord-Ouest et son impatience de jouer à Yellowknife. Elle dit n’avoir jamais visité le Nord auparavant et avoir hâte de vivre le soleil de minuit et de rencontrer le public local. Elle se dit curieuse de découvrir la vie dans des communautés plus éloignées et la façon dont les gens y vivent au quotidien.

]]>61571de8-3fd3-420a-819c-7e92c966829fFri, 26 Jun 2026 14:21:00 -060015:39falsebonusL’épisode présente Rebecca Hawker, autrice-compositrice-interprète country-folk originaire de Barry, en Ontario. Elle explique qu’elle se considère d’abord comme une écrivaine, attirée par les histoires humaines et les relations entre les gens. Elle dit aussi que le fait de venir d’une grande famille a influencé sa manière d’observer les autres et d’écrire ses chansons. Interrogée sur ses influences, elle cite surtout Casey Musgraves parmi les artistes qui l’ont marquée récemment. Elle mentionne être sensible à la façon dont Musgraves a mêlé un son country à des synthés plus modernes et à des arrangements pop. Rebecca Hawker décrit sa musique comme du storytelling folk porté par une énergie qui rappelle le country des années 1990. Elle explique vouloir créer des chansons à écouter sur la route, avec un mélange de récit, de sonorité roots et d’aspects plus entraînants. Elle parle ensuite de la chanson « Ticket », qu’elle considère importante. Elle dit qu’elle l’a écrite alors qu’elle se sentait incertaine à propos de sa place dans la musique, au moment de la sortie de son EP « Careful Woman » en 2019. La chanson exprime l’idée que poursuivre ce qu’elle aime suffit, même si une carrière musicale paraît incertaine. Lorsqu’elle revient sur son parcours, elle dit que certains moments lui font réaliser que sa carrière avance, notamment quand elle partage la scène avec des artistes qu’elle admire. Elle cite un spectacle bénéfice avec Julian Taylor, Leila Bialy, Georgia Hammer et Bob Egan. Elle dit aussi être particulièrement fière de son dernier EP, « Quit My Habit ». La chanson titre a été difficile à écrire, car elle traite du deuil après la mort de sa mère. Elle explique que le processus d’écriture et d’enregistrement a été éprouvant, mais important pour elle. Enfin, elle évoque sa première venue dans les Territoires du Nord-Ouest et son impatience de jouer à Yellowknife. Elle dit n’avoir jamais visité le Nord auparavant et avoir hâte de vivre le soleil de minuit et de rencontrer le public local. Elle se dit curieuse de découvrir la vie dans des communautés plus éloignées et la façon dont les gens y vivent au quotidien.FOTR2026 - L'Allonge du 19 juin - Sun Starved, l’énergie du métal nordiqueFOTR2026 - L'Allonge du 19 juin - Sun Starved, l’énergie du métal nordiqueSun Starved est un groupe de metalcore de la scène nordique de Yellowknife. Mené par Damon Benoit, il est né après une soirée emo rassemblant des musiciens locaux. Après avoir remporté le Mainstage Showdown, ils se sont taillé une place au festival Folk On The Rocks, tout en restant fidèles à leur style énergique.

]]>Sun Starved est un groupe de metalcore de la scène nordique de Yellowknife. Mené par Damon Benoit, il est né après une soirée emo rassemblant des musiciens locaux. Après avoir remporté le Mainstage Showdown, ils se sont taillé une place au festival Folk On The Rocks, tout en restant fidèles à leur style énergique.

]]>8f80027b-8e69-49ec-8846-cc0294e82778Fri, 19 Jun 2026 11:35:00 -060008:27falsefullFOTR2026 - L'Allonge du 12 juin - Waahli - Radio TaigaFOTR2026 - L'Allonge du 12 juin - Waahli - Radio TaigaCette année, le festival FOTR invite un artiste montréalais d’origine haïtienne, Waahli, à présenter sa musique. Mêlant français, anglais et créole-haïtien, il promet au public de Yellowknife une performance énergique et rassembleuse, entre danse, émotions et réflexion.

]]>Cette année, le festival FOTR invite un artiste montréalais d’origine haïtienne, Waahli, à présenter sa musique. Mêlant français, anglais et créole-haïtien, il promet au public de Yellowknife une performance énergique et rassembleuse, entre danse, émotions et réflexion.

]]>2a3cbef6-edd4-48de-92bc-10ba000c1a1cFri, 12 Jun 2026 07:06:00 -060015:46falsebonusCette année, le festival FOTR invite un artiste montréalais d’origine haïtienne, Waahli, à présenter sa musique. Mêlant français, anglais et créole-haïtien, il promet au public de Yellowknife une performance énergique et rassembleuse, entre danse, émotions et réflexion.L'Allonge - Justine Giles - Radio TaigaL'Allonge - Justine Giles - Radio TaigaL’entrevue présente Justine Giles, compositrice-interprète originaire de Sudbury et basée à Calgary. Elle explique avoir vécu dans plusieurs villes au Canada pour trouver sa place dans l’industrie musicale, et dit aussi s’intéresser à l’éducation artistique et au mentorat. Elle revient sur ses débuts en musique, influencés par son père, musicien actif en tournée dans plusieurs groupes. Elle raconte avoir grandi dans un environnement où le théâtre, les arts et le chant étaient valorisés, et précise qu’elle écrivait déjà de la poésie avant de commencer à écrire des chansons à l’adolescence. Justine décrit sa musique comme difficile à classer, mais marquée par des influences folk, folk-pop et adulte contemporain. Elle dit accorder une grande importance aux paroles et à la narration, tout en ayant exploré d’autres couleurs comme le country et le blues. Elle souligne qu’en solo, une chanson forte et une histoire forte restent centrales. Après la diffusion d’une chanson, elle parle des thèmes récurrents dans son écriture, notamment l’appartenance, le déracinement et la recherche de communauté. Elle évoque aussi ses anciennes chansons sur les peines d’amour, la perte et le deuil, puis explique que ses textes abordent désormais davantage la relation à soi, l’image corporelle et les messages transmis à un public composé en partie de jeunes femmes. Elle dit que l’écriture est devenue pour elle une forme de thérapie et un espace sûr pour exprimer ce qu’elle a du mal à dire autrement. Selon elle, les auditeurs se reconnaissent ensuite dans ses chansons et partagent leurs propres histoires en spectacle. Enfin, elle parle de son rôle d’artiste en résidence et mentor pour Folk on the Rocks en 2025-2026. Elle décrit cette expérience comme importante, à un moment où elle cherchait un nouveau défi et une nouvelle façon de créer des liens. Elle raconte que son arrivée à Yellowknife lui a rappelé Sudbury et lui a donné un fort sentiment d’appartenance. Elle mentionne aussi son séjour à la fin de 2025, son premier aperçu des aurores boréales et le travail réalisé avec des artistes locaux.

]]>L’entrevue présente Justine Giles, compositrice-interprète originaire de Sudbury et basée à Calgary. Elle explique avoir vécu dans plusieurs villes au Canada pour trouver sa place dans l’industrie musicale, et dit aussi s’intéresser à l’éducation artistique et au mentorat. Elle revient sur ses débuts en musique, influencés par son père, musicien actif en tournée dans plusieurs groupes. Elle raconte avoir grandi dans un environnement où le théâtre, les arts et le chant étaient valorisés, et précise qu’elle écrivait déjà de la poésie avant de commencer à écrire des chansons à l’adolescence. Justine décrit sa musique comme difficile à classer, mais marquée par des influences folk, folk-pop et adulte contemporain. Elle dit accorder une grande importance aux paroles et à la narration, tout en ayant exploré d’autres couleurs comme le country et le blues. Elle souligne qu’en solo, une chanson forte et une histoire forte restent centrales. Après la diffusion d’une chanson, elle parle des thèmes récurrents dans son écriture, notamment l’appartenance, le déracinement et la recherche de communauté. Elle évoque aussi ses anciennes chansons sur les peines d’amour, la perte et le deuil, puis explique que ses textes abordent désormais davantage la relation à soi, l’image corporelle et les messages transmis à un public composé en partie de jeunes femmes. Elle dit que l’écriture est devenue pour elle une forme de thérapie et un espace sûr pour exprimer ce qu’elle a du mal à dire autrement. Selon elle, les auditeurs se reconnaissent ensuite dans ses chansons et partagent leurs propres histoires en spectacle. Enfin, elle parle de son rôle d’artiste en résidence et mentor pour Folk on the Rocks en 2025-2026. Elle décrit cette expérience comme importante, à un moment où elle cherchait un nouveau défi et une nouvelle façon de créer des liens. Elle raconte que son arrivée à Yellowknife lui a rappelé Sudbury et lui a donné un fort sentiment d’appartenance. Elle mentionne aussi son séjour à la fin de 2025, son premier aperçu des aurores boréales et le travail réalisé avec des artistes locaux.

]]>d69ee591-a008-4a85-9079-cd8b248e540eFri, 05 Jun 2026 16:12:00 -060013:43falsebonusL’entrevue présente Justine Giles, compositrice-interprète originaire de Sudbury et basée à Calgary. Elle explique avoir vécu dans plusieurs villes au Canada pour trouver sa place dans l’industrie musicale, et dit aussi s’intéresser à l’éducation artistique et au mentorat. Elle revient sur ses débuts en musique, influencés par son père, musicien actif en tournée dans plusieurs groupes. Elle raconte avoir grandi dans un environnement où le théâtre, les arts et le chant étaient valorisés, et précise qu’elle écrivait déjà de la poésie avant de commencer à écrire des chansons à l’adolescence. Justine décrit sa musique comme difficile à classer, mais marquée par des influences folk, folk-pop et adulte contemporain. Elle dit accorder une grande importance aux paroles et à la narration, tout en ayant exploré d’autres couleurs comme le country et le blues. Elle souligne qu’en solo, une chanson forte et une histoire forte restent centrales. Après la diffusion d’une chanson, elle parle des thèmes récurrents dans son écriture, notamment l’appartenance, le déracinement et la recherche de communauté. Elle évoque aussi ses anciennes chansons sur les peines d’amour, la perte et le deuil, puis explique que ses textes abordent désormais davantage la relation à soi, l’image corporelle et les messages transmis à un public composé en partie de jeunes femmes. Elle dit que l’écriture est devenue pour elle une forme de thérapie et un espace sûr pour exprimer ce qu’elle a du mal à dire autrement. Selon elle, les auditeurs se reconnaissent ensuite dans ses chansons et partagent leurs propres histoires en spectacle. Enfin, elle parle de son rôle d’artiste en résidence et mentor pour Folk on the Rocks en 2025-2026. Elle décrit cette expérience comme importante, à un moment où elle cherchait un nouveau défi et une nouvelle façon de créer des liens. Elle raconte que son arrivée à Yellowknife lui a rappelé Sudbury et lui a donné un fort sentiment d’appartenance. Elle mentionne aussi son séjour à la fin de 2025, son premier aperçu des aurores boréales et le travail réalisé avec des artistes locaux.L'Allonge - Jonnie Melancholy - Radio TaigaL'Allonge - Jonnie Melancholy - Radio TaigaJonnie Melancholy, de son vrai nom John Macaulay, est un musicien originaire de l'île de Wight au Royaume-Uni. Lors de son interview avec Radio Taïga, il partage son parcours musical et le processus qui l'a conduit à adopter son nom de scène. Selon lui, il a longtemps cherché un nom unique qui refléterait son style artistique et se distinguerait de ses pairs. C'est lors d'un événement de musique emo, où il se produisait pour le festival Steadily Deadly, qu'un ami lui suggère le nom de Johnny Melancholy. Cette appellation, qui évoque un style poétique et mélancolique, correspond parfaitement à l'essence de sa musique, mêlant des thématiques de tristesse et de nostalgie. Jonnie évoque son arrivée à Yellowknife en 2022 et l'impact que la scène musicale locale a eu sur son écriture. Avant de s'établir dans les Territoires du Nord-Ouest, il avait déjà écrit quelques chansons, mais il admet ne pas avoir trouvé sa véritable voix. La communauté musicale de Yellowknife, composée d'autres artistes avec qui il a pu collaborer, a été une source d'inspiration majeure et a joué un rôle essentiel dans son développement artistique. Il souligne l'importance de cet environnement collaboratif pour sa créativité et sa croissance en tant que musicien. Lors de l'interview, Jonnie révèle que la musique est devenue un moyen pour lui d’exprimer ses émotions et de traiter ses expériences personnelles, notamment les thèmes de l'amour, de la perte et du chagrin. Au fil du temps, alors que ces défis personnels s'estompaient, sa réflexion s'est élargie pour aborder des sujets plus complexes de la vie. Il a récemment écrit une chanson qui questionne les regrets et l'idée de pouvoir revenir en arrière pour changer ses choix. Cette introspection l'a amené à comprendre qu'il est essentiel de laisser derrière soi les inquiétudes passées pour se concentrer sur le présent et apprendre à s'aimer soi-même. Il partage également les secrets de son processus d'écriture, décrivant un cheminement brut et authentique. Jonnie explique qu'il lui a fallu du temps pour comprendre comment composer une musique efficace. Ce n'est qu'après des échanges avec d'autres musiciens qu'il a réellement réussi à se lancer. En utilisant des riffs et des sons qui lui plaisent, il laisse ses émotions guider le résultat final, procédant à des ajustements au fur et à mesure. Son morceau "Time to Leave", qu'il a récemment publié sur sa chaîne YouTube, illustre ce processus et ses émotions. Les inspirations musicales de Johnny sont variées, allant d'artistes comme Ben Howard et Seth Lakeman à Paolo Nutini. Il mélange ces influences avec son amour pour le pop-punk, souhaitant intégrer des éléments acoustiques dans sa musique tout en cette légèreté. Il aspire à créer des morceaux qui capturent l'essence de la lumière et de l'ombre, évoquant des sentiments profonds chez les auditeurs. En conclusion de l'interview, Jonnie Melancholy souligne son souhait de continuer à évoluer en tant qu'artiste et d'explorer de nouvelles dimensions de sa créativité musicale, tout en se souciant de la connexion émotionnelle qu'il établit avec son public.

]]>Jonnie Melancholy, de son vrai nom John Macaulay, est un musicien originaire de l'île de Wight au Royaume-Uni. Lors de son interview avec Radio Taïga, il partage son parcours musical et le processus qui l'a conduit à adopter son nom de scène. Selon lui, il a longtemps cherché un nom unique qui refléterait son style artistique et se distinguerait de ses pairs. C'est lors d'un événement de musique emo, où il se produisait pour le festival Steadily Deadly, qu'un ami lui suggère le nom de Johnny Melancholy. Cette appellation, qui évoque un style poétique et mélancolique, correspond parfaitement à l'essence de sa musique, mêlant des thématiques de tristesse et de nostalgie. Jonnie évoque son arrivée à Yellowknife en 2022 et l'impact que la scène musicale locale a eu sur son écriture. Avant de s'établir dans les Territoires du Nord-Ouest, il avait déjà écrit quelques chansons, mais il admet ne pas avoir trouvé sa véritable voix. La communauté musicale de Yellowknife, composée d'autres artistes avec qui il a pu collaborer, a été une source d'inspiration majeure et a joué un rôle essentiel dans son développement artistique. Il souligne l'importance de cet environnement collaboratif pour sa créativité et sa croissance en tant que musicien. Lors de l'interview, Jonnie révèle que la musique est devenue un moyen pour lui d’exprimer ses émotions et de traiter ses expériences personnelles, notamment les thèmes de l'amour, de la perte et du chagrin. Au fil du temps, alors que ces défis personnels s'estompaient, sa réflexion s'est élargie pour aborder des sujets plus complexes de la vie. Il a récemment écrit une chanson qui questionne les regrets et l'idée de pouvoir revenir en arrière pour changer ses choix. Cette introspection l'a amené à comprendre qu'il est essentiel de laisser derrière soi les inquiétudes passées pour se concentrer sur le présent et apprendre à s'aimer soi-même. Il partage également les secrets de son processus d'écriture, décrivant un cheminement brut et authentique. Jonnie explique qu'il lui a fallu du temps pour comprendre comment composer une musique efficace. Ce n'est qu'après des échanges avec d'autres musiciens qu'il a réellement réussi à se lancer. En utilisant des riffs et des sons qui lui plaisent, il laisse ses émotions guider le résultat final, procédant à des ajustements au fur et à mesure. Son morceau "Time to Leave", qu'il a récemment publié sur sa chaîne YouTube, illustre ce processus et ses émotions. Les inspirations musicales de Johnny sont variées, allant d'artistes comme Ben Howard et Seth Lakeman à Paolo Nutini. Il mélange ces influences avec son amour pour le pop-punk, souhaitant intégrer des éléments acoustiques dans sa musique tout en cette légèreté. Il aspire à créer des morceaux qui capturent l'essence de la lumière et de l'ombre, évoquant des sentiments profonds chez les auditeurs. En conclusion de l'interview, Jonnie Melancholy souligne son souhait de continuer à évoluer en tant qu'artiste et d'explorer de nouvelles dimensions de sa créativité musicale, tout en se souciant de la connexion émotionnelle qu'il établit avec son public.

]]>8b4ee5e1-353b-4580-8df4-6acfff8edcccFri, 22 Aug 2025 11:18:00 -060014:38falsebonusJonnie Melancholy, de son vrai nom John Macaulay, est un musicien originaire de l'île de Wight au Royaume-Uni. Lors de son interview avec Radio Taïga, il partage son parcours musical et le processus qui l'a conduit à adopter son nom de scène. Selon lui, il a longtemps cherché un nom unique qui refléterait son style artistique et se distinguerait de ses pairs. C'est lors d'un événement de musique emo, où il se produisait pour le festival Steadily Deadly, qu'un ami lui suggère le nom de Johnny Melancholy. Cette appellation, qui évoque un style poétique et mélancolique, correspond parfaitement à l'essence de sa musique, mêlant des thématiques de tristesse et de nostalgie. Jonnie évoque son arrivée à Yellowknife en 2022 et l'impact que la scène musicale locale a eu sur son écriture. Avant de s'établir dans les Territoires du Nord-Ouest, il avait déjà écrit quelques chansons, mais il admet ne pas avoir trouvé sa véritable voix. La communauté musicale de Yellowknife, composée d'autres artistes avec qui il a pu collaborer, a été une source d'inspiration majeure et a joué un rôle essentiel dans son développement artistique. Il souligne l'importance de cet environnement collaboratif pour sa créativité et sa croissance en tant que musicien. Lors de l'interview, Jonnie révèle que la musique est devenue un moyen pour lui d’exprimer ses émotions et de traiter ses expériences personnelles, notamment les thèmes de l'amour, de la perte et du chagrin. Au fil du temps, alors que ces défis personnels s'estompaient, sa réflexion s'est élargie pour aborder des sujets plus complexes de la vie. Il a récemment écrit une chanson qui questionne les regrets et l'idée de pouvoir revenir en arrière pour changer ses choix. Cette introspection l'a amené à comprendre qu'il est essentiel de laisser derrière soi les inquiétudes passées pour se concentrer sur le présent et apprendre à s'aimer soi-même. Il partage également les secrets de son processus d'écriture, décrivant un cheminement brut et authentique. Jonnie explique qu'il lui a fallu du temps pour comprendre comment composer une musique efficace. Ce n'est qu'après des échanges avec d'autres musiciens qu'il a réellement réussi à se lancer. En utilisant des riffs et des sons qui lui plaisent, il laisse ses émotions guider le résultat final, procédant à des ajustements au fur et à mesure. Son morceau "Time to Leave", qu'il a récemment publié sur sa chaîne YouTube, illustre ce processus et ses émotions. Les inspirations musicales de Johnny sont variées, allant d'artistes comme Ben Howard et Seth Lakeman à Paolo Nutini. Il mélange ces influences avec son amour pour le pop-punk, souhaitant intégrer des éléments acoustiques dans sa musique tout en cette légèreté. Il aspire à créer des morceaux qui capturent l'essence de la lumière et de l'ombre, évoquant des sentiments profonds chez les auditeurs. En conclusion de l'interview, Jonnie Melancholy souligne son souhait de continuer à évoluer en tant qu'artiste et d'explorer de nouvelles dimensions de sa créativité musicale, tout en se souciant de la connexion émotionnelle qu'il établit avec son public.L'Allonge - Carmen Braden - Radio TaigaL'Allonge - Carmen Braden - Radio TaigaCarmen Braden, une musicienne originaire de Yellowknife, est l'invitée de l'émission "La Longe Actualité musicale au territoire du Nord-Ouest" sur Radio Taïga. Dans cette entrevue, elle partage son parcours artistique, ses influences musicales et son processus créatif. Avec plus de quinze ans d'expérience en tant que musicienne en résidence, Carmen se décrit comme une compositrice traversant divers genres, notamment la musique classique et le folk, tout en composant pour des performances en direct. Carmen évoque les artistes qui ont façonné son identité musicale, notamment des figures emblématiques canadiennes telles que Sarah McLachlan et Alanis Morissette, ainsi que des auteurs-compositeurs comme Joni Mitchell et Leonard Cohen. Ces influences l'ont guidée vers une écriture de chansons riche en émotion et en narration. Elle explique également comment la musique classique, à travers des compositeurs comme Debussy, a élargi sa compréhension de la musique et lui a offert des inspirations écologiques, reflétant son environnement. Au sujet de sa musique, Carmen nous emmène dans de nouveaux univers émotionnels. Elle parle de la manière dont sa vie familiale et ses expériences quotidiennes avec ses enfants l'inspirent à créer. Cette dimension de liberté et de créativité débridée se retrouve dans ses compositions, qui mêlent joie et réflexions plus sombres. Son dernier album, "A Hard Light", produit par Marc Adam, marque le fruit d'une démarche approfondie où elle aborde des thèmes comme la parentalité et les réflexions sur le passage à la quarantaine. Carmen détaille également la genèse de cet album, qui s'inscrit dans une continuité avec son précédent travail, écrit durant la pandémie. Elle a exploité des idées de son troisième album pour les approfondir, intégrant des sonorités plus riches et des éléments narratifs plus complexes. Les chansons évoquent des luttes personnelles et des moments de connexion, se saisissant ainsi des défis et des joies inhérents à la vie familiale. En outre, Carmen évoque l'influence de vivre dans le Nord canadien sur sa musicalité. Elle souligne la précieuse communauté artistique qui soutient son travail, lui permettant de poursuivre sa carrière musicale. Carmen parle également de son intérêt pour l'écologie sonore, une notion qui lui a permis d'apprécier la richesse subtile de son environnement, en soulignant l'importance d'écouter les nuances des sons qui l'entourent, comme ceux des lacs gelés ou de la nature environnante. Enfin, l'interview conclut sur la manière dont Carmen transpose ces concepts acoustiques dans sa musique. Elle se projette vers l'avenir avec une anticipation de nouvelles découvertes sonores à intégrer dans son art. L'émission promeut également son travail et encourage les auditeurs à explorer sa musique sur diverses plateformes de streaming et à découvrir sa chaîne YouTube, où elle propose des vidéoclips captivants et innovants, témoignant de son engagement à repousser les limites de la création musicale.

]]>Carmen Braden, une musicienne originaire de Yellowknife, est l'invitée de l'émission "La Longe Actualité musicale au territoire du Nord-Ouest" sur Radio Taïga. Dans cette entrevue, elle partage son parcours artistique, ses influences musicales et son processus créatif. Avec plus de quinze ans d'expérience en tant que musicienne en résidence, Carmen se décrit comme une compositrice traversant divers genres, notamment la musique classique et le folk, tout en composant pour des performances en direct. Carmen évoque les artistes qui ont façonné son identité musicale, notamment des figures emblématiques canadiennes telles que Sarah McLachlan et Alanis Morissette, ainsi que des auteurs-compositeurs comme Joni Mitchell et Leonard Cohen. Ces influences l'ont guidée vers une écriture de chansons riche en émotion et en narration. Elle explique également comment la musique classique, à travers des compositeurs comme Debussy, a élargi sa compréhension de la musique et lui a offert des inspirations écologiques, reflétant son environnement. Au sujet de sa musique, Carmen nous emmène dans de nouveaux univers émotionnels. Elle parle de la manière dont sa vie familiale et ses expériences quotidiennes avec ses enfants l'inspirent à créer. Cette dimension de liberté et de créativité débridée se retrouve dans ses compositions, qui mêlent joie et réflexions plus sombres. Son dernier album, "A Hard Light", produit par Marc Adam, marque le fruit d'une démarche approfondie où elle aborde des thèmes comme la parentalité et les réflexions sur le passage à la quarantaine. Carmen détaille également la genèse de cet album, qui s'inscrit dans une continuité avec son précédent travail, écrit durant la pandémie. Elle a exploité des idées de son troisième album pour les approfondir, intégrant des sonorités plus riches et des éléments narratifs plus complexes. Les chansons évoquent des luttes personnelles et des moments de connexion, se saisissant ainsi des défis et des joies inhérents à la vie familiale. En outre, Carmen évoque l'influence de vivre dans le Nord canadien sur sa musicalité. Elle souligne la précieuse communauté artistique qui soutient son travail, lui permettant de poursuivre sa carrière musicale. Carmen parle également de son intérêt pour l'écologie sonore, une notion qui lui a permis d'apprécier la richesse subtile de son environnement, en soulignant l'importance d'écouter les nuances des sons qui l'entourent, comme ceux des lacs gelés ou de la nature environnante. Enfin, l'interview conclut sur la manière dont Carmen transpose ces concepts acoustiques dans sa musique. Elle se projette vers l'avenir avec une anticipation de nouvelles découvertes sonores à intégrer dans son art. L'émission promeut également son travail et encourage les auditeurs à explorer sa musique sur diverses plateformes de streaming et à découvrir sa chaîne YouTube, où elle propose des vidéoclips captivants et innovants, témoignant de son engagement à repousser les limites de la création musicale.

]]>6e1b6a53-c805-44f0-ac98-dfafb9b9bb2dFri, 15 Aug 2025 12:07:00 -060019:19falsebonusCarmen Braden, une musicienne originaire de Yellowknife, est l'invitée de l'émission "La Longe Actualité musicale au territoire du Nord-Ouest" sur Radio Taïga. Dans cette entrevue, elle partage son parcours artistique, ses influences musicales et son processus créatif. Avec plus de quinze ans d'expérience en tant que musicienne en résidence, Carmen se décrit comme une compositrice traversant divers genres, notamment la musique classique et le folk, tout en composant pour des performances en direct. Carmen évoque les artistes qui ont façonné son identité musicale, notamment des figures emblématiques canadiennes telles que Sarah McLachlan et Alanis Morissette, ainsi que des auteurs-compositeurs comme Joni Mitchell et Leonard Cohen. Ces influences l'ont guidée vers une écriture de chansons riche en émotion et en narration. Elle explique également comment la musique classique, à travers des compositeurs comme Debussy, a élargi sa compréhension de la musique et lui a offert des inspirations écologiques, reflétant son environnement. Au sujet de sa musique, Carmen nous emmène dans de nouveaux univers émotionnels. Elle parle de la manière dont sa vie familiale et ses expériences quotidiennes avec ses enfants l'inspirent à créer. Cette dimension de liberté et de créativité débridée se retrouve dans ses compositions, qui mêlent joie et réflexions plus sombres. Son dernier album, "A Hard Light", produit par Marc Adam, marque le fruit d'une démarche approfondie où elle aborde des thèmes comme la parentalité et les réflexions sur le passage à la quarantaine. Carmen détaille également la genèse de cet album, qui s'inscrit dans une continuité avec son précédent travail, écrit durant la pandémie. Elle a exploité des idées de son troisième album pour les approfondir, intégrant des sonorités plus riches et des éléments narratifs plus complexes. Les chansons évoquent des luttes personnelles et des moments de connexion, se saisissant ainsi des défis et des joies inhérents à la vie familiale. En outre, Carmen évoque l'influence de vivre dans le Nord canadien sur sa musicalité. Elle souligne la précieuse communauté artistique qui soutient son travail, lui permettant de poursuivre sa carrière musicale. Carmen parle également de son intérêt pour l'écologie sonore, une notion qui lui a permis d'apprécier la richesse subtile de son environnement, en soulignant l'importance d'écouter les nuances des sons qui l'entourent, comme ceux des lacs gelés ou de la nature environnante. Enfin, l'interview conclut sur la manière dont Carmen transpose ces concepts acoustiques dans sa musique. Elle se projette vers l'avenir avec une anticipation de nouvelles découvertes sonores à intégrer dans son art. L'émission promeut également son travail et encourage les auditeurs à explorer sa musique sur diverses plateformes de streaming et à découvrir sa chaîne YouTube, où elle propose des vidéoclips captivants et innovants, témoignant de son engagement à repousser les limites de la création musicale.Folk on the Rocks 2025 | Le Live Intégral - Radio TaigaFolk on the Rocks 2025 | Le Live Intégral - Radio TaigaDans cette émission spéciale de Radio Taiga, diffusée en direct du festival Folk on the Rocks, l'équipe a plongé dans l'ambiance joyeuse et festive de l'événement qui se déroule sur les rives du lac Long. Après une première journée marquée par un orage, les animateurs ont ouvert le bal en remerciant les partenaires qui ont rendu l'événement possible, tels que Falcon The Rocks et Yellowknife Motors, avant de présenter un programme chargé comprenant des interviews d'artistes, des mini-concerts, et des chroniques réalisées par des bénévoles.

L'émission a débuté avec Cécile-Antoine Maisonnade qui a mis en lumière la direction artistique du festival, invitant des figures clés telles que Teresa Orozco, la directrice générale du festival, et Carly McFadden, la directrice artistique. Elles ont parlé des défis rencontrés en raison de l'orage ayant interrompu la première nuit de spectacles, tout en rassurant le public sur la reprogrammation des artistes. Ce segment a également mis l'accent sur l'esprit communautaire qui anime le festival.

Les interviews ont continué avec une série d'artistes montants, tels que le groupe Hi-Fi de Yellowknife, The Johnnies, et Véronica Blackhawk, chacun partageant des anecdotes sur leur expérience au festival. Les discussions ont révélé les préoccupations des artistes concernant les conditions climatiques et la logistique des événements, tout en apportant une touche personnelle à leurs récits. Un engouement palpable a été noté pour les performances à venir, avec des artistes se réjouissant de la diversité musicale présente.

L'émission a également abordé les questions de sécurité et de santé des festivaliers, introduisant un kit de sécurité distribué sur le site, qui comprend des préservatifs, des bandes de test de fentanyl et des informations sur l'usage responsable des substances. Ce volet a permis de sensibiliser le public à une consommation éclairée tout en restant dans le ton festif de l'événement.

En parallèle, une attention particulière a été accordée aux expériences et aux défis des bénévoles, qui jouent un rôle crucial dans l'organisation du festival. Ils ont partagé leurs perspectives sur la manière dont la collaboration et le travail d'équipe sont essentiels pour que tout fonctionne bien durant ce grand événement.

Tout au long de la diffusion, des performances musicales en direct ont été intégrées, apportant une ambiance authentique et vivante à l'émission. Le groupe Merv XX Gotty a captivé l'audience avec un morceau nommé "Jiu-Jitsu", tandis que d'autres artistes ont également fait entendre leur voix. Chaque prestation a non seulement mis en avant le talent des musiciens mais a aussi renforcé le sentiment d'appartenance à une communauté artistique vibrante.

Enfin, le festival a permis des échanges enrichissants, transformant chaque concert en une expérience partagée, marquée par la convivialité et le partage des cultures. L'émission de Radio Taiga a ainsi réussi à capturer l'essence même de Folk on the Rocks, un événement qui célèbre non seulement la musique, mais aussi les liens humains profondément ancrés dans la région du Nord.

Au terme de cette journée riche en émotions et en découvertes, les animateurs ont remercié tous ceux qui ont contribué à faire de cet événement un succès retentissant, tout en promettant de revenir l'année prochaine pour une nouvelle aventure sonore et humaine.

]]>Dans cette émission spéciale de Radio Taiga, diffusée en direct du festival Folk on the Rocks, l'équipe a plongé dans l'ambiance joyeuse et festive de l'événement qui se déroule sur les rives du lac Long. Après une première journée marquée par un orage, les animateurs ont ouvert le bal en remerciant les partenaires qui ont rendu l'événement possible, tels que Falcon The Rocks et Yellowknife Motors, avant de présenter un programme chargé comprenant des interviews d'artistes, des mini-concerts, et des chroniques réalisées par des bénévoles.

L'émission a débuté avec Cécile-Antoine Maisonnade qui a mis en lumière la direction artistique du festival, invitant des figures clés telles que Teresa Orozco, la directrice générale du festival, et Carly McFadden, la directrice artistique. Elles ont parlé des défis rencontrés en raison de l'orage ayant interrompu la première nuit de spectacles, tout en rassurant le public sur la reprogrammation des artistes. Ce segment a également mis l'accent sur l'esprit communautaire qui anime le festival.

Les interviews ont continué avec une série d'artistes montants, tels que le groupe Hi-Fi de Yellowknife, The Johnnies, et Véronica Blackhawk, chacun partageant des anecdotes sur leur expérience au festival. Les discussions ont révélé les préoccupations des artistes concernant les conditions climatiques et la logistique des événements, tout en apportant une touche personnelle à leurs récits. Un engouement palpable a été noté pour les performances à venir, avec des artistes se réjouissant de la diversité musicale présente.

L'émission a également abordé les questions de sécurité et de santé des festivaliers, introduisant un kit de sécurité distribué sur le site, qui comprend des préservatifs, des bandes de test de fentanyl et des informations sur l'usage responsable des substances. Ce volet a permis de sensibiliser le public à une consommation éclairée tout en restant dans le ton festif de l'événement.

En parallèle, une attention particulière a été accordée aux expériences et aux défis des bénévoles, qui jouent un rôle crucial dans l'organisation du festival. Ils ont partagé leurs perspectives sur la manière dont la collaboration et le travail d'équipe sont essentiels pour que tout fonctionne bien durant ce grand événement.

Tout au long de la diffusion, des performances musicales en direct ont été intégrées, apportant une ambiance authentique et vivante à l'émission. Le groupe Merv XX Gotty a captivé l'audience avec un morceau nommé "Jiu-Jitsu", tandis que d'autres artistes ont également fait entendre leur voix. Chaque prestation a non seulement mis en avant le talent des musiciens mais a aussi renforcé le sentiment d'appartenance à une communauté artistique vibrante.

Enfin, le festival a permis des échanges enrichissants, transformant chaque concert en une expérience partagée, marquée par la convivialité et le partage des cultures. L'émission de Radio Taiga a ainsi réussi à capturer l'essence même de Folk on the Rocks, un événement qui célèbre non seulement la musique, mais aussi les liens humains profondément ancrés dans la région du Nord.

Au terme de cette journée riche en émotions et en découvertes, les animateurs ont remercié tous ceux qui ont contribué à faire de cet événement un succès retentissant, tout en promettant de revenir l'année prochaine pour une nouvelle aventure sonore et humaine.

]]>cb6136e4-c802-44da-b08f-233bf946d06bTue, 05 Aug 2025 09:00:00 -060004:05:08falsebonusL'Allonge - Dumaï Dunaï - Radio TaigaL'Allonge - Dumaï Dunaï - Radio TaigaL'entrevue avec Eli Camilo, trompettiste et chanteur principal du groupe Dumaï Dunaï, explore les origines et la dynamique créative de ce collectif musical basé à Montréal. Composé de membres originaires d'Ukraine et de Bulgarie, Dumaï Dunaï fusionne des styles musicaux variés, notamment la musique slavique, le dub et le punk, tout en intégrant des éléments traditionnels de l'Europe de l'Est avec une touche moderne. Elie remonte à l'année 2016 pour expliquer comment l'idée du groupe a germé en lui, et comment, après avoir collaboré avec de nombreux musiciens montréalais au fil des ans, il a finalement réussi à rassembler les talents nécessaires pour donner vie à son projet. Le groupe se compose de sept artistes aux parcours diversifiés qui représentent un véritable carrefour culturel. Eli évoque les disparités dans le processus créatif entre la musique folklorique d'Europe de l'Est, qui repose souvent sur un jeu collectif intuitif, et les méthodes plus structurées et intellectuelles observées en Amérique du Nord. Cette rencontre de cultures et de pratiques musicales engendre un enrichissement mutuel, donnant naissance à une musique qui transcende les frontières tout en honorant les traditions de chacun. Elie souligne que cette diversité influence fortement le son et l'approche artistique du groupe. Montréal, avec sa richesse culturelle et sa scène musicale vibrante, est au cœur de l'expérience de Dumaï Dunaï. Selon Elie, la ville a façonné leur identité artistique, leur permettant de s'immerger dans divers styles et genres musicaux. Il partage son amour pour l'esprit indépendant qui règne à Montréal, où les artistes prennent l'initiative de créer leur propre espace pour la musique. Cet environnement stimule la créativité et encourage l'inventivité, ce qui est essentiel pour le groupe dans son ensemble. La discussion se tourne ensuite vers l'importance des traditions musicales dans le monde contemporain. Elie exprime sa conviction que reconnaître d’où l'on vient est crucial, même dans un monde de plus en plus globalisé. Selon lui, les traditions ne doivent pas être mises de côté ou oubliées, mais plutôt adaptées et évoluées pour coexister avec les nouvelles technologies et les sons modernes. En mélangeant des éléments folkloriques avec des influences contemporaines, Dumaï Dunaï cherche à préserver l'héritage musical tout en le modernisant, permettant ainsi à chacune de leurs compositions de raconter une histoire à la fois ancienne et actuelle. Enfin, l’entrevue prend fin avec l’écoute d'une chanson tirée de leur album "Sometime Between Now and Never", sorti pour 2024. Le titre "Vesnianochka" met en avant la qualité musicale du groupe et constitue une invitation à découvrir leur univers. Eli mentionne également qu’ils seront en tournée à travers le Canada et en Europe cet été, et dévoile leurs projets pour un deuxième album à venir cet automne, ce qui suscite encore plus d'enthousiasme pour les fans de leur musique. L'entretien révèle donc une vision passionnante et constructive du processus artistique de Dumaï Dunaï, tout en laissant entrevoir un avenir prometteur pour le groupe.

]]>L'entrevue avec Eli Camilo, trompettiste et chanteur principal du groupe Dumaï Dunaï, explore les origines et la dynamique créative de ce collectif musical basé à Montréal. Composé de membres originaires d'Ukraine et de Bulgarie, Dumaï Dunaï fusionne des styles musicaux variés, notamment la musique slavique, le dub et le punk, tout en intégrant des éléments traditionnels de l'Europe de l'Est avec une touche moderne. Elie remonte à l'année 2016 pour expliquer comment l'idée du groupe a germé en lui, et comment, après avoir collaboré avec de nombreux musiciens montréalais au fil des ans, il a finalement réussi à rassembler les talents nécessaires pour donner vie à son projet. Le groupe se compose de sept artistes aux parcours diversifiés qui représentent un véritable carrefour culturel. Eli évoque les disparités dans le processus créatif entre la musique folklorique d'Europe de l'Est, qui repose souvent sur un jeu collectif intuitif, et les méthodes plus structurées et intellectuelles observées en Amérique du Nord. Cette rencontre de cultures et de pratiques musicales engendre un enrichissement mutuel, donnant naissance à une musique qui transcende les frontières tout en honorant les traditions de chacun. Elie souligne que cette diversité influence fortement le son et l'approche artistique du groupe. Montréal, avec sa richesse culturelle et sa scène musicale vibrante, est au cœur de l'expérience de Dumaï Dunaï. Selon Elie, la ville a façonné leur identité artistique, leur permettant de s'immerger dans divers styles et genres musicaux. Il partage son amour pour l'esprit indépendant qui règne à Montréal, où les artistes prennent l'initiative de créer leur propre espace pour la musique. Cet environnement stimule la créativité et encourage l'inventivité, ce qui est essentiel pour le groupe dans son ensemble. La discussion se tourne ensuite vers l'importance des traditions musicales dans le monde contemporain. Elie exprime sa conviction que reconnaître d’où l'on vient est crucial, même dans un monde de plus en plus globalisé. Selon lui, les traditions ne doivent pas être mises de côté ou oubliées, mais plutôt adaptées et évoluées pour coexister avec les nouvelles technologies et les sons modernes. En mélangeant des éléments folkloriques avec des influences contemporaines, Dumaï Dunaï cherche à préserver l'héritage musical tout en le modernisant, permettant ainsi à chacune de leurs compositions de raconter une histoire à la fois ancienne et actuelle. Enfin, l’entrevue prend fin avec l’écoute d'une chanson tirée de leur album "Sometime Between Now and Never", sorti pour 2024. Le titre "Vesnianochka" met en avant la qualité musicale du groupe et constitue une invitation à découvrir leur univers. Eli mentionne également qu’ils seront en tournée à travers le Canada et en Europe cet été, et dévoile leurs projets pour un deuxième album à venir cet automne, ce qui suscite encore plus d'enthousiasme pour les fans de leur musique. L'entretien révèle donc une vision passionnante et constructive du processus artistique de Dumaï Dunaï, tout en laissant entrevoir un avenir prometteur pour le groupe.

]]>87270171-9036-48f7-8782-29f027b06a79Thu, 31 Jul 2025 12:40:00 -060013:31falsebonusL'entrevue avec Eli Camilo, trompettiste et chanteur principal du groupe Dumaï Dunaï, explore les origines et la dynamique créative de ce collectif musical basé à Montréal. Composé de membres originaires d'Ukraine et de Bulgarie, Dumaï Dunaï fusionne des styles musicaux variés, notamment la musique slavique, le dub et le punk, tout en intégrant des éléments traditionnels de l'Europe de l'Est avec une touche moderne. Elie remonte à l'année 2016 pour expliquer comment l'idée du groupe a germé en lui, et comment, après avoir collaboré avec de nombreux musiciens montréalais au fil des ans, il a finalement réussi à rassembler les talents nécessaires pour donner vie à son projet. Le groupe se compose de sept artistes aux parcours diversifiés qui représentent un véritable carrefour culturel. Eli évoque les disparités dans le processus créatif entre la musique folklorique d'Europe de l'Est, qui repose souvent sur un jeu collectif intuitif, et les méthodes plus structurées et intellectuelles observées en Amérique du Nord. Cette rencontre de cultures et de pratiques musicales engendre un enrichissement mutuel, donnant naissance à une musique qui transcende les frontières tout en honorant les traditions de chacun. Elie souligne que cette diversité influence fortement le son et l'approche artistique du groupe. Montréal, avec sa richesse culturelle et sa scène musicale vibrante, est au cœur de l'expérience de Dumaï Dunaï. Selon Elie, la ville a façonné leur identité artistique, leur permettant de s'immerger dans divers styles et genres musicaux. Il partage son amour pour l'esprit indépendant qui règne à Montréal, où les artistes prennent l'initiative de créer leur propre espace pour la musique. Cet environnement stimule la créativité et encourage l'inventivité, ce qui est essentiel pour le groupe dans son ensemble. La discussion se tourne ensuite vers l'importance des traditions musicales dans le monde contemporain. Elie exprime sa conviction que reconnaître d’où l'on vient est crucial, même dans un monde de plus en plus globalisé. Selon lui, les traditions ne doivent pas être mises de côté ou oubliées, mais plutôt adaptées et évoluées pour coexister avec les nouvelles technologies et les sons modernes. En mélangeant des éléments folkloriques avec des influences contemporaines, Dumaï Dunaï cherche à préserver l'héritage musical tout en le modernisant, permettant ainsi à chacune de leurs compositions de raconter une histoire à la fois ancienne et actuelle. Enfin, l’entrevue prend fin avec l’écoute d'une chanson tirée de leur album "Sometime Between Now and Never", sorti pour 2024. Le titre "Vesnianochka" met en avant la qualité musicale du groupe et constitue une invitation à découvrir leur univers. Eli mentionne également qu’ils seront en tournée à travers le Canada et en Europe cet été, et dévoile leurs projets pour un deuxième album à venir cet automne, ce qui suscite encore plus d'enthousiasme pour les fans de leur musique. L'entretien révèle donc une vision passionnante et constructive du processus artistique de Dumaï Dunaï, tout en laissant entrevoir un avenir prometteur pour le groupe.L'Allonge - Jeremie Albino - Radio TaigaL'Allonge - Jeremie Albino - Radio TaigaDans cet épisode de La Longe, Jeremie Albino, auteur-compositeur-interprète originaire de Toronto, partage son parcours musical et ses réflexions sur l'art de performer. Son héritage multiculturel, avec un père philippin et une mère québécoise, a façonné son approche unique à la musique. Il révèle que ses débuts en tant que musicien ont été marqués par des performances de rue, une manière qui lui a permis de surmonter sa timidité en se produisant devant des inconnus plutôt que devant sa famille et ses amis. Ces expériences de "busking" lui ont permis de créer une connexion magique et spontanée avec un public varié, un élément qu'il recherche encore dans ses concerts plus importants. Jeremie explique également le mélange de styles qui caractérise sa musique, notamment le L&B, le country et la soul. Influencé dès son plus jeune âge par des artistes tels que Neil Young et James Taylor, ainsi que par la musique Motown, il a su intégrer ces influences dans son propre son. Il exprime son affection pour la musique traditionnelle et "old-time", affirmant que différents genres sont interconnectés à travers leurs racines folk et blues. Cette compréhension de la musique lui permet d’explorer une palette sonore riche et diversifiée dans ses compositions. En parlant de ses performances, Jeremie décrit comment il se prépare mentalement et physiquement avant chaque spectacle. Il souligne l’importance de conserver son énergie, de rester calme et de se préparer adéquatement, surtout lors des tournées où l'énergie est constamment sollicitée. Sa générosité sur scène est palpable; il ressent une forte responsabilité d’engager le public et de partager des moments émotionnels à travers sa musique. Avec quatre albums studio à son actif, Jeremie partage les chansons qui lui sont chères, notamment "Early Morn", une pièce particulièrement intense qu'il interprète avec une profonde émotion chaque nuit, au point d'être parfois submergé par l'émotion. Cet aspect de sa musique démontre sa vulnérabilité et sa sincérité, des qualités essentielles qui résonnent avec son public. Durant l’épisode, il se remémore également des concerts mémorables, notamment un spectacle marquant dans sa ville natale à Toronto, qui fut une étape importante de sa carrière. Jeremie évoque l'importance de telles performances où il retrouve les personnes qui l’ont soutenu depuis le début de son parcours musical. Les moments de joie et de partage vécus lors de ces concerts renforcent son amour pour la musique et son engagement envers son art. Enfin, il parle des défis inhérents à la vie de musicien sur la route, des pannes de son véhicule aux imprévus de la tournée. Chaque expérience, qu'elle soit positive ou négative, contribue à sa croissance personnelle et artistique. Cette introspection lui permet d'apprécier davantage son rêve devenu réalité : parcourir le monde pour partager sa musique. Suivant cet esprit, il encourage les auditeurs à découvrir son travail disponible sur toutes les plateformes d'écoute, tout en exprimant sa gratitude pour la possibilité de vivre de sa passion.

]]>Dans cet épisode de La Longe, Jeremie Albino, auteur-compositeur-interprète originaire de Toronto, partage son parcours musical et ses réflexions sur l'art de performer. Son héritage multiculturel, avec un père philippin et une mère québécoise, a façonné son approche unique à la musique. Il révèle que ses débuts en tant que musicien ont été marqués par des performances de rue, une manière qui lui a permis de surmonter sa timidité en se produisant devant des inconnus plutôt que devant sa famille et ses amis. Ces expériences de "busking" lui ont permis de créer une connexion magique et spontanée avec un public varié, un élément qu'il recherche encore dans ses concerts plus importants. Jeremie explique également le mélange de styles qui caractérise sa musique, notamment le L&B, le country et la soul. Influencé dès son plus jeune âge par des artistes tels que Neil Young et James Taylor, ainsi que par la musique Motown, il a su intégrer ces influences dans son propre son. Il exprime son affection pour la musique traditionnelle et "old-time", affirmant que différents genres sont interconnectés à travers leurs racines folk et blues. Cette compréhension de la musique lui permet d’explorer une palette sonore riche et diversifiée dans ses compositions. En parlant de ses performances, Jeremie décrit comment il se prépare mentalement et physiquement avant chaque spectacle. Il souligne l’importance de conserver son énergie, de rester calme et de se préparer adéquatement, surtout lors des tournées où l'énergie est constamment sollicitée. Sa générosité sur scène est palpable; il ressent une forte responsabilité d’engager le public et de partager des moments émotionnels à travers sa musique. Avec quatre albums studio à son actif, Jeremie partage les chansons qui lui sont chères, notamment "Early Morn", une pièce particulièrement intense qu'il interprète avec une profonde émotion chaque nuit, au point d'être parfois submergé par l'émotion. Cet aspect de sa musique démontre sa vulnérabilité et sa sincérité, des qualités essentielles qui résonnent avec son public. Durant l’épisode, il se remémore également des concerts mémorables, notamment un spectacle marquant dans sa ville natale à Toronto, qui fut une étape importante de sa carrière. Jeremie évoque l'importance de telles performances où il retrouve les personnes qui l’ont soutenu depuis le début de son parcours musical. Les moments de joie et de partage vécus lors de ces concerts renforcent son amour pour la musique et son engagement envers son art. Enfin, il parle des défis inhérents à la vie de musicien sur la route, des pannes de son véhicule aux imprévus de la tournée. Chaque expérience, qu'elle soit positive ou négative, contribue à sa croissance personnelle et artistique. Cette introspection lui permet d'apprécier davantage son rêve devenu réalité : parcourir le monde pour partager sa musique. Suivant cet esprit, il encourage les auditeurs à découvrir son travail disponible sur toutes les plateformes d'écoute, tout en exprimant sa gratitude pour la possibilité de vivre de sa passion.

]]>d3ef743c-ae43-48d3-be74-23225ef11ddbFri, 25 Jul 2025 10:51:00 -060017:51falsebonusDans cet épisode de La Longe, Jeremie Albino, auteur-compositeur-interprète originaire de Toronto, partage son parcours musical et ses réflexions sur l'art de performer. Son héritage multiculturel, avec un père philippin et une mère québécoise, a façonné son approche unique à la musique. Il révèle que ses débuts en tant que musicien ont été marqués par des performances de rue, une manière qui lui a permis de surmonter sa timidité en se produisant devant des inconnus plutôt que devant sa famille et ses amis. Ces expériences de "busking" lui ont permis de créer une connexion magique et spontanée avec un public varié, un élément qu'il recherche encore dans ses concerts plus importants. Jeremie explique également le mélange de styles qui caractérise sa musique, notamment le L&B, le country et la soul. Influencé dès son plus jeune âge par des artistes tels que Neil Young et James Taylor, ainsi que par la musique Motown, il a su intégrer ces influences dans son propre son. Il exprime son affection pour la musique traditionnelle et "old-time", affirmant que différents genres sont interconnectés à travers leurs racines folk et blues. Cette compréhension de la musique lui permet d’explorer une palette sonore riche et diversifiée dans ses compositions. En parlant de ses performances, Jeremie décrit comment il se prépare mentalement et physiquement avant chaque spectacle. Il souligne l’importance de conserver son énergie, de rester calme et de se préparer adéquatement, surtout lors des tournées où l'énergie est constamment sollicitée. Sa générosité sur scène est palpable; il ressent une forte responsabilité d’engager le public et de partager des moments émotionnels à travers sa musique. Avec quatre albums studio à son actif, Jeremie partage les chansons qui lui sont chères, notamment "Early Morn", une pièce particulièrement intense qu'il interprète avec une profonde émotion chaque nuit, au point d'être parfois submergé par l'émotion. Cet aspect de sa musique démontre sa vulnérabilité et sa sincérité, des qualités essentielles qui résonnent avec son public. Durant l’épisode, il se remémore également des concerts mémorables, notamment un spectacle marquant dans sa ville natale à Toronto, qui fut une étape importante de sa carrière. Jeremie évoque l'importance de telles performances où il retrouve les personnes qui l’ont soutenu depuis le début de son parcours musical. Les moments de joie et de partage vécus lors de ces concerts renforcent son amour pour la musique et son engagement envers son art. Enfin, il parle des défis inhérents à la vie de musicien sur la route, des pannes de son véhicule aux imprévus de la tournée. Chaque expérience, qu'elle soit positive ou négative, contribue à sa croissance personnelle et artistique. Cette introspection lui permet d'apprécier davantage son rêve devenu réalité : parcourir le monde pour partager sa musique. Suivant cet esprit, il encourage les auditeurs à découvrir son travail disponible sur toutes les plateformes d'écoute, tout en exprimant sa gratitude pour la possibilité de vivre de sa passion.Folk on the Rocks 2025 | Al Qahwa - Radio TaigaFolk on the Rocks 2025 | Al Qahwa - Radio TaigaAl Qahwa, un groupe musical torontois aux influences moyen-orientales, fut au cœur d'une interview sur Radio Taïga, où la leader Maryem Tollar nous a partagé son parcours musical fascinant. Originaire d'Égypte, elle émigre au Canada à l'âge d'un an et développe très tôt un intérêt pour la musique folk et pop. Sa carrière prend un tournant à ses 20 ans, lorsqu'un de ses frères, compositeur, lui suggère de prendre des cours de chant arabe. C'est ainsi qu'elle découvre un monde musical riche et diversifié, interagissant avec un public passionné par la musique du monde, au-delà des confinements culturels habituels. Maryam parle de l'impact de la scène musicale de Toronto sur leur groupe. Dans les années 1990, cette diversité lui a permis de rencontrer des musiciens d'horizons variés, créant un environnement propice aux collaborations. Au fil du temps, les poches musicales, autrefois segmentées par origines culturelles, se fondent pour donner naissance à des projets hybrides où se mêlent les influences arabes, turques et balkanique. Maryam évoque son sentiment d'appartenance dans cette ville, où chaque musicien apporte une touche unique, et où les nouvelles vagues d'immigrants facilitent cette ouverture et la créativité. L'interview aborde également l'apprentissage de la tradition musicale arabe, notamment les chants soufis, que Mariam a étudiés en Syrie. Elle décrit la complexité de la musique arabe, notamment à travers l'ornementation des chants, un défi qui lui a demandé un investissement personnel important. Elle se souvient d'une performance particulière avec une symphonie, où elle perdait la notion du temps en chantant, absorbée par l'impact émotionnel de la musique. Cette immersion dans l'art est au cœur de sa passion. Au-delà de la musique, Maryem souligne l'importance de son œuvre en tant qu'artiste arabe dans un contexte où les stéréotypes dominent. Elle utilise sa plateforme pour élever la voix des cultures souvent mal comprises et pour aborder des sujets sensibles comme le conflit israélo-palestinien. Elle s'efforce d'apporter de la sensibilisation et de mettre en lumière des perspectives souvent négligées. En le faisant, elle cherche non seulement à briser les murs culturels, mais aussi à encourager un message de paix et de coexistence. L'interview aborde aussi leur anticipation pour le festival Folk on the Rocks, où ils espèrent partager leur musique unique avec un public nouveau. Mariam exprime son enthousiasme à rencontrer des gens de Yellowknife, où elle espère que l'accueil sera chaleureux et que leur musique pourra trouver un écho. Ses attentes soulignent non seulement son désir de performance, mais aussi de connexion humaine à travers la musique, fusionnant les cultures et les expériences partagées. En somme, cette conversation offre un aperçu riche et nuancé de la carrière et des motivations de Maryem Tollar et du groupe Al Qahwa. Leur engagement à transcender les frontières musicales et culturelles tout en restant ancrés dans leurs racines est la pierre angulaire de leur art, portant un message de passion, d'amour et de désir d'harmonie.

]]>Al Qahwa, un groupe musical torontois aux influences moyen-orientales, fut au cœur d'une interview sur Radio Taïga, où la leader Maryem Tollar nous a partagé son parcours musical fascinant. Originaire d'Égypte, elle émigre au Canada à l'âge d'un an et développe très tôt un intérêt pour la musique folk et pop. Sa carrière prend un tournant à ses 20 ans, lorsqu'un de ses frères, compositeur, lui suggère de prendre des cours de chant arabe. C'est ainsi qu'elle découvre un monde musical riche et diversifié, interagissant avec un public passionné par la musique du monde, au-delà des confinements culturels habituels. Maryam parle de l'impact de la scène musicale de Toronto sur leur groupe. Dans les années 1990, cette diversité lui a permis de rencontrer des musiciens d'horizons variés, créant un environnement propice aux collaborations. Au fil du temps, les poches musicales, autrefois segmentées par origines culturelles, se fondent pour donner naissance à des projets hybrides où se mêlent les influences arabes, turques et balkanique. Maryam évoque son sentiment d'appartenance dans cette ville, où chaque musicien apporte une touche unique, et où les nouvelles vagues d'immigrants facilitent cette ouverture et la créativité. L'interview aborde également l'apprentissage de la tradition musicale arabe, notamment les chants soufis, que Mariam a étudiés en Syrie. Elle décrit la complexité de la musique arabe, notamment à travers l'ornementation des chants, un défi qui lui a demandé un investissement personnel important. Elle se souvient d'une performance particulière avec une symphonie, où elle perdait la notion du temps en chantant, absorbée par l'impact émotionnel de la musique. Cette immersion dans l'art est au cœur de sa passion. Au-delà de la musique, Maryem souligne l'importance de son œuvre en tant qu'artiste arabe dans un contexte où les stéréotypes dominent. Elle utilise sa plateforme pour élever la voix des cultures souvent mal comprises et pour aborder des sujets sensibles comme le conflit israélo-palestinien. Elle s'efforce d'apporter de la sensibilisation et de mettre en lumière des perspectives souvent négligées. En le faisant, elle cherche non seulement à briser les murs culturels, mais aussi à encourager un message de paix et de coexistence. L'interview aborde aussi leur anticipation pour le festival Folk on the Rocks, où ils espèrent partager leur musique unique avec un public nouveau. Mariam exprime son enthousiasme à rencontrer des gens de Yellowknife, où elle espère que l'accueil sera chaleureux et que leur musique pourra trouver un écho. Ses attentes soulignent non seulement son désir de performance, mais aussi de connexion humaine à travers la musique, fusionnant les cultures et les expériences partagées. En somme, cette conversation offre un aperçu riche et nuancé de la carrière et des motivations de Maryem Tollar et du groupe Al Qahwa. Leur engagement à transcender les frontières musicales et culturelles tout en restant ancrés dans leurs racines est la pierre angulaire de leur art, portant un message de passion, d'amour et de désir d'harmonie.

]]>ab1186e8-5cc5-468d-bf49-eaff57c5bf32Sat, 19 Jul 2025 11:56:00 -060026:30falsebonusAl Qahwa, un groupe musical torontois aux influences moyen-orientales, fut au cœur d'une interview sur Radio Taïga, où la leader Maryem Tollar nous a partagé son parcours musical fascinant. Originaire d'Égypte, elle émigre au Canada à l'âge d'un an et développe très tôt un intérêt pour la musique folk et pop. Sa carrière prend un tournant à ses 20 ans, lorsqu'un de ses frères, compositeur, lui suggère de prendre des cours de chant arabe. C'est ainsi qu'elle découvre un monde musical riche et diversifié, interagissant avec un public passionné par la musique du monde, au-delà des confinements culturels habituels. Maryam parle de l'impact de la scène musicale de Toronto sur leur groupe. Dans les années 1990, cette diversité lui a permis de rencontrer des musiciens d'horizons variés, créant un environnement propice aux collaborations. Au fil du temps, les poches musicales, autrefois segmentées par origines culturelles, se fondent pour donner naissance à des projets hybrides où se mêlent les influences arabes, turques et balkanique. Maryam évoque son sentiment d'appartenance dans cette ville, où chaque musicien apporte une touche unique, et où les nouvelles vagues d'immigrants facilitent cette ouverture et la créativité. L'interview aborde également l'apprentissage de la tradition musicale arabe, notamment les chants soufis, que Mariam a étudiés en Syrie. Elle décrit la complexité de la musique arabe, notamment à travers l'ornementation des chants, un défi qui lui a demandé un investissement personnel important. Elle se souvient d'une performance particulière avec une symphonie, où elle perdait la notion du temps en chantant, absorbée par l'impact émotionnel de la musique. Cette immersion dans l'art est au cœur de sa passion. Au-delà de la musique, Maryem souligne l'importance de son œuvre en tant qu'artiste arabe dans un contexte où les stéréotypes dominent. Elle utilise sa plateforme pour élever la voix des cultures souvent mal comprises et pour aborder des sujets sensibles comme le conflit israélo-palestinien. Elle s'efforce d'apporter de la sensibilisation et de mettre en lumière des perspectives souvent négligées. En le faisant, elle cherche non seulement à briser les murs culturels, mais aussi à encourager un message de paix et de coexistence. L'interview aborde aussi leur anticipation pour le festival Folk on the Rocks, où ils espèrent partager leur musique unique avec un public nouveau. Mariam exprime son enthousiasme à rencontrer des gens de Yellowknife, où elle espère que l'accueil sera chaleureux et que leur musique pourra trouver un écho. Ses attentes soulignent non seulement son désir de performance, mais aussi de connexion humaine à travers la musique, fusionnant les cultures et les expériences partagées. En somme, cette conversation offre un aperçu riche et nuancé de la carrière et des motivations de Maryem Tollar et du groupe Al Qahwa. Leur engagement à transcender les frontières musicales et culturelles tout en restant ancrés dans leurs racines est la pierre angulaire de leur art, portant un message de passion, d'amour et de désir d'harmonie.Folk on the Rocks 2025 | Major Funk - Radio TaigaFolk on the Rocks 2025 | Major Funk - Radio TaigaL'épisode du podcast Radio Taïga se concentre sur une interview captivante avec Étienne Girard, bassiste et compositeur du groupe Major Funk, originaire de Whitehorse, Yukon. Major Funk se distingue par son ambition de faire danser les gens grâce à une musique dynamique, mélangeant funk, pop et soul. Étienne évoque les origines du groupe, qui a été formé il y a environ 11 ans, alors qu'il a ressenti un besoin de créer un espace musical où les gens pourraient s'amuser et se dégourdir dans l'obscurité et le froid du Nord canadien. Son expérience en tant que francouïcanais et son appréciation pour les grandes formations musicales ont alimenté son désir de rassembler des musiciens de divers horizons, qui ont tous contribué à l'identité festive et unique de Major Funk. Au fil de l'interview, Étienne partage comment la beauté du Yukon et la particularité de la vie dans le Nord nourrissent l'écriture des chansons du groupe. Selon lui, l'environnement froid et sombre influence non seulement le style de vie, mais également l'art qu'ils créent. Major Funk, bien qu'il soit principalement francophone, s'adresse à un public diversifié avec une forte composante musicale en français. Cela se ressent dans leur répertoire, avec des morceaux en français qui surprennent et réjouissent souvent leur public, même si ce dernier est parfois perçu comme minoritaire dans cette région. L'aspect francophone de leur musique est particulièrement célébré lors d'événements culturels tels que la Saint-Jean-Baptiste, où le groupe a pu rassembler une communauté tout en divertissant leurs fans. Le son de Major Funk a évolué au fil des ans, passant d'un style funk traditionnel à une combinaison plus éclectique intégrant des influences de la pop moderne et du disco. Étienne souligne que tout le groupe était initialement peu familiarisé avec ce type de musique, mais qu'ils ont tous appris et développé leur son ensemble, inspirés par des groupes emblématiques comme Chic. Leur objectif reste de faire danser leur public, quel que soit leur âge, en offrant une musique accessible et festive. Cet engagement pour la danse et l'énergie collective se reflète dans leur processus créatif, qui a été fortement influencé par les contraintes de la pandémie de COVID-19. Cela les a conduits à se concentrer sur les aspects techniques de la création musicale, apprenant à enregistrer et à arranger leurs morceaux à distance, tout en maintenant une collaboration étroite en ligne. En outre, Étienne parle des projets futurs de Major Funk, évoquant une récente tournée dans le Nord du Colombie-Britannique, des concerts à venir, ainsi que des plans pour un gros spectacle de disco à Whitehorse, intégrant des éléments de performance et des chorégraphies. Le groupe a aussi récemment acquis une subvention gouvernementale pour l'enregistrement de leur prochain album, sur lequel ils travaillent déjà. Il mentionne une nouvelle chanson en français, intitulée "Ici et là," qu'il considère comme l'un de leurs meilleurs morceaux à ce jour. L'anticipation pour la sortie de cet album est palpable, avec une planification pour une potentielle tournée en 2024. Enfin, l'interview se conclut avec une invitation chaleureuse aux auditeurs pour venir voir Major Funk lors de leurs spectacles et à les suivre en ligne, notamment via leur site web et leurs plateformes de streaming. Étienne exprime l'amour du groupe pour le Yukon et sa communauté, réaffirmant leur disponibilité sur YouTube et d'autres réseaux sociaux pour partager leur musique et leur passion.

]]>L'épisode du podcast Radio Taïga se concentre sur une interview captivante avec Étienne Girard, bassiste et compositeur du groupe Major Funk, originaire de Whitehorse, Yukon. Major Funk se distingue par son ambition de faire danser les gens grâce à une musique dynamique, mélangeant funk, pop et soul. Étienne évoque les origines du groupe, qui a été formé il y a environ 11 ans, alors qu'il a ressenti un besoin de créer un espace musical où les gens pourraient s'amuser et se dégourdir dans l'obscurité et le froid du Nord canadien. Son expérience en tant que francouïcanais et son appréciation pour les grandes formations musicales ont alimenté son désir de rassembler des musiciens de divers horizons, qui ont tous contribué à l'identité festive et unique de Major Funk. Au fil de l'interview, Étienne partage comment la beauté du Yukon et la particularité de la vie dans le Nord nourrissent l'écriture des chansons du groupe. Selon lui, l'environnement froid et sombre influence non seulement le style de vie, mais également l'art qu'ils créent. Major Funk, bien qu'il soit principalement francophone, s'adresse à un public diversifié avec une forte composante musicale en français. Cela se ressent dans leur répertoire, avec des morceaux en français qui surprennent et réjouissent souvent leur public, même si ce dernier est parfois perçu comme minoritaire dans cette région. L'aspect francophone de leur musique est particulièrement célébré lors d'événements culturels tels que la Saint-Jean-Baptiste, où le groupe a pu rassembler une communauté tout en divertissant leurs fans. Le son de Major Funk a évolué au fil des ans, passant d'un style funk traditionnel à une combinaison plus éclectique intégrant des influences de la pop moderne et du disco. Étienne souligne que tout le groupe était initialement peu familiarisé avec ce type de musique, mais qu'ils ont tous appris et développé leur son ensemble, inspirés par des groupes emblématiques comme Chic. Leur objectif reste de faire danser leur public, quel que soit leur âge, en offrant une musique accessible et festive. Cet engagement pour la danse et l'énergie collective se reflète dans leur processus créatif, qui a été fortement influencé par les contraintes de la pandémie de COVID-19. Cela les a conduits à se concentrer sur les aspects techniques de la création musicale, apprenant à enregistrer et à arranger leurs morceaux à distance, tout en maintenant une collaboration étroite en ligne. En outre, Étienne parle des projets futurs de Major Funk, évoquant une récente tournée dans le Nord du Colombie-Britannique, des concerts à venir, ainsi que des plans pour un gros spectacle de disco à Whitehorse, intégrant des éléments de performance et des chorégraphies. Le groupe a aussi récemment acquis une subvention gouvernementale pour l'enregistrement de leur prochain album, sur lequel ils travaillent déjà. Il mentionne une nouvelle chanson en français, intitulée "Ici et là," qu'il considère comme l'un de leurs meilleurs morceaux à ce jour. L'anticipation pour la sortie de cet album est palpable, avec une planification pour une potentielle tournée en 2024. Enfin, l'interview se conclut avec une invitation chaleureuse aux auditeurs pour venir voir Major Funk lors de leurs spectacles et à les suivre en ligne, notamment via leur site web et leurs plateformes de streaming. Étienne exprime l'amour du groupe pour le Yukon et sa communauté, réaffirmant leur disponibilité sur YouTube et d'autres réseaux sociaux pour partager leur musique et leur passion.

]]>7a798178-f805-47b5-9cae-07d2e9666062Thu, 10 Jul 2025 13:02:00 -060017:45falsebonusL'épisode du podcast Radio Taïga se concentre sur une interview captivante avec Étienne Girard, bassiste et compositeur du groupe Major Funk, originaire de Whitehorse, Yukon. Major Funk se distingue par son ambition de faire danser les gens grâce à une musique dynamique, mélangeant funk, pop et soul. Étienne évoque les origines du groupe, qui a été formé il y a environ 11 ans, alors qu'il a ressenti un besoin de créer un espace musical où les gens pourraient s'amuser et se dégourdir dans l'obscurité et le froid du Nord canadien. Son expérience en tant que francouïcanais et son appréciation pour les grandes formations musicales ont alimenté son désir de rassembler des musiciens de divers horizons, qui ont tous contribué à l'identité festive et unique de Major Funk. Au fil de l'interview, Étienne partage comment la beauté du Yukon et la particularité de la vie dans le Nord nourrissent l'écriture des chansons du groupe. Selon lui, l'environnement froid et sombre influence non seulement le style de vie, mais également l'art qu'ils créent. Major Funk, bien qu'il soit principalement francophone, s'adresse à un public diversifié avec une forte composante musicale en français. Cela se ressent dans leur répertoire, avec des morceaux en français qui surprennent et réjouissent souvent leur public, même si ce dernier est parfois perçu comme minoritaire dans cette région. L'aspect francophone de leur musique est particulièrement célébré lors d'événements culturels tels que la Saint-Jean-Baptiste, où le groupe a pu rassembler une communauté tout en divertissant leurs fans. Le son de Major Funk a évolué au fil des ans, passant d'un style funk traditionnel à une combinaison plus éclectique intégrant des influences de la pop moderne et du disco. Étienne souligne que tout le groupe était initialement peu familiarisé avec ce type de musique, mais qu'ils ont tous appris et développé leur son ensemble, inspirés par des groupes emblématiques comme Chic. Leur objectif reste de faire danser leur public, quel que soit leur âge, en offrant une musique accessible et festive. Cet engagement pour la danse et l'énergie collective se reflète dans leur processus créatif, qui a été fortement influencé par les contraintes de la pandémie de COVID-19. Cela les a conduits à se concentrer sur les aspects techniques de la création musicale, apprenant à enregistrer et à arranger leurs morceaux à distance, tout en maintenant une collaboration étroite en ligne. En outre, Étienne parle des projets futurs de Major Funk, évoquant une récente tournée dans le Nord du Colombie-Britannique, des concerts à venir, ainsi que des plans pour un gros spectacle de disco à Whitehorse, intégrant des éléments de performance et des chorégraphies. Le groupe a aussi récemment acquis une subvention gouvernementale pour l'enregistrement de leur prochain album, sur lequel ils travaillent déjà. Il mentionne une nouvelle chanson en français, intitulée "Ici et là," qu'il considère comme l'un de leurs meilleurs morceaux à ce jour. L'anticipation pour la sortie de cet album est palpable, avec une planification pour une potentielle tournée en 2024. Enfin, l'interview se conclut avec une invitation chaleureuse aux auditeurs pour venir voir Major Funk lors de leurs spectacles et à les suivre en ligne, notamment via leur site web et leurs plateformes de streaming. Étienne exprime l'amour du groupe pour le Yukon et sa communauté, réaffirmant leur disponibilité sur YouTube et d'autres réseaux sociaux pour partager leur musique et leur passion.L'Allonge - Yves Lécuyer - Radio TaigaL'Allonge - Yves Lécuyer - Radio TaigaDans cet épisode captivant de L'allonge, co-produit par Radio Taïga et Folk on the Rock, nous avons eu le plaisir d'accueillir Yves Lécuyer lors de la fête de la Saint-Jean-Baptiste. Yves a partagé des anecdotes fascinantes sur son parcours musical dans le territoire du Nord-Ouest. Il nous a plongés dans son univers créatif, en discutant de ses compositions et des inspirations qui l'animent. Les paroles de ses chansons, comme celles de son titre "Scaphandrier", révèlent une profondeur émotionnelle qui illustre des moments de sa vie personnelle ainsi que des réflexions introspectives. Yves nous a également livré les secrets derrière l'écriture de ses textes, nous expliquant comment les relations humaines et les expériences de vie constituent la base de son œuvre. Parfois teintées de mélancolie, ses chansons traduisent ses joies et ses peines, des sensations universelles accessibles à tous. Il a évoqué la manière dont il aborde le processus d'écriture, intégrant des récits d'histoires vécues et de fictions qui, bien que moins impactantes, enrichissent son répertoire. Au fil de la conversation, Yves a parlé de ses débuts musicaux, de la composition de ses premières chansons et des influences marquantes qui ont jalonné son parcours artistique. Il a décrit son style musical, mêlant folk et rock, et a mentionné l'impact de figures emblématiques telles que Bernard Adamus et le groupe Switchfoot sur son évolution en tant qu'artiste. Son expérience démontre combien les influences culturelles variées peuvent façonner l'identité artistique d'un individu. L'épisode aborde également la dynamique de sa carrière entre travail solo et collaboration avec des groupes, comme Dead Freight. Yves partage son appréciation pour le travail en groupe, soulignant la camaraderie et l'énergie d'un spectacle collectif, tout en reconnaissant que le contrôle créatif d'un artiste solo offre une liberté artistique appréciable. Il compare l'attrait de chacun de ces chemins, manifestant un profond respect pour les différentes facettes de la performance musicale. Enfin, il aborde les particularités d'être un artiste francophone au territoire du Nord-Ouest et les opportunités qui se présentent à lui, notamment lorsqu'il a eu l'honneur de partager la scène avec des artistes renommés comme Damien Robitaille et Émile Bilodeau. Yves souligne la chance qu'il a de représenter la musique francophone dans un contexte où elle est encore relativement rare, rendant ses performances d'autant plus spéciales et demandées. Cet épisode de La Longe offre ainsi un aperçu authentique de la vie d'un artiste passionné, agile dans l'expression de ses sentiments et engagé envers sa communauté musicale.

]]>Dans cet épisode captivant de L'allonge, co-produit par Radio Taïga et Folk on the Rock, nous avons eu le plaisir d'accueillir Yves Lécuyer lors de la fête de la Saint-Jean-Baptiste. Yves a partagé des anecdotes fascinantes sur son parcours musical dans le territoire du Nord-Ouest. Il nous a plongés dans son univers créatif, en discutant de ses compositions et des inspirations qui l'animent. Les paroles de ses chansons, comme celles de son titre "Scaphandrier", révèlent une profondeur émotionnelle qui illustre des moments de sa vie personnelle ainsi que des réflexions introspectives. Yves nous a également livré les secrets derrière l'écriture de ses textes, nous expliquant comment les relations humaines et les expériences de vie constituent la base de son œuvre. Parfois teintées de mélancolie, ses chansons traduisent ses joies et ses peines, des sensations universelles accessibles à tous. Il a évoqué la manière dont il aborde le processus d'écriture, intégrant des récits d'histoires vécues et de fictions qui, bien que moins impactantes, enrichissent son répertoire. Au fil de la conversation, Yves a parlé de ses débuts musicaux, de la composition de ses premières chansons et des influences marquantes qui ont jalonné son parcours artistique. Il a décrit son style musical, mêlant folk et rock, et a mentionné l'impact de figures emblématiques telles que Bernard Adamus et le groupe Switchfoot sur son évolution en tant qu'artiste. Son expérience démontre combien les influences culturelles variées peuvent façonner l'identité artistique d'un individu. L'épisode aborde également la dynamique de sa carrière entre travail solo et collaboration avec des groupes, comme Dead Freight. Yves partage son appréciation pour le travail en groupe, soulignant la camaraderie et l'énergie d'un spectacle collectif, tout en reconnaissant que le contrôle créatif d'un artiste solo offre une liberté artistique appréciable. Il compare l'attrait de chacun de ces chemins, manifestant un profond respect pour les différentes facettes de la performance musicale. Enfin, il aborde les particularités d'être un artiste francophone au territoire du Nord-Ouest et les opportunités qui se présentent à lui, notamment lorsqu'il a eu l'honneur de partager la scène avec des artistes renommés comme Damien Robitaille et Émile Bilodeau. Yves souligne la chance qu'il a de représenter la musique francophone dans un contexte où elle est encore relativement rare, rendant ses performances d'autant plus spéciales et demandées. Cet épisode de La Longe offre ainsi un aperçu authentique de la vie d'un artiste passionné, agile dans l'expression de ses sentiments et engagé envers sa communauté musicale.

]]>2045025d-205b-4938-9621-15e36ef7c41cWed, 09 Jul 2025 00:56:00 -060008:42falsebonusDans cet épisode captivant de L'allonge, co-produit par Radio Taïga et Folk on the Rock, nous avons eu le plaisir d'accueillir Yves Lécuyer lors de la fête de la Saint-Jean-Baptiste. Yves a partagé des anecdotes fascinantes sur son parcours musical dans le territoire du Nord-Ouest. Il nous a plongés dans son univers créatif, en discutant de ses compositions et des inspirations qui l'animent. Les paroles de ses chansons, comme celles de son titre "Scaphandrier", révèlent une profondeur émotionnelle qui illustre des moments de sa vie personnelle ainsi que des réflexions introspectives. Yves nous a également livré les secrets derrière l'écriture de ses textes, nous expliquant comment les relations humaines et les expériences de vie constituent la base de son œuvre. Parfois teintées de mélancolie, ses chansons traduisent ses joies et ses peines, des sensations universelles accessibles à tous. Il a évoqué la manière dont il aborde le processus d'écriture, intégrant des récits d'histoires vécues et de fictions qui, bien que moins impactantes, enrichissent son répertoire. Au fil de la conversation, Yves a parlé de ses débuts musicaux, de la composition de ses premières chansons et des influences marquantes qui ont jalonné son parcours artistique. Il a décrit son style musical, mêlant folk et rock, et a mentionné l'impact de figures emblématiques telles que Bernard Adamus et le groupe Switchfoot sur son évolution en tant qu'artiste. Son expérience démontre combien les influences culturelles variées peuvent façonner l'identité artistique d'un individu. L'épisode aborde également la dynamique de sa carrière entre travail solo et collaboration avec des groupes, comme Dead Freight. Yves partage son appréciation pour le travail en groupe, soulignant la camaraderie et l'énergie d'un spectacle collectif, tout en reconnaissant que le contrôle créatif d'un artiste solo offre une liberté artistique appréciable. Il compare l'attrait de chacun de ces chemins, manifestant un profond respect pour les différentes facettes de la performance musicale. Enfin, il aborde les particularités d'être un artiste francophone au territoire du Nord-Ouest et les opportunités qui se présentent à lui, notamment lorsqu'il a eu l'honneur de partager la scène avec des artistes renommés comme Damien Robitaille et Émile Bilodeau. Yves souligne la chance qu'il a de représenter la musique francophone dans un contexte où elle est encore relativement rare, rendant ses performances d'autant plus spéciales et demandées. Cet épisode de La Longe offre ainsi un aperçu authentique de la vie d'un artiste passionné, agile dans l'expression de ses sentiments et engagé envers sa communauté musicale.Folk on the Rocks 2025 | HYFY - Radio TaigaFolk on the Rocks 2025 | HYFY - Radio TaigaL'entrevue avec le groupe HYFY, diffusée dans le cadre de l'émission La Longe, offre un aperçu fascinant de l'origine et de l'évolution de ce groupe de punk-rock prometteur. Les membres, Cat McGurk (voix), René O'Reilly (guitare), Kay Sibbeston (batterie) et Peter Adourian (basse), partagent leurs parcours musicaux, expliquant comment chacun d'eux a été attiré vers la musique et comment leurs chemins se sont croisés pour former HYFY.

René évoque le début de son aventure musicale, mentionnant que sa famille, imprégnée de musique, a joué un rôle clé dans son développement artistique. Sa mère était membre d'un groupe appelé Northern Skies, et son père, bien qu'il ne joue pas d'instrument, a toujours eu une grande passion pour la musique. C'est dans cet environnement musical stimulant que René a commencé à apprendre le piano avant de se plonger dans la guitare, rêvant de devenir une rockstar. Cat, qui partage ce passion pour la musique, souligne également l'effervescence de la scène musicale à Yellowknife, où de nombreux artistes s'investissent pour créer un espace propice aux performances live et à la créativité.

Les membres du groupe discutent ensuite de leur rencontre et de la façon dont Kay a été intégré dans le groupe. Ils plaisantent sur le fait qu’ils n’ont pas vraiment laissé de choix à Kay pour rejoindre HYFY, révélant ainsi une dynamique teintée d'humour et de camaraderie. L'alchimie entre les membres est palpable, chacun apportant sa propre énergie au groupe. Cat et Peter sont décrits comme plus manifestement énergiques, tandis que René et Kay adoptent une approche plus réservée, créant une dialectique intéressante au sein du groupe.

Leur performance est une véritable explosion d'énergie, rendant hommage aux racines punk-rock du groupe. René insiste sur l'importance de maintenir un rythme rapide et d'éviter les interludes inutiles lors de leurs concerts, ce qui témoigne de leur désir de garder le public captivé et engagé. Avec un répertoire qui s'enchaîne sans relâche, Hi-Fi promet une expérience live dynamique et immersive, parfaite pour des festivals comme Falcon on the Rock.

Enfin, l'entrevue se conclut sur une note d'anticipation pour leur performance à l'édition 2025 du festival. Les membres de HYFY semblent prêts à faire vibrer la scène principale, avec une promesse de divertir le public avec leurs sonorités punk tout en créant un lien fort avec leurs fans. Ce portrait du groupe non seulement met en lumière leur passion pour la musique, mais aussi leur volonté de s'intégrer dans la scène musicale locale, marquant ainsi les débuts d'une carrière qui s'annonce prometteuse.

]]>L'entrevue avec le groupe HYFY, diffusée dans le cadre de l'émission La Longe, offre un aperçu fascinant de l'origine et de l'évolution de ce groupe de punk-rock prometteur. Les membres, Cat McGurk (voix), René O'Reilly (guitare), Kay Sibbeston (batterie) et Peter Adourian (basse), partagent leurs parcours musicaux, expliquant comment chacun d'eux a été attiré vers la musique et comment leurs chemins se sont croisés pour former HYFY.

René évoque le début de son aventure musicale, mentionnant que sa famille, imprégnée de musique, a joué un rôle clé dans son développement artistique. Sa mère était membre d'un groupe appelé Northern Skies, et son père, bien qu'il ne joue pas d'instrument, a toujours eu une grande passion pour la musique. C'est dans cet environnement musical stimulant que René a commencé à apprendre le piano avant de se plonger dans la guitare, rêvant de devenir une rockstar. Cat, qui partage ce passion pour la musique, souligne également l'effervescence de la scène musicale à Yellowknife, où de nombreux artistes s'investissent pour créer un espace propice aux performances live et à la créativité.

Les membres du groupe discutent ensuite de leur rencontre et de la façon dont Kay a été intégré dans le groupe. Ils plaisantent sur le fait qu’ils n’ont pas vraiment laissé de choix à Kay pour rejoindre HYFY, révélant ainsi une dynamique teintée d'humour et de camaraderie. L'alchimie entre les membres est palpable, chacun apportant sa propre énergie au groupe. Cat et Peter sont décrits comme plus manifestement énergiques, tandis que René et Kay adoptent une approche plus réservée, créant une dialectique intéressante au sein du groupe.

Leur performance est une véritable explosion d'énergie, rendant hommage aux racines punk-rock du groupe. René insiste sur l'importance de maintenir un rythme rapide et d'éviter les interludes inutiles lors de leurs concerts, ce qui témoigne de leur désir de garder le public captivé et engagé. Avec un répertoire qui s'enchaîne sans relâche, Hi-Fi promet une expérience live dynamique et immersive, parfaite pour des festivals comme Falcon on the Rock.

Enfin, l'entrevue se conclut sur une note d'anticipation pour leur performance à l'édition 2025 du festival. Les membres de HYFY semblent prêts à faire vibrer la scène principale, avec une promesse de divertir le public avec leurs sonorités punk tout en créant un lien fort avec leurs fans. Ce portrait du groupe non seulement met en lumière leur passion pour la musique, mais aussi leur volonté de s'intégrer dans la scène musicale locale, marquant ainsi les débuts d'une carrière qui s'annonce prometteuse.

]]>656a2b58-2bd3-45d9-ad37-93c9bff6f262Thu, 19 Jun 2025 13:15:00 -060005:52falsebonusL'entrevue avec le groupe Hi-Fi, diffusée dans le cadre de l'émission La Longe, offre un aperçu fascinant de l'origine et de l'évolution de ce groupe de punk-rock prometteur. Les membres, Cat McGurk (voix), René O'Reilly (guitare), Kay Sibbeston (batterie) et Peter Adourian (basse), partagent leurs parcours musicaux, expliquant comment chacun d'eux a été attiré vers la musique et comment leurs chemins se sont croisés pour former Hi-Fi. René évoque le début de son aventure musicale, mentionnant que sa famille, imprégnée de musique, a joué un rôle clé dans son développement artistique. Sa mère était membre d'un groupe appelé Northern Skies, et son père, bien qu'il ne joue pas d'instrument, a toujours eu une grande passion pour la musique. C'est dans cet environnement musical stimulant que René a commencé à apprendre le piano avant de se plonger dans la guitare, rêvant de devenir une rockstar. Cat, qui partage ce passion pour la musique, souligne également l'effervescence de la scène musicale à Yellowknife, où de nombreux artistes s'investissent pour créer un espace propice aux performances live et à la créativité. Les membres du groupe discutent ensuite de leur rencontre et de la façon dont Kay a été intégré dans le groupe. Ils plaisantent sur le fait qu’ils n’ont pas vraiment laissé de choix à Kay pour rejoindre Hi-Fi, révélant ainsi une dynamique teintée d'humour et de camaraderie. L'alchimie entre les membres est palpable, chacun apportant sa propre énergie au groupe. Cat et Peter sont décrits comme plus manifestement énergiques, tandis que René et Kay adoptent une approche plus réservée, créant une dialectique intéressante au sein du groupe. Leur performance est une véritable explosion d'énergie, rendant hommage aux racines punk-rock du groupe. René insiste sur l'importance de maintenir un rythme rapide et d'éviter les interludes inutiles lors de leurs concerts, ce qui témoigne de leur désir de garder le public captivé et engagé. Avec un répertoire qui s'enchaîne sans relâche, Hi-Fi promet une expérience live dynamique et immersive, parfaite pour des festivals comme Falcon on the Rock. Enfin, l'entrevue se conclut sur une note d'anticipation pour leur performance à l'édition 2025 du festival. Les membres de HyFy semblent prêts à faire vibrer la scène principale, avec une promesse de divertir le public avec leurs sonorités punk tout en créant un lien fort avec leurs fans. Ce portrait du groupe non seulement met en lumière leur passion pour la musique, mais aussi leur volonté de s'intégrer dans la scène musicale locale, marquant ainsi les débuts d'une carrière qui s'annonce prometteuse.Folk on the Rocks 2025 | Empress Nyringango - Radio TaigaFolk on the Rocks 2025 | Empress Nyringango - Radio TaigaL'épisode du podcast "L'allonge", diffusé par Radio Taïga et Folk on the Rock, met en avant l'artiste Empress Nyringango, qui se prépare à se produire au festival Folk on the Rock cet été. Originaire du Rwanda et actuellement basée à Ottawa, Empress, également connue sous le nom de Ninette Nyringango, partage son parcours musical riche, fortement influencé par ses racines culturelles rwandaises et son expérience en tant que réfugiée. Dans un premier temps, Ninette introduit son identité en expliquant la signification de son nom de famille, évoquant ses valeurs de courage et de résilience. Elle raconte comment, dès son adolescence, elle a commencé à se plonger dans la musique, notamment à travers des performances live, ce qui a été catalyseur dans son écriture. Son expérience personnelle, marquée par le génocide rwandais de 1994 et la vie en tant que réfugiée, est au cœur de sa création artistique. Ninette évoque son enfance à Bujumbura, où la diversité musicale a façonné son approche. Elle s'inspire de multiples genres, incorporant des éléments de musique traditionnelle rwandaise, ainsi que des styles contemporains comme le jazz et le blues africain. En développant son œuvre, Ninette souligne l'importance de transmettre des messages de guérison et d'espoir à travers sa musique. Elle considère celle-ci comme un instrument de connexion et de rétablissement pour ceux qui ont souffert, s'efforçant d'unir les cœurs au-delà des souffrances passées. Elle partage son enthousiasme à l'idée de se produire à Yellowknife, espérant que son concert sera une expérience mémorable tant pour elle que pour son public. Ninette précise qu'elle aspire à bâtir des ponts entre différentes cultures en intégrant son héritage rwandais tout en célébrant son parcours canadien. L'interview aborde également le processus créatif et les thèmes centraux des chansons de Ninette, notamment la résilience et la réconciliation. Elle explique que ses écrits, comme la chanson "Umurage", évoquent les défis de pardonner et d'avancer malgré les injustices subies, un message qu'elle estime essentiel dans le contexte des tragédies historiques. Les réflexions autour de la résilience sont récurrentes, parlant de sa propre histoire familiale, notamment la perte de proches durant le génocide, et comment cela alimente son art. Enfin, Ninette donne un aperçu de ses projets futurs, notamment son quatrième album, une chanson à paraître liée à un film canadien axé sur l'histoire du Rwanda, ainsi que des collaborations avec des artistes ouest-africains. Avec plusieurs concerts prévus, Ninette prévoit de poursuivre sa mission de transmettre des messages de paix et d'unité à travers sa musique. L'épisode se termine sur une note inspirante où elle invite son auditoire à embrasser la musique en tant que langage universel, encourageant les gens à se rassembler dans un esprit de solidarité et de joie lors de ses performances.

]]>L'épisode du podcast "L'allonge", diffusé par Radio Taïga et Folk on the Rock, met en avant l'artiste Empress Nyringango, qui se prépare à se produire au festival Folk on the Rock cet été. Originaire du Rwanda et actuellement basée à Ottawa, Empress, également connue sous le nom de Ninette Nyringango, partage son parcours musical riche, fortement influencé par ses racines culturelles rwandaises et son expérience en tant que réfugiée. Dans un premier temps, Ninette introduit son identité en expliquant la signification de son nom de famille, évoquant ses valeurs de courage et de résilience. Elle raconte comment, dès son adolescence, elle a commencé à se plonger dans la musique, notamment à travers des performances live, ce qui a été catalyseur dans son écriture. Son expérience personnelle, marquée par le génocide rwandais de 1994 et la vie en tant que réfugiée, est au cœur de sa création artistique. Ninette évoque son enfance à Bujumbura, où la diversité musicale a façonné son approche. Elle s'inspire de multiples genres, incorporant des éléments de musique traditionnelle rwandaise, ainsi que des styles contemporains comme le jazz et le blues africain. En développant son œuvre, Ninette souligne l'importance de transmettre des messages de guérison et d'espoir à travers sa musique. Elle considère celle-ci comme un instrument de connexion et de rétablissement pour ceux qui ont souffert, s'efforçant d'unir les cœurs au-delà des souffrances passées. Elle partage son enthousiasme à l'idée de se produire à Yellowknife, espérant que son concert sera une expérience mémorable tant pour elle que pour son public. Ninette précise qu'elle aspire à bâtir des ponts entre différentes cultures en intégrant son héritage rwandais tout en célébrant son parcours canadien. L'interview aborde également le processus créatif et les thèmes centraux des chansons de Ninette, notamment la résilience et la réconciliation. Elle explique que ses écrits, comme la chanson "Umurage", évoquent les défis de pardonner et d'avancer malgré les injustices subies, un message qu'elle estime essentiel dans le contexte des tragédies historiques. Les réflexions autour de la résilience sont récurrentes, parlant de sa propre histoire familiale, notamment la perte de proches durant le génocide, et comment cela alimente son art. Enfin, Ninette donne un aperçu de ses projets futurs, notamment son quatrième album, une chanson à paraître liée à un film canadien axé sur l'histoire du Rwanda, ainsi que des collaborations avec des artistes ouest-africains. Avec plusieurs concerts prévus, Ninette prévoit de poursuivre sa mission de transmettre des messages de paix et d'unité à travers sa musique. L'épisode se termine sur une note inspirante où elle invite son auditoire à embrasser la musique en tant que langage universel, encourageant les gens à se rassembler dans un esprit de solidarité et de joie lors de ses performances.

]]>602865cf-9f0c-41e2-8c09-d1e400d8156bFri, 13 Jun 2025 12:27:00 -060020:28falsebonusL'épisode du podcast "L'allonge", diffusé par Radio Taïga et Folk on the Rock, met en avant l'artiste Empress Nyringango, qui se prépare à se produire au festival Folk on the Rock cet été. Originaire du Rwanda et actuellement basée à Ottawa, Empress, également connue sous le nom de Ninette Nyringango, partage son parcours musical riche, fortement influencé par ses racines culturelles rwandaises et son expérience en tant que réfugiée. Dans un premier temps, Ninette introduit son identité en expliquant la signification de son nom de famille, évoquant ses valeurs de courage et de résilience. Elle raconte comment, dès son adolescence, elle a commencé à se plonger dans la musique, notamment à travers des performances live, ce qui a été catalyseur dans son écriture. Son expérience personnelle, marquée par le génocide rwandais de 1994 et la vie en tant que réfugiée, est au cœur de sa création artistique. Ninette évoque son enfance à Bujumbura, où la diversité musicale a façonné son approche. Elle s'inspire de multiples genres, incorporant des éléments de musique traditionnelle rwandaise, ainsi que des styles contemporains comme le jazz et le blues africain. En développant son œuvre, Ninette souligne l'importance de transmettre des messages de guérison et d'espoir à travers sa musique. Elle considère celle-ci comme un instrument de connexion et de rétablissement pour ceux qui ont souffert, s'efforçant d'unir les cœurs au-delà des souffrances passées. Elle partage son enthousiasme à l'idée de se produire à Yellowknife, espérant que son concert sera une expérience mémorable tant pour elle que pour son public. Ninette précise qu'elle aspire à bâtir des ponts entre différentes cultures en intégrant son héritage rwandais tout en célébrant son parcours canadien. L'interview aborde également le processus créatif et les thèmes centraux des chansons de Ninette, notamment la résilience et la réconciliation. Elle explique que ses écrits, comme la chanson "Umurage", évoquent les défis de pardonner et d'avancer malgré les injustices subies, un message qu'elle estime essentiel dans le contexte des tragédies historiques. Les réflexions autour de la résilience sont récurrentes, parlant de sa propre histoire familiale, notamment la perte de proches durant le génocide, et comment cela alimente son art. Enfin, Ninette donne un aperçu de ses projets futurs, notamment son quatrième album, une chanson à paraître liée à un film canadien axé sur l'histoire du Rwanda, ainsi que des collaborations avec des artistes ouest-africains. Avec plusieurs concerts prévus, Ninette prévoit de poursuivre sa mission de transmettre des messages de paix et d'unité à travers sa musique. L'épisode se termine sur une note inspirante où elle invite son auditoire à embrasser la musique en tant que langage universel, encourageant les gens à se rassembler dans un esprit de solidarité et de joie lors de ses performances.Folk on the Rocks 2025 | Yellowknives Dene Drummer - Radio TaigaFolk on the Rocks 2025 | Yellowknives Dene Drummer - Radio TaigaL'entretien avec Bobby Drygeese, membre des Yellowknife d'Aînés Drummer, s'est concentré sur l'importance des cérémonies de tambour dans la culture autochtone, en particulier dans le contexte des préparatifs pour le festival Folk on the Rock. Bobby a commencé par expliquer que ces cérémonies de tambour jouent un rôle central dans la célébration de moments importants de la vie communautaire, tels que Noël, le Nouvel An, les mariages et même les funérailles. Ces rassemblements permettent aux membres de la communauté de se réunir, de partager des souvenirs et de vivre des moments de joie malgré les pertes. Il a souligné que ces rituels ne sont pas seulement une forme d'expression artistique, mais aussi un moyen essentiel de célébrer la vie et de rendre hommage aux êtres chers.

L'entretien a ensuite porté sur la diversité des chants et des sons qui seront partagés lors de leur performance à Folk on the Rock. Bobby a décrit comment chaque chanson a sa propre signification et rôle au sein des cérémonies. La première chanson qu'ils interprètent est une chanson de prière, symbole d'unité et d'aspiration collective. Il a mentionné une chanson particulière, souvent chantée lors des rassemblements, qui appelle à des secours spirituels, soulignant l'importance de la communauté et du soutien mutuel. Bobby a également évoqué la fluidité des performances, où les tambours et les chants changent souvent, permettant à tous les participants de s'impliquer facilement, car ils ont grandi en entendant ces mélodies.

En abordant les interactions avec le public, Bobby a donné des conseils sur la manière de respecter la tradition tout en profitant des performances. Il a insisté sur l'importance de comprendre les implications culturelles des cérémonies de tambour et a mis en garde contre le fait de jouer des tambours sans autorisation ou respect envers ces traditions, qui sont souvent réservées à des membres spécifiques de la communauté. Bobby a souligné que le respect des pratiques traditionnelles est essentiel pour préserver l'intégrité et la signification de ces rituels.

Bobby a également partagé une vision optimiste concernant l'engagement des jeunes générations dans le drumming. Il a exprimé sa joie de voir des enfants enthousiastes à l'idée de participer à ces cérémonies et d'apprendre à jouer des tambours. Il a parlé de l'importance d'initier les jeunes à ces traditions, permettant ainsi de transmettre les connaissances et les rituels à la prochaine génération. Cette interaction nourrit non seulement leur propre compréhension culturelle, mais renforce également le lien communautaire en rassemblant des participants provenant de différentes origines.

Pour conclure, Bobby a exprimé un souhait sincère pour les spectateurs du festival, en souhaitant qu'ils se sentent bien accueillis et honorés de partager un espace sacré. Il a souligné le caractère inclusif des événements, en espérant que chacun puisse apprendre les uns des autres et repartir heureux, enrichis de nouvelles histoires et de nouvelles expériences. Cette vision met en avant l'importance de la communauté dans le partage de la culture et des traditions, en intégrant chaque participant dans ce voyage collectif de célébration et d'apprentissage.

]]>L'entretien avec Bobby Drygeese, membre des Yellowknife d'Aînés Drummer, s'est concentré sur l'importance des cérémonies de tambour dans la culture autochtone, en particulier dans le contexte des préparatifs pour le festival Folk on the Rock. Bobby a commencé par expliquer que ces cérémonies de tambour jouent un rôle central dans la célébration de moments importants de la vie communautaire, tels que Noël, le Nouvel An, les mariages et même les funérailles. Ces rassemblements permettent aux membres de la communauté de se réunir, de partager des souvenirs et de vivre des moments de joie malgré les pertes. Il a souligné que ces rituels ne sont pas seulement une forme d'expression artistique, mais aussi un moyen essentiel de célébrer la vie et de rendre hommage aux êtres chers.

L'entretien a ensuite porté sur la diversité des chants et des sons qui seront partagés lors de leur performance à Folk on the Rock. Bobby a décrit comment chaque chanson a sa propre signification et rôle au sein des cérémonies. La première chanson qu'ils interprètent est une chanson de prière, symbole d'unité et d'aspiration collective. Il a mentionné une chanson particulière, souvent chantée lors des rassemblements, qui appelle à des secours spirituels, soulignant l'importance de la communauté et du soutien mutuel. Bobby a également évoqué la fluidité des performances, où les tambours et les chants changent souvent, permettant à tous les participants de s'impliquer facilement, car ils ont grandi en entendant ces mélodies.

En abordant les interactions avec le public, Bobby a donné des conseils sur la manière de respecter la tradition tout en profitant des performances. Il a insisté sur l'importance de comprendre les implications culturelles des cérémonies de tambour et a mis en garde contre le fait de jouer des tambours sans autorisation ou respect envers ces traditions, qui sont souvent réservées à des membres spécifiques de la communauté. Bobby a souligné que le respect des pratiques traditionnelles est essentiel pour préserver l'intégrité et la signification de ces rituels.

Bobby a également partagé une vision optimiste concernant l'engagement des jeunes générations dans le drumming. Il a exprimé sa joie de voir des enfants enthousiastes à l'idée de participer à ces cérémonies et d'apprendre à jouer des tambours. Il a parlé de l'importance d'initier les jeunes à ces traditions, permettant ainsi de transmettre les connaissances et les rituels à la prochaine génération. Cette interaction nourrit non seulement leur propre compréhension culturelle, mais renforce également le lien communautaire en rassemblant des participants provenant de différentes origines.

Pour conclure, Bobby a exprimé un souhait sincère pour les spectateurs du festival, en souhaitant qu'ils se sentent bien accueillis et honorés de partager un espace sacré. Il a souligné le caractère inclusif des événements, en espérant que chacun puisse apprendre les uns des autres et repartir heureux, enrichis de nouvelles histoires et de nouvelles expériences. Cette vision met en avant l'importance de la communauté dans le partage de la culture et des traditions, en intégrant chaque participant dans ce voyage collectif de célébration et d'apprentissage.

]]>fe5c7fbd-faa7-4220-a2ba-4a49c1b2ec77Fri, 06 Jun 2025 12:30:00 -060009:23falsebonusL'entretien avec Bobby Drygeese, membre des Yellowknife d'Aînés Drummer, s'est concentré sur l'importance des cérémonies de tambour dans la culture autochtone, en particulier dans le contexte des préparatifs pour le festival Folk on the Rock. Bobby a commencé par expliquer que ces cérémonies de tambour jouent un rôle central dans la célébration de moments importants de la vie communautaire, tels que Noël, le Nouvel An, les mariages et même les funérailles. Ces rassemblements permettent aux membres de la communauté de se réunir, de partager des souvenirs et de vivre des moments de joie malgré les pertes. Il a souligné que ces rituels ne sont pas seulement une forme d'expression artistique, mais aussi un moyen essentiel de célébrer la vie et de rendre hommage aux êtres chers. L'entretien a ensuite porté sur la diversité des chants et des sons qui seront partagés lors de leur performance à Folk on the Rock. Bobby a décrit comment chaque chanson a sa propre signification et rôle au sein des cérémonies. La première chanson qu'ils interprètent est une chanson de prière, symbole d'unité et d'aspiration collective. Il a mentionné une chanson particulière, souvent chantée lors des rassemblements, qui appelle à des secours spirituels, soulignant l'importance de la communauté et du soutien mutuel. Bobby a également évoqué la fluidité des performances, où les tambours et les chants changent souvent, permettant à tous les participants de s'impliquer facilement, car ils ont grandi en entendant ces mélodies. En abordant les interactions avec le public, Bobby a donné des conseils sur la manière de respecter la tradition tout en profitant des performances. Il a insisté sur l'importance de comprendre les implications culturelles des cérémonies de tambour et a mis en garde contre le fait de jouer des tambours sans autorisation ou respect envers ces traditions, qui sont souvent réservées à des membres spécifiques de la communauté. Bobby a souligné que le respect des pratiques traditionnelles est essentiel pour préserver l'intégrité et la signification de ces rituels. Bobby a également partagé une vision optimiste concernant l'engagement des jeunes générations dans le drumming. Il a exprimé sa joie de voir des enfants enthousiastes à l'idée de participer à ces cérémonies et d'apprendre à jouer des tambours. Il a parlé de l'importance d'initier les jeunes à ces traditions, permettant ainsi de transmettre les connaissances et les rituels à la prochaine génération. Cette interaction nourrit non seulement leur propre compréhension culturelle, mais renforce également le lien communautaire en rassemblant des participants provenant de différentes origines. Pour conclure, Bobby a exprimé un souhait sincère pour les spectateurs du festival, en souhaitant qu'ils se sentent bien accueillis et honorés de partager un espace sacré. Il a souligné le caractère inclusif des événements, en espérant que chacun puisse apprendre les uns des autres et repartir heureux, enrichis de nouvelles histoires et de nouvelles expériences. Cette vision met en avant l'importance de la communauté dans le partage de la culture et des traditions, en intégrant chaque participant dans ce voyage collectif de célébration et d'apprentissage.L'Allonge - Aladean Kheroufi - Radio TaigaL'Allonge - Aladean Kheroufi - Radio TaigaAladean Kheroufi est un musicien multi-instrumentiste et compositeur, connu pour ses rôles dans des groupes tels que The Velveteens et Marlene Amour. Après quatre années de tournées intensives en Amérique du Nord et en Europe, Aladean s'est temporairement installé à New York avant de décider de s'établir à Edmonton, en Alberta, pour se consacrer à sa carrière solo. Ses influences musicales sont extrêmement diversifiées, couvrant des genres allant de la soul et de l'indie au funk, créant ainsi un son unique caractérisé par des synthés enveloppants et des rythmes de guitare chauds et nostalgiques. Son dernier album, "Studies in a Dying Love", sorti en juin 2024, est au centre de la conversation lors de l'interview. La discussion commence par une réflexion d'Aladean sur son parcours musical, qui inclut divers rôles dans différents projets, allant de l'écriture et la performance au DJing. Il mentionne que bien qu'il ait toujours été engagé dans l'écriture de chansons, il lui a fallu des années d'expérience et de croissance personnelle pour développer la confiance nécessaire à l'exécution complète de sa vision dans son travail solo. L'album lui-même est décrit comme un "album de rupture", mais Aladean souligne que son thème sous-jacent va au-delà du chagrin ; il transmet l'idée que l'amour, qu'il soit présent ou perdu, reste essentiel à l'existence. Il développe l'idée que même après la fin d'un amour, son impact continue de façonner la vie quotidienne et le paysage émotionnel. De manière intrigante, le titre "Studies in a Dying Love" s'inspire d'un livre sur le colonialisme, réfléchissant en particulier aux complexités entourant l'histoire coloniale de l'Algérie et de la France, ce qui est personnel pour Aladean en raison de son héritage algérien. Il explique comment la lecture de ce livre l'a influencé, l'incitant à explorer les parallèles complexes entre la profondeur émotionnelle de l'amour perdu et les complexités des récits historiques. Ce contexte intellectuel illustre l'approche réfléchie d'Aladean à l'écriture de chansons et sa capacité à tisser des thèmes personnels et politiques dans sa musique. La conversation aborde ensuite l'enfance et l'éducation musicale d'Aladean, fortement influencées par son milieu familial. Sa mère, chef de chœur, l'a exposé à divers styles musicaux, tandis que son exposition à la musique classique est venue en grande partie de son éducation formelle. Il raconte une enfance musicale quelque peu réticente, se sentant contraint de pratiquer des instruments durant son adolescence, mais reconnaissant plus tard la valeur immense de ces expériences dans le développement de sa maîtrise musicale. Aujourd'hui, il embrasse une pléthore d'instruments, utilisant principalement le piano et la guitare comme base pour l'écriture de ses chansons, souvent en créant des mélodies et des paroles en conduisant ou en marchant. Lorsque la discussion se tourne vers les influences d'Aladean, il exprime une profonde admiration pour la musique soul des années 60 et 70. Il apprécie particulièrement le processus de découverte de vieux disques, souvent à la recherche de trésors cachés dans les magasins de seconde main et les boutiques de disques. La passion d'Aladean pour la recherche de vinyles est évidente lorsqu'il partage des anecdotes sur certaines trouvailles notables, dont un disque chéri d'Archie Bell and the Drells, soulignant son appréciation pour la musique brute et non raffinée qui résonne de manière authentique. Son retour à Edmonton lui a permis de se reconnecter à ses racines et de se plonger dans une scène musicale locale vibrante qu'il chérit depuis son enfance. Il aime collaborer avec des amis de longue date et des musiciens locaux, réfléchissant sur le fort sentiment de communauté qui a perduré au fil des années. Bien qu'il admette assister à moins de spectacles en vieillissant, il valorise toujours les occasions de se produire et de s'engager dans le paysage musical local. Lors de l'interview, Aladean mentionne sa performance lors d'un festival et l'expérience remarquable que cela a représentée, en particulier en jouant pour la première fois les chansons de son nouvel album. Il se souvient avec affection d'une expérience unique de sauna flottant à Yellowknife, donne un aperçu de la scène sociale d'Edmonton et souligne comment la communauté l'a accueilli lui et son groupe. Ce sentiment de connexion et de soutien est un thème récurrent tout au long de la conversation. À la fin de l'interview, Aladean discute des moyens pour les auditeurs d'interagir avec sa musique, soulignant que bien qu'il espère que les gens apprécieront son album, il accepte également les opinions diverses concernant son travail. Il suggère aux auditeurs de commencer par la piste "My Heart", qu'il croit encapsuler magnifiquement l'essence de l'album. Aladean partage également ses coordonnées pour permettre aux auditeurs de le contacter via les réseaux sociaux ou par e-mail, promouvant un sentiment d'accessibilité et d'ouverture en tant qu'artiste. À travers cette conversation détaillée, l'identité multifacette d'Aladean Kheroufi en tant que musicien, ses expériences personnelles, et ses réflexions sur l'amour—perdu et chéri—émergent comme des éléments centraux de son art. L'interview ne se contente pas d'éclairer son dernier projet, mais peint également un tableau plus large des riches connexions entre sa musique, son histoire personnelle, et les influences qui continuent de façonner son expression créative.

]]>Aladean Kheroufi est un musicien multi-instrumentiste et compositeur, connu pour ses rôles dans des groupes tels que The Velveteens et Marlene Amour. Après quatre années de tournées intensives en Amérique du Nord et en Europe, Aladean s'est temporairement installé à New York avant de décider de s'établir à Edmonton, en Alberta, pour se consacrer à sa carrière solo. Ses influences musicales sont extrêmement diversifiées, couvrant des genres allant de la soul et de l'indie au funk, créant ainsi un son unique caractérisé par des synthés enveloppants et des rythmes de guitare chauds et nostalgiques. Son dernier album, "Studies in a Dying Love", sorti en juin 2024, est au centre de la conversation lors de l'interview. La discussion commence par une réflexion d'Aladean sur son parcours musical, qui inclut divers rôles dans différents projets, allant de l'écriture et la performance au DJing. Il mentionne que bien qu'il ait toujours été engagé dans l'écriture de chansons, il lui a fallu des années d'expérience et de croissance personnelle pour développer la confiance nécessaire à l'exécution complète de sa vision dans son travail solo. L'album lui-même est décrit comme un "album de rupture", mais Aladean souligne que son thème sous-jacent va au-delà du chagrin ; il transmet l'idée que l'amour, qu'il soit présent ou perdu, reste essentiel à l'existence. Il développe l'idée que même après la fin d'un amour, son impact continue de façonner la vie quotidienne et le paysage émotionnel. De manière intrigante, le titre "Studies in a Dying Love" s'inspire d'un livre sur le colonialisme, réfléchissant en particulier aux complexités entourant l'histoire coloniale de l'Algérie et de la France, ce qui est personnel pour Aladean en raison de son héritage algérien. Il explique comment la lecture de ce livre l'a influencé, l'incitant à explorer les parallèles complexes entre la profondeur émotionnelle de l'amour perdu et les complexités des récits historiques. Ce contexte intellectuel illustre l'approche réfléchie d'Aladean à l'écriture de chansons et sa capacité à tisser des thèmes personnels et politiques dans sa musique. La conversation aborde ensuite l'enfance et l'éducation musicale d'Aladean, fortement influencées par son milieu familial. Sa mère, chef de chœur, l'a exposé à divers styles musicaux, tandis que son exposition à la musique classique est venue en grande partie de son éducation formelle. Il raconte une enfance musicale quelque peu réticente, se sentant contraint de pratiquer des instruments durant son adolescence, mais reconnaissant plus tard la valeur immense de ces expériences dans le développement de sa maîtrise musicale. Aujourd'hui, il embrasse une pléthore d'instruments, utilisant principalement le piano et la guitare comme base pour l'écriture de ses chansons, souvent en créant des mélodies et des paroles en conduisant ou en marchant. Lorsque la discussion se tourne vers les influences d'Aladean, il exprime une profonde admiration pour la musique soul des années 60 et 70. Il apprécie particulièrement le processus de découverte de vieux disques, souvent à la recherche de trésors cachés dans les magasins de seconde main et les boutiques de disques. La passion d'Aladean pour la recherche de vinyles est évidente lorsqu'il partage des anecdotes sur certaines trouvailles notables, dont un disque chéri d'Archie Bell and the Drells, soulignant son appréciation pour la musique brute et non raffinée qui résonne de manière authentique. Son retour à Edmonton lui a permis de se reconnecter à ses racines et de se plonger dans une scène musicale locale vibrante qu'il chérit depuis son enfance. Il aime collaborer avec des amis de longue date et des musiciens locaux, réfléchissant sur le fort sentiment de communauté qui a perduré au fil des années. Bien qu'il admette assister à moins de spectacles en vieillissant, il valorise toujours les occasions de se produire et de s'engager dans le paysage musical local. Lors de l'interview, Aladean mentionne sa performance lors d'un festival et l'expérience remarquable que cela a représentée, en particulier en jouant pour la première fois les chansons de son nouvel album. Il se souvient avec affection d'une expérience unique de sauna flottant à Yellowknife, donne un aperçu de la scène sociale d'Edmonton et souligne comment la communauté l'a accueilli lui et son groupe. Ce sentiment de connexion et de soutien est un thème récurrent tout au long de la conversation. À la fin de l'interview, Aladean discute des moyens pour les auditeurs d'interagir avec sa musique, soulignant que bien qu'il espère que les gens apprécieront son album, il accepte également les opinions diverses concernant son travail. Il suggère aux auditeurs de commencer par la piste "My Heart", qu'il croit encapsuler magnifiquement l'essence de l'album. Aladean partage également ses coordonnées pour permettre aux auditeurs de le contacter via les réseaux sociaux ou par e-mail, promouvant un sentiment d'accessibilité et d'ouverture en tant qu'artiste. À travers cette conversation détaillée, l'identité multifacette d'Aladean Kheroufi en tant que musicien, ses expériences personnelles, et ses réflexions sur l'amour—perdu et chéri—émergent comme des éléments centraux de son art. L'interview ne se contente pas d'éclairer son dernier projet, mais peint également un tableau plus large des riches connexions entre sa musique, son histoire personnelle, et les influences qui continuent de façonner son expression créative.

]]>f70dacbf-0e9d-41f1-af0f-3278544e120cThu, 15 Aug 2024 15:12:00 -060023:34falsebonusAladean Kheroufi est un musicien multi-instrumentiste et compositeur, connu pour ses rôles dans des groupes tels que The Velveteens et Marlene Amour. Après quatre années de tournées intensives en Amérique du Nord et en Europe, Aladean s'est temporairement installé à New York avant de décider de s'établir à Edmonton, en Alberta, pour se consacrer à sa carrière solo. Ses influences musicales sont extrêmement diversifiées, couvrant des genres allant de la soul et de l'indie au funk, créant ainsi un son unique caractérisé par des synthés enveloppants et des rythmes de guitare chauds et nostalgiques. Son dernier album, "Studies in a Dying Love", sorti en juin 2024, est au centre de la conversation lors de l'interview. La discussion commence par une réflexion d'Aladean sur son parcours musical, qui inclut divers rôles dans différents projets, allant de l'écriture et la performance au DJing. Il mentionne que bien qu'il ait toujours été engagé dans l'écriture de chansons, il lui a fallu des années d'expérience et de croissance personnelle pour développer la confiance nécessaire à l'exécution complète de sa vision dans son travail solo. L'album lui-même est décrit comme un "album de rupture", mais Aladean souligne que son thème sous-jacent va au-delà du chagrin ; il transmet l'idée que l'amour, qu'il soit présent ou perdu, reste essentiel à l'existence. Il développe l'idée que même après la fin d'un amour, son impact continue de façonner la vie quotidienne et le paysage émotionnel. De manière intrigante, le titre "Studies in a Dying Love" s'inspire d'un livre sur le colonialisme, réfléchissant en particulier aux complexités entourant l'histoire coloniale de l'Algérie et de la France, ce qui est personnel pour Aladean en raison de son héritage algérien. Il explique comment la lecture de ce livre l'a influencé, l'incitant à explorer les parallèles complexes entre la profondeur émotionnelle de l'amour perdu et les complexités des récits historiques. Ce contexte intellectuel illustre l'approche réfléchie d'Aladean à l'écriture de chansons et sa capacité à tisser des thèmes personnels et politiques dans sa musique. La conversation aborde ensuite l'enfance et l'éducation musicale d'Aladean, fortement influencées par son milieu familial. Sa mère, chef de chœur, l'a exposé à divers styles musicaux, tandis que son exposition à la musique classique est venue en grande partie de son éducation formelle. Il raconte une enfance musicale quelque peu réticente, se sentant contraint de pratiquer des instruments durant son adolescence, mais reconnaissant plus tard la valeur immense de ces expériences dans le développement de sa maîtrise musicale. Aujourd'hui, il embrasse une pléthore d'instruments, utilisant principalement le piano et la guitare comme base pour l'écriture de ses chansons, souvent en créant des mélodies et des paroles en conduisant ou en marchant. Lorsque la discussion se tourne vers les influences d'Aladean, il exprime une profonde admiration pour la musique soul des années 60 et 70. Il apprécie particulièrement le processus de découverte de vieux disques, souvent à la recherche de trésors cachés dans les magasins de seconde main et les boutiques de disques. La passion d'Aladean pour la recherche de vinyles est évidente lorsqu'il partage des anecdotes sur certaines trouvailles notables, dont un disque chéri d'Archie Bell and the Drells, soulignant son appréciation pour la musique brute et non raffinée qui résonne de manière authentique. Son retour à Edmonton lui a permis de se reconnecter à ses racines et de se plonger dans une scène musicale locale vibrante qu'il chérit depuis son enfance. Il aime collaborer avec des amis de longue date et des musiciens locaux, réfléchissant sur le fort sentiment de communauté qui a perduré au fil des années. Bien qu'il admette assister à moins de spectacles en vieillissant, il valorise toujours les occasions de se produire et de s'engager dans le paysage musical local. Lors de...L'Allonge - Clerel - Radio TaigaL'Allonge - Clerel - Radio TaigaL'interview avec Claire L. Jemen, un auteur, compositeur et interprète prometteur, a été une exploration fascinante de son parcours musical et de ses influences variées. Claire a récemment effectué sa première performance à Yellowknife, lors du festival Folk on the Rock, et a partagé ses impressions positives sur l'accueil chaleureux du public, malgré le fait de chanter en français dans un environnement anglophone. Cela démontre sa conviction que la beauté de la musique transcende les barrières linguistiques et culturelles, une perspective qu'elle partageait en évoquant son enfance au Cameroun, où elle écoutait des chansons en anglais sans comprendre pleinement leurs significations. L'artiste a également discuté de sa configuration pour le festival, précisant qu'elle se produit seule cette année, voyageant léger pour explorer de nouvelles dynamiques artistiques. Claire a souligné l'importance de la connexion avec le public, qu'elle cherche à établir que ce soit en solo ou avec un groupe. Elle a mis en avant sa préférence pour la délicatesse et la nuance de ses performances en solo, une approche qu'elle apprécie particulièrement dans le cadre de ce type de festivals. En termes d'inspiration, Claire a expliqué comment les différentes étapes de sa vie, du Cameroun aux États-Unis et à Montréal, ont façonné son identité musicale. Le Cameroun représente ses racines et ses premières influences, tandis que les États-Unis ont élargi ses horizons musicaux, notamment grâce à la découverte du soul et du R&B, des genres qui l’inspirent profondément. Montréal, pour sa part, a été le tremplin qui lui a permis de se produire publiquement et de partager ses créations avec une audience. Claire a également révélé comment une visite à Memphis et la découverte de Stax Records ont été des étapes déterminantes dans son parcours, lui permettant de réaliser l'importance historique et émotionnelle de la musique soul, renforçant ainsi son désir de devenir chanteuse. Tout au long de l'interview, Claire a souligné le caractère universel de la musique, la reliant à des expériences partagées, une notion résonnant particulièrement pour elle en raison de ses nombreux déménagements. Elle a partagé que, même si l'intégration dans de nouveaux environnements a parfois été un défi, elle a toujours trouvé des communautés accueillantes, et que la musique a joué un rôle essentiel dans cette connexion. Par ailleurs, Claire a évoqué son processus de création, clarifiant que ses choix de langue pour ses chansons ne sont pas toujours conscients ; ils émergent plutôt de l'inspiration du moment. Claire a également mentionné qu'elle travaillait actuellement sur un projet d'album en français, enrichissant son répertoire musical. Elle a expliqué que sa première langue est le français, et qu'elle ressentait un besoin d’exprimer des émotions et des idées qui lui sont plus naturelles dans cette langue. Son parcours musical est marqué par une évolution, lui permettant de s'épanouir artistiquement au fil du temps, avec des aspirations claires de captiver des publics variés tout en restant fidèles à ses racines. Enfin, l'interview s'est conclue par un échange sur ses performances à venir et l'élan continu de la scène musicale montréalaise. Claire a exprimé son enthousiasme pour partager davantage sa musique, tout en maintenant une approche énergique et authentique envers son art. En offrant un aperçu de sa vie musicale, Claire a captivé son auditoire, leur laissant entrevoir non seulement la richesse de son parcours individuel, mais aussi l’universalité de ses expériences et son désir profond de créer des connexions par le biais de ses chansons.

]]>L'interview avec Claire L. Jemen, un auteur, compositeur et interprète prometteur, a été une exploration fascinante de son parcours musical et de ses influences variées. Claire a récemment effectué sa première performance à Yellowknife, lors du festival Folk on the Rock, et a partagé ses impressions positives sur l'accueil chaleureux du public, malgré le fait de chanter en français dans un environnement anglophone. Cela démontre sa conviction que la beauté de la musique transcende les barrières linguistiques et culturelles, une perspective qu'elle partageait en évoquant son enfance au Cameroun, où elle écoutait des chansons en anglais sans comprendre pleinement leurs significations. L'artiste a également discuté de sa configuration pour le festival, précisant qu'elle se produit seule cette année, voyageant léger pour explorer de nouvelles dynamiques artistiques. Claire a souligné l'importance de la connexion avec le public, qu'elle cherche à établir que ce soit en solo ou avec un groupe. Elle a mis en avant sa préférence pour la délicatesse et la nuance de ses performances en solo, une approche qu'elle apprécie particulièrement dans le cadre de ce type de festivals. En termes d'inspiration, Claire a expliqué comment les différentes étapes de sa vie, du Cameroun aux États-Unis et à Montréal, ont façonné son identité musicale. Le Cameroun représente ses racines et ses premières influences, tandis que les États-Unis ont élargi ses horizons musicaux, notamment grâce à la découverte du soul et du R&B, des genres qui l’inspirent profondément. Montréal, pour sa part, a été le tremplin qui lui a permis de se produire publiquement et de partager ses créations avec une audience. Claire a également révélé comment une visite à Memphis et la découverte de Stax Records ont été des étapes déterminantes dans son parcours, lui permettant de réaliser l'importance historique et émotionnelle de la musique soul, renforçant ainsi son désir de devenir chanteuse. Tout au long de l'interview, Claire a souligné le caractère universel de la musique, la reliant à des expériences partagées, une notion résonnant particulièrement pour elle en raison de ses nombreux déménagements. Elle a partagé que, même si l'intégration dans de nouveaux environnements a parfois été un défi, elle a toujours trouvé des communautés accueillantes, et que la musique a joué un rôle essentiel dans cette connexion. Par ailleurs, Claire a évoqué son processus de création, clarifiant que ses choix de langue pour ses chansons ne sont pas toujours conscients ; ils émergent plutôt de l'inspiration du moment. Claire a également mentionné qu'elle travaillait actuellement sur un projet d'album en français, enrichissant son répertoire musical. Elle a expliqué que sa première langue est le français, et qu'elle ressentait un besoin d’exprimer des émotions et des idées qui lui sont plus naturelles dans cette langue. Son parcours musical est marqué par une évolution, lui permettant de s'épanouir artistiquement au fil du temps, avec des aspirations claires de captiver des publics variés tout en restant fidèles à ses racines. Enfin, l'interview s'est conclue par un échange sur ses performances à venir et l'élan continu de la scène musicale montréalaise. Claire a exprimé son enthousiasme pour partager davantage sa musique, tout en maintenant une approche énergique et authentique envers son art. En offrant un aperçu de sa vie musicale, Claire a captivé son auditoire, leur laissant entrevoir non seulement la richesse de son parcours individuel, mais aussi l’universalité de ses expériences et son désir profond de créer des connexions par le biais de ses chansons.

]]>96f4d513-bcc0-446e-8d43-5f629ac9994aThu, 15 Aug 2024 12:58:00 -060030:22falsebonusL'interview avec Claire L. Jemen, un auteur, compositeur et interprète prometteur, a été une exploration fascinante de son parcours musical et de ses influences variées. Claire a récemment effectué sa première performance à Yellowknife, lors du festival Folk on the Rock, et a partagé ses impressions positives sur l'accueil chaleureux du public, malgré le fait de chanter en français dans un environnement anglophone. Cela démontre sa conviction que la beauté de la musique transcende les barrières linguistiques et culturelles, une perspective qu'elle partageait en évoquant son enfance au Cameroun, où elle écoutait des chansons en anglais sans comprendre pleinement leurs significations. L'artiste a également discuté de sa configuration pour le festival, précisant qu'elle se produit seule cette année, voyageant léger pour explorer de nouvelles dynamiques artistiques. Claire a souligné l'importance de la connexion avec le public, qu'elle cherche à établir que ce soit en solo ou avec un groupe. Elle a mis en avant sa préférence pour la délicatesse et la nuance de ses performances en solo, une approche qu'elle apprécie particulièrement dans le cadre de ce type de festivals. En termes d'inspiration, Claire a expliqué comment les différentes étapes de sa vie, du Cameroun aux États-Unis et à Montréal, ont façonné son identité musicale. Le Cameroun représente ses racines et ses premières influences, tandis que les États-Unis ont élargi ses horizons musicaux, notamment grâce à la découverte du soul et du R&B, des genres qui l’inspirent profondément. Montréal, pour sa part, a été le tremplin qui lui a permis de se produire publiquement et de partager ses créations avec une audience. Claire a également révélé comment une visite à Memphis et la découverte de Stax Records ont été des étapes déterminantes dans son parcours, lui permettant de réaliser l'importance historique et émotionnelle de la musique soul, renforçant ainsi son désir de devenir chanteuse. Tout au long de l'interview, Claire a souligné le caractère universel de la musique, la reliant à des expériences partagées, une notion résonnant particulièrement pour elle en raison de ses nombreux déménagements. Elle a partagé que, même si l'intégration dans de nouveaux environnements a parfois été un défi, elle a toujours trouvé des communautés accueillantes, et que la musique a joué un rôle essentiel dans cette connexion. Par ailleurs, Claire a évoqué son processus de création, clarifiant que ses choix de langue pour ses chansons ne sont pas toujours conscients ; ils émergent plutôt de l'inspiration du moment. Claire a également mentionné qu'elle travaillait actuellement sur un projet d'album en français, enrichissant son répertoire musical. Elle a expliqué que sa première langue est le français, et qu'elle ressentait un besoin d’exprimer des émotions et des idées qui lui sont plus naturelles dans cette langue. Son parcours musical est marqué par une évolution, lui permettant de s'épanouir artistiquement au fil du temps, avec des aspirations claires de captiver des publics variés tout en restant fidèles à ses racines. Enfin, l'interview s'est conclue par un échange sur ses performances à venir et l'élan continu de la scène musicale montréalaise. Claire a exprimé son enthousiasme pour partager davantage sa musique, tout en maintenant une approche énergique et authentique envers son art. En offrant un aperçu de sa vie musicale, Claire a captivé son auditoire, leur laissant entrevoir non seulement la richesse de son parcours individuel, mais aussi l’universalité de ses expériences et son désir profond de créer des connexions par le biais de ses chansons.L'allonge - Big Blue - Radio TaigaL'allonge - Big Blue - Radio TaigaL'interview commence par une présentation de Ben Cornell, le leader de Big Blue, un projet qui se distingue de son groupe principal, Mooch, connu pour sa musique psychédélique rock. Ben parle de sa transition vers Big Blue, où il explore un son plus ambiant et méditatif, inspiré par la nature et l'élément de l'eau, représenté par le Grand Lac des Esclaves à Yellowknife. Cette nouvelle direction musicale se caractérise par des morceaux instrumentaux, souvent calmes, mais parfois plus agités, reflétant le mouvement de l'eau. Denis interroge Ben sur sa récente tournée avec Mooch pour promouvoir leur nouvel album "Visions". Il partage son enthousiasme pour les spectacles donnés dans des villes comme Halifax et Fredericton, soulignant que c'était leur deuxième tournée de l'année après la sortie d'un premier album, "Wherever It Goes". Ben explique que cette tournée a permis de mélanger des morceaux des deux albums, tout en notant que "Visions" a une ambiance estivale plus légère par rapport au précédent travail, qui était plus sombre. En tant qu'artiste solo avec Big Blue, Ben parle du processus créatif qui lui a permis d'explorer de nouveaux territoires musicaux. En déménageant à Yellowknife, il a trouvé un espace propice à la création. Son premier EP a été influencé par la beauté du paysage environnant, en particulier le lac. En studio, Ben a opté pour une approche plus complexe en ajoutant plusieurs couches sonores, contrairement à sa vision initiale d’un projet plus simple. Lors de ses performances live, il utilise des pédales de loop pour enrichir ses compositions et commence désormais à chanter des paroles, ajoutant une nouvelle dimension à sa musique. L'interview aborde aussi l'évolution de sa voix dans Big Blue, qui est moins rock et davantage soul, en lien avec les nouvelles techniques de jeu et d'accords qu'il a adoptées. Les influences de Big Blue pourraient également trouver leur chemin dans Mooch, créant un overlap intéressant entre ses deux projets. Ben révèle que, bien qu'il soit engagé avec Big Blue, il continue à collaborer avec Mooch, indiquant que les deux projets coexistent et s’enrichissent mutuellement. Concernant l'événement Folk on the Rocks, Ben exprime son enthousiasme à jouer à Yellowknife, soulignant l'unicité de l'événement et le plaisir d'évoluer devant un public enthousiaste. Il mentionne qu'il s'agit de sa deuxième performance en tant qu'artiste solo à ce festival, attestant que c'est un moment important pour lui. Enfin, l'interview se termine avec des détails sur ses projets futurs, à la fois avec Mooch, qui se concentre sur l'écriture d'un nouvel album, et Big Blue, où il souhaite intégrer de nouvelles compositions avec des paroles. Ben rappelle que sa musique est disponible sur toutes les plateformes de streaming et conclut avec une invitation à l’écouter. L'interview est ponctuée par une tentative de performance live, illustrant encore davantage la passion de Ben pour la musique et l'importance de ce moment de partage avec son public, malgré quelques problèmes techniques.

]]>L'interview commence par une présentation de Ben Cornell, le leader de Big Blue, un projet qui se distingue de son groupe principal, Mooch, connu pour sa musique psychédélique rock. Ben parle de sa transition vers Big Blue, où il explore un son plus ambiant et méditatif, inspiré par la nature et l'élément de l'eau, représenté par le Grand Lac des Esclaves à Yellowknife. Cette nouvelle direction musicale se caractérise par des morceaux instrumentaux, souvent calmes, mais parfois plus agités, reflétant le mouvement de l'eau. Denis interroge Ben sur sa récente tournée avec Mooch pour promouvoir leur nouvel album "Visions". Il partage son enthousiasme pour les spectacles donnés dans des villes comme Halifax et Fredericton, soulignant que c'était leur deuxième tournée de l'année après la sortie d'un premier album, "Wherever It Goes". Ben explique que cette tournée a permis de mélanger des morceaux des deux albums, tout en notant que "Visions" a une ambiance estivale plus légère par rapport au précédent travail, qui était plus sombre. En tant qu'artiste solo avec Big Blue, Ben parle du processus créatif qui lui a permis d'explorer de nouveaux territoires musicaux. En déménageant à Yellowknife, il a trouvé un espace propice à la création. Son premier EP a été influencé par la beauté du paysage environnant, en particulier le lac. En studio, Ben a opté pour une approche plus complexe en ajoutant plusieurs couches sonores, contrairement à sa vision initiale d’un projet plus simple. Lors de ses performances live, il utilise des pédales de loop pour enrichir ses compositions et commence désormais à chanter des paroles, ajoutant une nouvelle dimension à sa musique. L'interview aborde aussi l'évolution de sa voix dans Big Blue, qui est moins rock et davantage soul, en lien avec les nouvelles techniques de jeu et d'accords qu'il a adoptées. Les influences de Big Blue pourraient également trouver leur chemin dans Mooch, créant un overlap intéressant entre ses deux projets. Ben révèle que, bien qu'il soit engagé avec Big Blue, il continue à collaborer avec Mooch, indiquant que les deux projets coexistent et s’enrichissent mutuellement. Concernant l'événement Folk on the Rocks, Ben exprime son enthousiasme à jouer à Yellowknife, soulignant l'unicité de l'événement et le plaisir d'évoluer devant un public enthousiaste. Il mentionne qu'il s'agit de sa deuxième performance en tant qu'artiste solo à ce festival, attestant que c'est un moment important pour lui. Enfin, l'interview se termine avec des détails sur ses projets futurs, à la fois avec Mooch, qui se concentre sur l'écriture d'un nouvel album, et Big Blue, où il souhaite intégrer de nouvelles compositions avec des paroles. Ben rappelle que sa musique est disponible sur toutes les plateformes de streaming et conclut avec une invitation à l’écouter. L'interview est ponctuée par une tentative de performance live, illustrant encore davantage la passion de Ben pour la musique et l'importance de ce moment de partage avec son public, malgré quelques problèmes techniques.

]]>e3a11394-edc2-40ce-92c6-692bf736115eThu, 15 Aug 2024 12:57:00 -060013:53falsebonusL'interview commence par une présentation de Ben Cornell, le leader de Big Blue, un projet qui se distingue de son groupe principal, Mooch, connu pour sa musique psychédélique rock. Ben parle de sa transition vers Big Blue, où il explore un son plus ambiant et méditatif, inspiré par la nature et l'élément de l'eau, représenté par le Grand Lac des Esclaves à Yellowknife. Cette nouvelle direction musicale se caractérise par des morceaux instrumentaux, souvent calmes, mais parfois plus agités, reflétant le mouvement de l'eau. Denis interroge Ben sur sa récente tournée avec Mooch pour promouvoir leur nouvel album "Visions". Il partage son enthousiasme pour les spectacles donnés dans des villes comme Halifax et Fredericton, soulignant que c'était leur deuxième tournée de l'année après la sortie d'un premier album, "Wherever It Goes". Ben explique que cette tournée a permis de mélanger des morceaux des deux albums, tout en notant que "Visions" a une ambiance estivale plus légère par rapport au précédent travail, qui était plus sombre. En tant qu'artiste solo avec Big Blue, Ben parle du processus créatif qui lui a permis d'explorer de nouveaux territoires musicaux. En déménageant à Yellowknife, il a trouvé un espace propice à la création. Son premier EP a été influencé par la beauté du paysage environnant, en particulier le lac. En studio, Ben a opté pour une approche plus complexe en ajoutant plusieurs couches sonores, contrairement à sa vision initiale d’un projet plus simple. Lors de ses performances live, il utilise des pédales de loop pour enrichir ses compositions et commence désormais à chanter des paroles, ajoutant une nouvelle dimension à sa musique. L'interview aborde aussi l'évolution de sa voix dans Big Blue, qui est moins rock et davantage soul, en lien avec les nouvelles techniques de jeu et d'accords qu'il a adoptées. Les influences de Big Blue pourraient également trouver leur chemin dans Mooch, créant un overlap intéressant entre ses deux projets. Ben révèle que, bien qu'il soit engagé avec Big Blue, il continue à collaborer avec Mooch, indiquant que les deux projets coexistent et s’enrichissent mutuellement. Concernant l'événement Folk on the Rocks, Ben exprime son enthousiasme à jouer à Yellowknife, soulignant l'unicité de l'événement et le plaisir d'évoluer devant un public enthousiaste. Il mentionne qu'il s'agit de sa deuxième performance en tant qu'artiste solo à ce festival, attestant que c'est un moment important pour lui. Enfin, l'interview se termine avec des détails sur ses projets futurs, à la fois avec Mooch, qui se concentre sur l'écriture d'un nouvel album, et Big Blue, où il souhaite intégrer de nouvelles compositions avec des paroles. Ben rappelle que sa musique est disponible sur toutes les plateformes de streaming et conclut avec une invitation à l’écouter. L'interview est ponctuée par une tentative de performance live, illustrant encore davantage la passion de Ben pour la musique et l'importance de ce moment de partage avec son public, malgré quelques problèmes techniques.Folk on the Rocks 2024, Beatrice Deer - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024, Beatrice Deer - Radio TaigaRadio Taïga et Folk on the Rock ont présenté L'Allonge, une émission sur l'actualité musicale dans les Territoires du Nord-Ouest. L'invitée du jour est Béatrice Deer, une autrice, compositrice et interprète d'origine inuite et mohawk, basée à Montréal. Elle s'inspire des chants traditionnels, de la musique rock, et des chants de gorge pour créer sa musique unique. Béatrice a sorti plusieurs albums acclamés et a remporté divers prix, dont l'OÉA au Canadian Indigenous Music Award. Lors de l'entrevue, Béatrice parle de sa diversité linguistique, chantant en français, en anglais et en Inuktitut. Elle explique que sa musique est une forme d'expression très personnelle basée sur ses propres expériences. Elle aborde également son dernier projet, l'album "Little Song", entièrement dédié aux enfants, visant à préserver les chansons traditionnelles inuites et encourager l'utilisation de la langue et de la musique chez les jeunes. Béatrice partage ses projets futurs, dont l'écriture d'un nouvel album rock basé sur les légendes inuites. Elle discute de son public, principalement inuit, et de ses performances à travers le Canada. Elle termine en mentionnant ses plateformes de musique en ligne et son podcast "Northern" disponible sur YouTube. L'interview se clôture avec la diffusion de sa chanson "Imouta".

]]>Radio Taïga et Folk on the Rock ont présenté L'Allonge, une émission sur l'actualité musicale dans les Territoires du Nord-Ouest. L'invitée du jour est Béatrice Deer, une autrice, compositrice et interprète d'origine inuite et mohawk, basée à Montréal. Elle s'inspire des chants traditionnels, de la musique rock, et des chants de gorge pour créer sa musique unique. Béatrice a sorti plusieurs albums acclamés et a remporté divers prix, dont l'OÉA au Canadian Indigenous Music Award. Lors de l'entrevue, Béatrice parle de sa diversité linguistique, chantant en français, en anglais et en Inuktitut. Elle explique que sa musique est une forme d'expression très personnelle basée sur ses propres expériences. Elle aborde également son dernier projet, l'album "Little Song", entièrement dédié aux enfants, visant à préserver les chansons traditionnelles inuites et encourager l'utilisation de la langue et de la musique chez les jeunes. Béatrice partage ses projets futurs, dont l'écriture d'un nouvel album rock basé sur les légendes inuites. Elle discute de son public, principalement inuit, et de ses performances à travers le Canada. Elle termine en mentionnant ses plateformes de musique en ligne et son podcast "Northern" disponible sur YouTube. L'interview se clôture avec la diffusion de sa chanson "Imouta".

]]>a273f102-c9e9-4a96-a489-54daa7f78abaFri, 09 Aug 2024 11:13:00 -060018:31falsebonusRadio Taïga et Folk on the Rock ont présenté L'Allonge, une émission sur l'actualité musicale dans les Territoires du Nord-Ouest. L'invitée du jour est Béatrice Deer, une autrice, compositrice et interprète d'origine inuite et mohawk, basée à Montréal. Elle s'inspire des chants traditionnels, de la musique rock, et des chants de gorge pour créer sa musique unique. Béatrice a sorti plusieurs albums acclamés et a remporté divers prix, dont l'OÉA au Canadian Indigenous Music Award. Lors de l'entrevue, Béatrice parle de sa diversité linguistique, chantant en français, en anglais et en Inuktitut. Elle explique que sa musique est une forme d'expression très personnelle basée sur ses propres expériences. Elle aborde également son dernier projet, l'album "Little Song", entièrement dédié aux enfants, visant à préserver les chansons traditionnelles inuites et encourager l'utilisation de la langue et de la musique chez les jeunes. Béatrice partage ses projets futurs, dont l'écriture d'un nouvel album rock basé sur les légendes inuites. Elle discute de son public, principalement inuit, et de ses performances à travers le Canada. Elle termine en mentionnant ses plateformes de musique en ligne et son podcast "Northern" disponible sur YouTube. L'interview se clôture avec la diffusion de sa chanson "Imouta".Folk on the Rocks 2024, Thomas Thomas - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024, Thomas Thomas - Radio TaigaDans cet épisode de L'Allonge, nous plongeons dans l'actualité musicale du Nord-Ouest avec une collaboration entre Shannon Thomas, compositrice et interprète, et Thomas England, artiste musical et visuel. Le duo s'est rencontré à l'université, où ils étaient tous deux graphistes partageant un intérêt commun pour la musique. Leur musique indie rock, décrite comme nostalgique, transporte les auditeurs dans l'ambiance des bals de fin d'année scolaire. Le duo évoque leur parcours, depuis leur rencontre à une fête il y a des années jusqu'à l'évolution en un projet musical appelé Thomas Thomas. Ils révèlent que leur processus de composition implique une combinaison de structures de chansons initiales par un membre, suivie par un travail détaillé sur les mélodies et les nuances par l'autre. Malgré la perturbation causée par la pandémie, ils ont continué à travailler activement sur de nouvelles chansons et sont actuellement en train de créer un album complet, une nouvelle étape importante pour eux. Le prochain album reflète un changement de thèmes, passant d'émotions tourmentées à une appréciation de la longévité et à des réflexions existentielles. Leur expérience en arts visuels influence de manière significative leur musique, créant une esthétique cohérente et des choix artistiques intentionnels dans les deux domaines. Ils discutent de la nature minutieuse de leur travail, établissant des parallèles entre les processus de conception graphique et la composition de chansons, en insistant sur l'importance de l'intention et du contraste dans leurs efforts créatifs. Après avoir récemment joué au festival Folk on the Rocks, Shannon et Thomas expriment leur gratitude pour l'accueil chaleureux et l'expérience unique d'avoir fait partie de l'événement. Comparant ce festival à d'autres lieux, ils soulignent le traitement exceptionnel reçu et l'enthousiasme communautaire fort qui le distingue. Alors qu'ils prévoient de se concentrer sur l'enregistrement et la sortie de nouvelle musique, les fans peuvent s'attendre à des singles avant la fin de l'année et suivre leur parcours sur les réseaux sociaux alors qu'ils continuent d'évoluer créativement.

]]>Dans cet épisode de L'Allonge, nous plongeons dans l'actualité musicale du Nord-Ouest avec une collaboration entre Shannon Thomas, compositrice et interprète, et Thomas England, artiste musical et visuel. Le duo s'est rencontré à l'université, où ils étaient tous deux graphistes partageant un intérêt commun pour la musique. Leur musique indie rock, décrite comme nostalgique, transporte les auditeurs dans l'ambiance des bals de fin d'année scolaire. Le duo évoque leur parcours, depuis leur rencontre à une fête il y a des années jusqu'à l'évolution en un projet musical appelé Thomas Thomas. Ils révèlent que leur processus de composition implique une combinaison de structures de chansons initiales par un membre, suivie par un travail détaillé sur les mélodies et les nuances par l'autre. Malgré la perturbation causée par la pandémie, ils ont continué à travailler activement sur de nouvelles chansons et sont actuellement en train de créer un album complet, une nouvelle étape importante pour eux. Le prochain album reflète un changement de thèmes, passant d'émotions tourmentées à une appréciation de la longévité et à des réflexions existentielles. Leur expérience en arts visuels influence de manière significative leur musique, créant une esthétique cohérente et des choix artistiques intentionnels dans les deux domaines. Ils discutent de la nature minutieuse de leur travail, établissant des parallèles entre les processus de conception graphique et la composition de chansons, en insistant sur l'importance de l'intention et du contraste dans leurs efforts créatifs. Après avoir récemment joué au festival Folk on the Rocks, Shannon et Thomas expriment leur gratitude pour l'accueil chaleureux et l'expérience unique d'avoir fait partie de l'événement. Comparant ce festival à d'autres lieux, ils soulignent le traitement exceptionnel reçu et l'enthousiasme communautaire fort qui le distingue. Alors qu'ils prévoient de se concentrer sur l'enregistrement et la sortie de nouvelle musique, les fans peuvent s'attendre à des singles avant la fin de l'année et suivre leur parcours sur les réseaux sociaux alors qu'ils continuent d'évoluer créativement.

]]>b2be3e13-6ed4-4226-b1ed-8ab55a96539aFri, 09 Aug 2024 11:05:00 -060016:25falsebonusDans cet épisode de L'Allonge, nous plongeons dans l'actualité musicale du Nord-Ouest avec une collaboration entre Shannon Thomas, compositrice et interprète, et Thomas England, artiste musical et visuel. Le duo s'est rencontré à l'université, où ils étaient tous deux graphistes partageant un intérêt commun pour la musique. Leur musique indie rock, décrite comme nostalgique, transporte les auditeurs dans l'ambiance des bals de fin d'année scolaire. Le duo évoque leur parcours, depuis leur rencontre à une fête il y a des années jusqu'à l'évolution en un projet musical appelé Thomas Thomas. Ils révèlent que leur processus de composition implique une combinaison de structures de chansons initiales par un membre, suivie par un travail détaillé sur les mélodies et les nuances par l'autre. Malgré la perturbation causée par la pandémie, ils ont continué à travailler activement sur de nouvelles chansons et sont actuellement en train de créer un album complet, une nouvelle étape importante pour eux. Le prochain album reflète un changement de thèmes, passant d'émotions tourmentées à une appréciation de la longévité et à des réflexions existentielles. Leur expérience en arts visuels influence de manière significative leur musique, créant une esthétique cohérente et des choix artistiques intentionnels dans les deux domaines. Ils discutent de la nature minutieuse de leur travail, établissant des parallèles entre les processus de conception graphique et la composition de chansons, en insistant sur l'importance de l'intention et du contraste dans leurs efforts créatifs. Après avoir récemment joué au festival Folk on the Rocks, Shannon et Thomas expriment leur gratitude pour l'accueil chaleureux et l'expérience unique d'avoir fait partie de l'événement. Comparant ce festival à d'autres lieux, ils soulignent le traitement exceptionnel reçu et l'enthousiasme communautaire fort qui le distingue. Alors qu'ils prévoient de se concentrer sur l'enregistrement et la sortie de nouvelle musique, les fans peuvent s'attendre à des singles avant la fin de l'année et suivre leur parcours sur les réseaux sociaux alors qu'ils continuent d'évoluer créativement.Folk on the Rocks 2024, James Alynes - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024, James Alynes - Radio TaigaL'interview sur Radio-Taïga et Folk on the Rock présente L'Allonge. Présentation d'un artiste invité nommé James Alynes, également connu sous le pseudonyme de Giovanni Immidy. L'interview aborde divers sujets, dont sa collaboration avec Ayana Kamoura, la définition du genre musical "bedroom pop", son défi de produire une piste par jour pendant un an, ce qui a donné naissance à son premier album "Que ma joie demeure". James partage également son expérience d'avoir créé 366 morceaux en une année, dépassant ainsi son objectif initial de 365 morceaux. Il fait part de sa démarche artistique, de son processus de création depuis sa chambre à Montréal, et de son engagement dans divers projets musicaux. James mentionne également ses collaborations à venir avec d'autres artistes, y compris Johnny Vu, et évoque ses futurs projets musicaux comprenant des singles, un potentiel EP et un album d'ici la fin de l'année prochaine. Il annonce la sortie imminente de nouveaux singles et se prépare à se produire en live lors de l'événement au Beer Garden. James assure ses fans qu'ils peuvent le retrouver sur toutes les plateformes de streaming musical. L'interview se termine sur une note musicale avec une performance de James Alynes sur une chanson évocatrice. La conversation a permis aux auditeurs d'en apprendre davantage sur le parcours musical et les projets à venir de l'artiste James Alynes, offrant un aperçu de son univers créatif et de ses ambitions artistiques.

]]>L'interview sur Radio-Taïga et Folk on the Rock présente L'Allonge. Présentation d'un artiste invité nommé James Alynes, également connu sous le pseudonyme de Giovanni Immidy. L'interview aborde divers sujets, dont sa collaboration avec Ayana Kamoura, la définition du genre musical "bedroom pop", son défi de produire une piste par jour pendant un an, ce qui a donné naissance à son premier album "Que ma joie demeure". James partage également son expérience d'avoir créé 366 morceaux en une année, dépassant ainsi son objectif initial de 365 morceaux. Il fait part de sa démarche artistique, de son processus de création depuis sa chambre à Montréal, et de son engagement dans divers projets musicaux. James mentionne également ses collaborations à venir avec d'autres artistes, y compris Johnny Vu, et évoque ses futurs projets musicaux comprenant des singles, un potentiel EP et un album d'ici la fin de l'année prochaine. Il annonce la sortie imminente de nouveaux singles et se prépare à se produire en live lors de l'événement au Beer Garden. James assure ses fans qu'ils peuvent le retrouver sur toutes les plateformes de streaming musical. L'interview se termine sur une note musicale avec une performance de James Alynes sur une chanson évocatrice. La conversation a permis aux auditeurs d'en apprendre davantage sur le parcours musical et les projets à venir de l'artiste James Alynes, offrant un aperçu de son univers créatif et de ses ambitions artistiques.

]]>92befbc2-dc2e-4223-9441-fd74b64f4ff0Fri, 09 Aug 2024 10:54:00 -060016:07falsebonusL'interview sur Radio-Taïga et Folk on the Rock présente L'Allonge. Présentation d'un artiste invité nommé James Alynes, également connu sous le pseudonyme de Giovanni Immidy. L'interview aborde divers sujets, dont sa collaboration avec Ayana Kamoura, la définition du genre musical "bedroom pop", son défi de produire une piste par jour pendant un an, ce qui a donné naissance à son premier album "Que ma joie demeure". James partage également son expérience d'avoir créé 366 morceaux en une année, dépassant ainsi son objectif initial de 365 morceaux. Il fait part de sa démarche artistique, de son processus de création depuis sa chambre à Montréal, et de son engagement dans divers projets musicaux. James mentionne également ses collaborations à venir avec d'autres artistes, y compris Johnny Vu, et évoque ses futurs projets musicaux comprenant des singles, un potentiel EP et un album d'ici la fin de l'année prochaine. Il annonce la sortie imminente de nouveaux singles et se prépare à se produire en live lors de l'événement au Beer Garden. James assure ses fans qu'ils peuvent le retrouver sur toutes les plateformes de streaming musical. L'interview se termine sur une note musicale avec une performance de James Alynes sur une chanson évocatrice. La conversation a permis aux auditeurs d'en apprendre davantage sur le parcours musical et les projets à venir de l'artiste James Alynes, offrant un aperçu de son univers créatif et de ses ambitions artistiques.Folk on the Rocks 2024, Entretiens avec Andrina Turenne - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024, Entretiens avec Andrina Turenne - Radio TaigaRadio Taïga et Folk on the Rock présentent L'Allonge, une émission sur l'actualité musicale dans les Territoires du Nord-Ouest. Notre invitée du jour est Andrina Thuren, une autrice, compositrice et interprète franco-manitobaine et métisse, membre fondatrice du groupe Chic Gamine. Elle vient parler de sa carrière musicale riche, avec la sortie de plusieurs albums dont "Je suis un arbre" en français en 2024. Andrina évoque ses débuts en solo et ses collaborations musicales qui l'ont permis de s'épanouir sur scène. Elle raconte sa transition vers une carrière solo après avoir travaillé en groupe, notamment en explorant le théâtre pour redécouvrir son identité artistique. Andrina évoque son engagement à écrire des chansons en français, soulignant l'importance de refléter toutes les facettes de son identité dans sa musique. Son expérience au festival Folk on the Rocks est marquée par sa première visite dans les Territoires du Nord-Ouest et le plaisir de se produire dans un environnement autochtone diversifié. Andrina partage ses futurs projets musicaux, notamment sa participation à des festivals en Ontario et son implication dans des initiatives d'accélération pour les artistes autochtones. Elle invite les auditeurs à la suivre sur son site web et ses réseaux sociaux pour rester informés de ses concerts à venir. Enfin, elle conclut en offrant un mini-concert en direct à la radio Taïga, partageant sa musique avec l'auditoire dans une ambiance chaleureuse et authentique.

]]>Radio Taïga et Folk on the Rock présentent L'Allonge, une émission sur l'actualité musicale dans les Territoires du Nord-Ouest. Notre invitée du jour est Andrina Thuren, une autrice, compositrice et interprète franco-manitobaine et métisse, membre fondatrice du groupe Chic Gamine. Elle vient parler de sa carrière musicale riche, avec la sortie de plusieurs albums dont "Je suis un arbre" en français en 2024. Andrina évoque ses débuts en solo et ses collaborations musicales qui l'ont permis de s'épanouir sur scène. Elle raconte sa transition vers une carrière solo après avoir travaillé en groupe, notamment en explorant le théâtre pour redécouvrir son identité artistique. Andrina évoque son engagement à écrire des chansons en français, soulignant l'importance de refléter toutes les facettes de son identité dans sa musique. Son expérience au festival Folk on the Rocks est marquée par sa première visite dans les Territoires du Nord-Ouest et le plaisir de se produire dans un environnement autochtone diversifié. Andrina partage ses futurs projets musicaux, notamment sa participation à des festivals en Ontario et son implication dans des initiatives d'accélération pour les artistes autochtones. Elle invite les auditeurs à la suivre sur son site web et ses réseaux sociaux pour rester informés de ses concerts à venir. Enfin, elle conclut en offrant un mini-concert en direct à la radio Taïga, partageant sa musique avec l'auditoire dans une ambiance chaleureuse et authentique.

]]>f05a85af-5205-4444-b4dd-450f344dd361Fri, 02 Aug 2024 12:20:00 -060022:01falsebonusRadio Taïga et Folk on the Rock présentent L'Allonge, une émission sur l'actualité musicale dans les Territoires du Nord-Ouest. Notre invitée du jour est Andrina Thuren, une autrice, compositrice et interprète franco-manitobaine et métisse, membre fondatrice du groupe Chic Gamine. Elle vient parler de sa carrière musicale riche, avec la sortie de plusieurs albums dont "Je suis un arbre" en français en 2024. Andrina évoque ses débuts en solo et ses collaborations musicales qui l'ont permis de s'épanouir sur scène. Elle raconte sa transition vers une carrière solo après avoir travaillé en groupe, notamment en explorant le théâtre pour redécouvrir son identité artistique. Andrina évoque son engagement à écrire des chansons en français, soulignant l'importance de refléter toutes les facettes de son identité dans sa musique. Son expérience au festival Folk on the Rocks est marquée par sa première visite dans les Territoires du Nord-Ouest et le plaisir de se produire dans un environnement autochtone diversifié. Andrina partage ses futurs projets musicaux, notamment sa participation à des festivals en Ontario et son implication dans des initiatives d'accélération pour les artistes autochtones. Elle invite les auditeurs à la suivre sur son site web et ses réseaux sociaux pour rester informés de ses concerts à venir. Enfin, elle conclut en offrant un mini-concert en direct à la radio Taïga, partageant sa musique avec l'auditoire dans une ambiance chaleureuse et authentique.Folk on the Rocks 2024, Entretiens avec Tanya Snow - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024, Entretiens avec Tanya Snow - Radio TaigaDans cet épisode de L'Allonge sur Radio Taïga et Folk on the Rocks, nous plongeons dans le monde de la littérature jeunesse avec Tania Snow. Tania partage ses réflexions sur son dernier livre, "You Come From The Star", une histoire magique où une mère raconte la conception d'Agalakdi Ipkangnak à son enfant. Le livre délivre un message poignant sur la parentalité intentionnelle et la construction d'une famille avec amour et but. Tania réfléchit sur son parcours en tant que jeune mère et l'importance de transmettre des messages émotionnels à son fils avant que les aspects physiques de la vie ne prennent le dessus. Elle met en avant l'importance de la parentalité comme un choix délibéré et aimant, touchant profondément les lecteurs. La conversation aborde l'expérience universelle d'être parent et les miracles que les enfants apportent dans nos vies. Alors que la discussion se tourne vers le processus de création d'un livre pour enfants, Tania souligne l'effort collaboratif avec Inhabit Media pour les illustrations, les droits d'auteur et la distribution. Le choix de la maison d'édition est crucial pour garantir que les éléments visuels s'accordent avec le récit et le message du livre. L'expérience de Tania met en lumière l'importance de trouver les bons partenaires créatifs pour donner vie à une histoire de manière visuelle. Explorant le thème de la créativité et de la poursuite de ses passions, Tania partage comment elle honore ses instincts artistiques et défie les attentes sociétales qui privilégient la logique à la créativité. Son parcours rappelle aux auditeurs d'embrasser leur créativité sans réserve et de faire confiance à leur intuition dans la poursuite de leurs projets artistiques. La conversation se termine sur un message émouvant sur le pouvoir de suivre son cœur et la connexion que cela crée avec les autres. En conclusion de l'épisode, Tania exprime sa gratitude pour l'opportunité de partager son histoire et encourage les auditeurs à découvrir son livre, disponible dans certaines librairies et plateformes en ligne. L'entretien captivant avec Tania Snow éclaire les thèmes profonds de la parentalité, de la créativité et de la poursuite de ses passions, résonnant avec le public sur un plan personnel et émotionnel.

]]>Dans cet épisode de L'Allonge sur Radio Taïga et Folk on the Rocks, nous plongeons dans le monde de la littérature jeunesse avec Tania Snow. Tania partage ses réflexions sur son dernier livre, "You Come From The Star", une histoire magique où une mère raconte la conception d'Agalakdi Ipkangnak à son enfant. Le livre délivre un message poignant sur la parentalité intentionnelle et la construction d'une famille avec amour et but. Tania réfléchit sur son parcours en tant que jeune mère et l'importance de transmettre des messages émotionnels à son fils avant que les aspects physiques de la vie ne prennent le dessus. Elle met en avant l'importance de la parentalité comme un choix délibéré et aimant, touchant profondément les lecteurs. La conversation aborde l'expérience universelle d'être parent et les miracles que les enfants apportent dans nos vies. Alors que la discussion se tourne vers le processus de création d'un livre pour enfants, Tania souligne l'effort collaboratif avec Inhabit Media pour les illustrations, les droits d'auteur et la distribution. Le choix de la maison d'édition est crucial pour garantir que les éléments visuels s'accordent avec le récit et le message du livre. L'expérience de Tania met en lumière l'importance de trouver les bons partenaires créatifs pour donner vie à une histoire de manière visuelle. Explorant le thème de la créativité et de la poursuite de ses passions, Tania partage comment elle honore ses instincts artistiques et défie les attentes sociétales qui privilégient la logique à la créativité. Son parcours rappelle aux auditeurs d'embrasser leur créativité sans réserve et de faire confiance à leur intuition dans la poursuite de leurs projets artistiques. La conversation se termine sur un message émouvant sur le pouvoir de suivre son cœur et la connexion que cela crée avec les autres. En conclusion de l'épisode, Tania exprime sa gratitude pour l'opportunité de partager son histoire et encourage les auditeurs à découvrir son livre, disponible dans certaines librairies et plateformes en ligne. L'entretien captivant avec Tania Snow éclaire les thèmes profonds de la parentalité, de la créativité et de la poursuite de ses passions, résonnant avec le public sur un plan personnel et émotionnel.

]]>b950bf3a-2bce-43c2-9a86-04062245d358Fri, 02 Aug 2024 12:17:00 -060008:51falsebonusDans cet épisode de L'Allonge sur Radio Taïga et Folk on the Rocks, nous plongeons dans le monde de la littérature jeunesse avec Tania Snow. Tania partage ses réflexions sur son dernier livre, "You Come From The Star", une histoire magique où une mère raconte la conception d'Agalakdi Ipkangnak à son enfant. Le livre délivre un message poignant sur la parentalité intentionnelle et la construction d'une famille avec amour et but. Tania réfléchit sur son parcours en tant que jeune mère et l'importance de transmettre des messages émotionnels à son fils avant que les aspects physiques de la vie ne prennent le dessus. Elle met en avant l'importance de la parentalité comme un choix délibéré et aimant, touchant profondément les lecteurs. La conversation aborde l'expérience universelle d'être parent et les miracles que les enfants apportent dans nos vies. Alors que la discussion se tourne vers le processus de création d'un livre pour enfants, Tania souligne l'effort collaboratif avec Inhabit Media pour les illustrations, les droits d'auteur et la distribution. Le choix de la maison d'édition est crucial pour garantir que les éléments visuels s'accordent avec le récit et le message du livre. L'expérience de Tania met en lumière l'importance de trouver les bons partenaires créatifs pour donner vie à une histoire de manière visuelle. Explorant le thème de la créativité et de la poursuite de ses passions, Tania partage comment elle honore ses instincts artistiques et défie les attentes sociétales qui privilégient la logique à la créativité. Son parcours rappelle aux auditeurs d'embrasser leur créativité sans réserve et de faire confiance à leur intuition dans la poursuite de leurs projets artistiques. La conversation se termine sur un message émouvant sur le pouvoir de suivre son cœur et la connexion que cela crée avec les autres. En conclusion de l'épisode, Tania exprime sa gratitude pour l'opportunité de partager son histoire et encourage les auditeurs à découvrir son livre, disponible dans certaines librairies et plateformes en ligne. L'entretien captivant avec Tania Snow éclaire les thèmes profonds de la parentalité, de la créativité et de la poursuite de ses passions, résonnant avec le public sur un plan personnel et émotionnel.Folk on the Rocks 2024, Entretiens avec Carly McFadden et Teresa Horosko - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024, Entretiens avec Carly McFadden et Teresa Horosko - Radio TaigaCarly McFadden et Teresa Orozco se joignent à l'interview pour discuter de leurs nouveaux rôles au festival Folk on the Rocks - Teresa en tant que nouvelle directrice exécutive et Carly en tant que directrice artistique. La transition s'est faite en douceur grâce à leurs années de collaboration, menant à une approche de double leadership qu'elles trouvent équilibrée et positive. Le point fort pour elles cette année a été l'équipe impressionnante de Folk on the Rocks 2024, composée de bénévoles et de personnel dévoués qui ont contribué au succès du festival. Elles expriment leur gratitude aux sponsors qui ont soutenu l'événement, en assurant des éléments essentiels tels que la livraison d'eau, les toilettes portatives, et les éléments de production globaux. La programmation des artistes cette année vise à offrir une expérience de découverte aux festivaliers avec un mélange de nouveaux et prometteurs artistes canadiens. Teresa et Carly recommandent des artistes tels qu'Aladin Kharoufi, Clairelle, Wyatt C. Lewis, Sargent and Comrade, et Adrena Turenne à découvrir pour les participants. La diversité et l'inclusion sont des priorités clés pour le festival, avec un accent sur la présentation d'artistes talentueux issus de divers horizons, y compris les indigènes, les femmes, les personnes de couleur, les artistes non-binaires et transgenres. Le festival vise à créer un espace accueillant et sûr pour tous les participants, avec des toilettes non genrées et la présence d'une équipe de sécurité pour s'assurer que tout le monde se sente à l'aise et en sécurité. Elles soulignent également l'importance des efforts continus pour promouvoir la diversité et l'inclusion, avec des plans pour publier une stratégie détaillant leurs initiatives futures. Le festival se targue d'être un environnement chaleureux, accueillant et sûr où les participants peuvent profiter de la musique tout en se connectant avec une communauté diversifiée. L'interview se termine par une invitation aux participants à s'immerger dans l'atmosphère vibrante du festival, avec des stands d'artisans, des activations culinaires et des installations artistiques en direct.

]]>Carly McFadden et Teresa Orozco se joignent à l'interview pour discuter de leurs nouveaux rôles au festival Folk on the Rocks - Teresa en tant que nouvelle directrice exécutive et Carly en tant que directrice artistique. La transition s'est faite en douceur grâce à leurs années de collaboration, menant à une approche de double leadership qu'elles trouvent équilibrée et positive. Le point fort pour elles cette année a été l'équipe impressionnante de Folk on the Rocks 2024, composée de bénévoles et de personnel dévoués qui ont contribué au succès du festival. Elles expriment leur gratitude aux sponsors qui ont soutenu l'événement, en assurant des éléments essentiels tels que la livraison d'eau, les toilettes portatives, et les éléments de production globaux. La programmation des artistes cette année vise à offrir une expérience de découverte aux festivaliers avec un mélange de nouveaux et prometteurs artistes canadiens. Teresa et Carly recommandent des artistes tels qu'Aladin Kharoufi, Clairelle, Wyatt C. Lewis, Sargent and Comrade, et Adrena Turenne à découvrir pour les participants. La diversité et l'inclusion sont des priorités clés pour le festival, avec un accent sur la présentation d'artistes talentueux issus de divers horizons, y compris les indigènes, les femmes, les personnes de couleur, les artistes non-binaires et transgenres. Le festival vise à créer un espace accueillant et sûr pour tous les participants, avec des toilettes non genrées et la présence d'une équipe de sécurité pour s'assurer que tout le monde se sente à l'aise et en sécurité. Elles soulignent également l'importance des efforts continus pour promouvoir la diversité et l'inclusion, avec des plans pour publier une stratégie détaillant leurs initiatives futures. Le festival se targue d'être un environnement chaleureux, accueillant et sûr où les participants peuvent profiter de la musique tout en se connectant avec une communauté diversifiée. L'interview se termine par une invitation aux participants à s'immerger dans l'atmosphère vibrante du festival, avec des stands d'artisans, des activations culinaires et des installations artistiques en direct.

]]>77e70c8c-17bb-4d96-a07e-adfa45b5fabfFri, 02 Aug 2024 12:10:00 -060012:37falsebonusCarly McFadden et Teresa Orozco se joignent à l'interview pour discuter de leurs nouveaux rôles au festival Folk on the Rocks - Teresa en tant que nouvelle directrice exécutive et Carly en tant que directrice artistique. La transition s'est faite en douceur grâce à leurs années de collaboration, menant à une approche de double leadership qu'elles trouvent équilibrée et positive. Le point fort pour elles cette année a été l'équipe impressionnante de Folk on the Rocks 2024, composée de bénévoles et de personnel dévoués qui ont contribué au succès du festival. Elles expriment leur gratitude aux sponsors qui ont soutenu l'événement, en assurant des éléments essentiels tels que la livraison d'eau, les toilettes portatives, et les éléments de production globaux. La programmation des artistes cette année vise à offrir une expérience de découverte aux festivaliers avec un mélange de nouveaux et prometteurs artistes canadiens. Teresa et Carly recommandent des artistes tels qu'Aladin Kharoufi, Clairelle, Wyatt C. Lewis, Sargent and Comrade, et Adrena Turenne à découvrir pour les participants. La diversité et l'inclusion sont des priorités clés pour le festival, avec un accent sur la présentation d'artistes talentueux issus de divers horizons, y compris les indigènes, les femmes, les personnes de couleur, les artistes non-binaires et transgenres. Le festival vise à créer un espace accueillant et sûr pour tous les participants, avec des toilettes non genrées et la présence d'une équipe de sécurité pour s'assurer que tout le monde se sente à l'aise et en sécurité. Elles soulignent également l'importance des efforts continus pour promouvoir la diversité et l'inclusion, avec des plans pour publier une stratégie détaillant leurs initiatives futures. Le festival se targue d'être un environnement chaleureux, accueillant et sûr où les participants peuvent profiter de la musique tout en se connectant avec une communauté diversifiée. L'interview se termine par une invitation aux participants à s'immerger dans l'atmosphère vibrante du festival, avec des stands d'artisans, des activations culinaires et des installations artistiques en direct.Folk on the Rocks 2024, le direct - Partie 2 - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024, le direct - Partie 2 - Radio TaigaRadio Taïga et Folk on the Rock présentent L'Allonge, une émission musicale du Territoire du Nord-Ouest. Dans cet épisode, nous plongeons dans l'enregistrement de Folk on the Rock, offrant un aperçu exclusif des entrevues et des performances captivantes. Les discussions animées portent sur des artistes incontournables tels que Clerel et Aladean Kheroufi, ainsi que des réflexions approfondies sur l'événement et la tête d'affiche Bedouin Soundclash. Les participants partagent avec passion leurs expériences passées et leurs attentes enthousiastes pour les performances à venir. Ensuite, nous accueillons chaleureusement Ben du groupe Big Blue et MOOCH pour des conversations enrichissantes sur sa musique et son parcours artistique, mettant en lumière des aspects variés allant de l'inspiration des paysages de Yellowknife à l'évolution de son son et influence musicale personnelle. Dans un échange avec Clerel, un talentueux artiste basé à Montréal, il partage son parcours musical, évoquant l'impact transformateur de son expérience à Memphis et sa découverte tardive de la guitare. Clerel exprime son amour pour la musique et souligne l'importance de suivre ses passions avec détermination. Il évoque ses influences multiculturelles ainsi que sa transition fluide entre le français et l'anglais dans sa musique, révélant son projet d'un nouvel album en français tout en explorant des horizons musicaux variés. Clerel partage également ses récentes performances et celles à venir, notamment à Folk on the Rocks, captivant l'audience avec une prestation musicale envoûtante à la guitare.

]]>Radio Taïga et Folk on the Rock présentent L'Allonge, une émission musicale du Territoire du Nord-Ouest. Dans cet épisode, nous plongeons dans l'enregistrement de Folk on the Rock, offrant un aperçu exclusif des entrevues et des performances captivantes. Les discussions animées portent sur des artistes incontournables tels que Clerel et Aladean Kheroufi, ainsi que des réflexions approfondies sur l'événement et la tête d'affiche Bedouin Soundclash. Les participants partagent avec passion leurs expériences passées et leurs attentes enthousiastes pour les performances à venir. Ensuite, nous accueillons chaleureusement Ben du groupe Big Blue et MOOCH pour des conversations enrichissantes sur sa musique et son parcours artistique, mettant en lumière des aspects variés allant de l'inspiration des paysages de Yellowknife à l'évolution de son son et influence musicale personnelle. Dans un échange avec Clerel, un talentueux artiste basé à Montréal, il partage son parcours musical, évoquant l'impact transformateur de son expérience à Memphis et sa découverte tardive de la guitare. Clerel exprime son amour pour la musique et souligne l'importance de suivre ses passions avec détermination. Il évoque ses influences multiculturelles ainsi que sa transition fluide entre le français et l'anglais dans sa musique, révélant son projet d'un nouvel album en français tout en explorant des horizons musicaux variés. Clerel partage également ses récentes performances et celles à venir, notamment à Folk on the Rocks, captivant l'audience avec une prestation musicale envoûtante à la guitare.

]]>2c227d72-2380-4709-9369-09a2079a6866Fri, 26 Jul 2024 13:34:00 -060002:08:49falsebonusRadio Taïga et Folk on the Rock présentent L'Allonge, une émission musicale du Territoire du Nord-Ouest. Dans cet épisode, nous plongeons dans l'enregistrement de Folk on the Rock, offrant un aperçu exclusif des entrevues et des performances captivantes. Les discussions animées portent sur des artistes incontournables tels que Clerel et Aladean Kheroufi, ainsi que des réflexions approfondies sur l'événement et la tête d'affiche Bedouin Soundclash. Les participants partagent avec passion leurs expériences passées et leurs attentes enthousiastes pour les performances à venir. Ensuite, nous accueillons chaleureusement Ben du groupe Big Blue et MOOCH pour des conversations enrichissantes sur sa musique et son parcours artistique, mettant en lumière des aspects variés allant de l'inspiration des paysages de Yellowknife à l'évolution de son son et influence musicale personnelle. Dans un échange avec Clerel, un talentueux artiste basé à Montréal, il partage son parcours musical, évoquant l'impact transformateur de son expérience à Memphis et sa découverte tardive de la guitare. Clerel exprime son amour pour la musique et souligne l'importance de suivre ses passions avec détermination. Il évoque ses influences multiculturelles ainsi que sa transition fluide entre le français et l'anglais dans sa musique, révélant son projet d'un nouvel album en français tout en explorant des horizons musicaux variés. Clerel partage également ses récentes performances et celles à venir, notamment à Folk on the Rocks, captivant l'audience avec une prestation musicale envoûtante à la guitare.Folk on the Rocks 2024, le direct - Partie 1 - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024, le direct - Partie 1 - Radio TaigaDans cette émission spéciale de L'allonge en direct depuis Folk on the Rock à Long Lake, nous avons eu des entrevues exclusives avec l'administration du festival, des artistes et des performances live depuis le kiosque Radio Taïga. Malgré quelques imprévus en direct, nous avons pu capter l'énergie électrisante du festival Folk on the Rocks 2024, situé au-delà du 65e Parallèle Nord, où règne le soleil de minuit. L'équipe a présenté un line-up incroyable et est impatiente de partager cet événement unique. Les directrices ont souligné l'importance de la diversité et de l'inclusion des artistes indigènes et LGBTQ+, avec des remerciements chaleureux pour les bénévoles et sponsors. De nombreux artistes ont été mis en avant pour inviter les festivaliers à découvrir de nouvelles sonorités. Le festival a mis en place le Squad de sécurité pour assurer un environnement sûr. Alors que nous nous apprêtons à profiter des festivités, l'équipe attend avec enthousiasme l'expérience à venir et remercie tous les participants. Nous avons discuté des artistes Aladean kheroufi autour de la table, accueilli de nouveaux invités, José et Christian. Nous avons évoqué les demandes parfois excentriques des artistes en tournée, comme le cas de Van Halen et leurs exigences de M&M's. Nous avons passé en revue des artistes présents au festival, partageant nos impressions sur leur musique. Andrina Turenne, une auteure-compositrice-interprète franco-manitobaine métisse, qui a parlé de sa transition vers une carrière solo après son passage dans Chic Gamine. Elle a partagé son parcours musical, sa première expérience aux Territoires du Nord-Ouest et sa participation attendue au festival Folk on the Rocks. Andrina a également discuté de l'importance d'écrire des chansons en français pour elle, mettant en avant sa diversité culturelle et identitaire. Nous attendons avec impatience ses futurs projets musicaux. Par la suite, nous avons discuté avec des artistes basés en Alberta qui ont participé au Festival Folk on the Rock, soulignant l'atmosphère extraordinaire et la communauté chaleureuse. Nous avons accueilli Béatrice Deer, une auteure-compositrice-interprète basée à Montréal, d'origine Inuk et Mohawk, qui a parlé de ses projets musicaux et de son engagement à préserver la langue et la culture inuites. Elle a partagé ses expériences sur scène, ses futurs projets et a même invité les auditeurs à découvrir sa musique en ligne. Le podcast a débuté avec une conversation animée sur les artistes jouant bientôt, accueillant l'artiste montréalais James Alynes qui a partagé ses expériences musicales, notamment son projet de créer 366 morceaux en un an. Le podcast s'est conclu par une discussion littéraire avec Tania Snow, illustrant la diversité des invités et des sujets abordés. Enfin, nous avons discuté avec Julie de Ragged Ass Swing Band de leur évolution musicale et de leur performance au Main Stage du Folk on the Rocks.

]]>Dans cette émission spéciale de L'allonge en direct depuis Folk on the Rock à Long Lake, nous avons eu des entrevues exclusives avec l'administration du festival, des artistes et des performances live depuis le kiosque Radio Taïga. Malgré quelques imprévus en direct, nous avons pu capter l'énergie électrisante du festival Folk on the Rocks 2024, situé au-delà du 65e Parallèle Nord, où règne le soleil de minuit. L'équipe a présenté un line-up incroyable et est impatiente de partager cet événement unique. Les directrices ont souligné l'importance de la diversité et de l'inclusion des artistes indigènes et LGBTQ+, avec des remerciements chaleureux pour les bénévoles et sponsors. De nombreux artistes ont été mis en avant pour inviter les festivaliers à découvrir de nouvelles sonorités. Le festival a mis en place le Squad de sécurité pour assurer un environnement sûr. Alors que nous nous apprêtons à profiter des festivités, l'équipe attend avec enthousiasme l'expérience à venir et remercie tous les participants. Nous avons discuté des artistes Aladean kheroufi autour de la table, accueilli de nouveaux invités, José et Christian. Nous avons évoqué les demandes parfois excentriques des artistes en tournée, comme le cas de Van Halen et leurs exigences de M&M's. Nous avons passé en revue des artistes présents au festival, partageant nos impressions sur leur musique. Andrina Turenne, une auteure-compositrice-interprète franco-manitobaine métisse, qui a parlé de sa transition vers une carrière solo après son passage dans Chic Gamine. Elle a partagé son parcours musical, sa première expérience aux Territoires du Nord-Ouest et sa participation attendue au festival Folk on the Rocks. Andrina a également discuté de l'importance d'écrire des chansons en français pour elle, mettant en avant sa diversité culturelle et identitaire. Nous attendons avec impatience ses futurs projets musicaux. Par la suite, nous avons discuté avec des artistes basés en Alberta qui ont participé au Festival Folk on the Rock, soulignant l'atmosphère extraordinaire et la communauté chaleureuse. Nous avons accueilli Béatrice Deer, une auteure-compositrice-interprète basée à Montréal, d'origine Inuk et Mohawk, qui a parlé de ses projets musicaux et de son engagement à préserver la langue et la culture inuites. Elle a partagé ses expériences sur scène, ses futurs projets et a même invité les auditeurs à découvrir sa musique en ligne. Le podcast a débuté avec une conversation animée sur les artistes jouant bientôt, accueillant l'artiste montréalais James Alynes qui a partagé ses expériences musicales, notamment son projet de créer 366 morceaux en un an. Le podcast s'est conclu par une discussion littéraire avec Tania Snow, illustrant la diversité des invités et des sujets abordés. Enfin, nous avons discuté avec Julie de Ragged Ass Swing Band de leur évolution musicale et de leur performance au Main Stage du Folk on the Rocks.

]]>69ecacb0-25b0-4669-b724-f569916f4bfdFri, 26 Jul 2024 12:44:00 -060002:27:48falsebonusDans cette émission spéciale de L'allonge en direct depuis Folk on the Rock à Long Lake, nous avons eu des entrevues exclusives avec l'administration du festival, des artistes et des performances live depuis le kiosque Radio Taïga. Malgré quelques imprévus en direct, nous avons pu capter l'énergie électrisante du festival Folk on the Rocks 2024, situé au-delà du 65e Parallèle Nord, où règne le soleil de minuit. L'équipe a présenté un line-up incroyable et est impatiente de partager cet événement unique. Les directrices ont souligné l'importance de la diversité et de l'inclusion des artistes indigènes et LGBTQ+, avec des remerciements chaleureux pour les bénévoles et sponsors. De nombreux artistes ont été mis en avant pour inviter les festivaliers à découvrir de nouvelles sonorités. Le festival a mis en place le Squad de sécurité pour assurer un environnement sûr. Alors que nous nous apprêtons à profiter des festivités, l'équipe attend avec enthousiasme l'expérience à venir et remercie tous les participants. Nous avons discuté des artistes Aladean kheroufi autour de la table, accueilli de nouveaux invités, José et Christian. Nous avons évoqué les demandes parfois excentriques des artistes en tournée, comme le cas de Van Halen et leurs exigences de M&M's. Nous avons passé en revue des artistes présents au festival, partageant nos impressions sur leur musique. Andrina Turenne, une auteure-compositrice-interprète franco-manitobaine métisse, qui a parlé de sa transition vers une carrière solo après son passage dans Chic Gamine. Elle a partagé son parcours musical, sa première expérience aux Territoires du Nord-Ouest et sa participation attendue au festival Folk on the Rocks. Andrina a également discuté de l'importance d'écrire des chansons en français pour elle, mettant en avant sa diversité culturelle et identitaire. Nous attendons avec impatience ses futurs projets musicaux. Par la suite, nous avons discuté avec des artistes basés en Alberta qui ont participé au Festival Folk on the Rock, soulignant l'atmosphère extraordinaire et la communauté chaleureuse. Nous avons accueilli Béatrice Deer, une auteure-compositrice-interprète basée à Montréal, d'origine Inuk et Mohawk, qui a parlé de ses projets musicaux et de son engagement à préserver la langue et la culture inuites. Elle a partagé ses expériences sur scène, ses futurs projets et a même invité les auditeurs à découvrir sa musique en ligne. Le podcast a débuté avec une conversation animée sur les artistes jouant bientôt, accueillant l'artiste montréalais James Alynes qui a partagé ses expériences musicales, notamment son projet de créer 366 morceaux en un an. Le podcast s'est conclu par une discussion littéraire avec Tania Snow, illustrant la diversité des invités et des sujets abordés. Enfin, nous avons discuté avec Julie de Ragged Ass Swing Band de leur évolution musicale et de leur performance au Main Stage du Folk on the Rocks.Folk on the Rocks 2024 | Bruno Capinan - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024 | Bruno Capinan - Radio TaigaRadio Taïga et Folk on the Rock présentent L'Allonge, une émission musicale mettant en lumière les talents du Territoire du Nord-Ouest. L'émission d'aujourd'hui accueille Bruno Capinan, un auteur-compositeur-interprète brésilien résidant au Canada depuis 2014. Bruno, qui se prépare à se produire cet été au Festival Folk on the Rock, partage ses inspirations musicales influencées par ses racines brésiliennes. Bruno parle de ses nombreuses influences musicales, de la bossa nova à la musique moderne, citant des artistes comme João Gilberto et Caetano Veloso. Il réfléchit sur sa voix unique, façonnée par sa nature queer et sensible, décrite comme à la fois angélique et profane, et perçue par le public comme mystique et pacifique. Il met en avant l'importance de la performance visuelle dans sa musique, considérant la scène comme un espace sacré de partage authentique et de transmission de la culture de Bahia et du Brésil. Enfin, un extrait de son dernier album "Tara Tara" avec la chanson "Mafia" offre un aperçu de son univers musical éclectique. Ne manquez pas sa performance au Festival Folk & Rock du 19 au 21 juillet et restez connectés sur Radio Taïga pour plus d'actualités musicales.

]]>Radio Taïga et Folk on the Rock présentent L'Allonge, une émission musicale mettant en lumière les talents du Territoire du Nord-Ouest. L'émission d'aujourd'hui accueille Bruno Capinan, un auteur-compositeur-interprète brésilien résidant au Canada depuis 2014. Bruno, qui se prépare à se produire cet été au Festival Folk on the Rock, partage ses inspirations musicales influencées par ses racines brésiliennes. Bruno parle de ses nombreuses influences musicales, de la bossa nova à la musique moderne, citant des artistes comme João Gilberto et Caetano Veloso. Il réfléchit sur sa voix unique, façonnée par sa nature queer et sensible, décrite comme à la fois angélique et profane, et perçue par le public comme mystique et pacifique. Il met en avant l'importance de la performance visuelle dans sa musique, considérant la scène comme un espace sacré de partage authentique et de transmission de la culture de Bahia et du Brésil. Enfin, un extrait de son dernier album "Tara Tara" avec la chanson "Mafia" offre un aperçu de son univers musical éclectique. Ne manquez pas sa performance au Festival Folk & Rock du 19 au 21 juillet et restez connectés sur Radio Taïga pour plus d'actualités musicales.

]]>5ae16395-8fc8-46e7-8ac0-0b3cbf5040a2Thu, 18 Jul 2024 14:13:00 -060013:23falsebonusRadio Taïga et Folk on the Rock présentent L'Allonge, une émission musicale mettant en lumière les talents du Territoire du Nord-Ouest. L'émission d'aujourd'hui accueille Bruno Capinan, un auteur-compositeur-interprète brésilien résidant au Canada depuis 2014. Bruno, qui se prépare à se produire cet été au Festival Folk on the Rock, partage ses inspirations musicales influencées par ses racines brésiliennes. Bruno parle de ses nombreuses influences musicales, de la bossa nova à la musique moderne, citant des artistes comme João Gilberto et Caetano Veloso. Il réfléchit sur sa voix unique, façonnée par sa nature queer et sensible, décrite comme à la fois angélique et profane, et perçue par le public comme mystique et pacifique. Il met en avant l'importance de la performance visuelle dans sa musique, considérant la scène comme un espace sacré de partage authentique et de transmission de la culture de Bahia et du Brésil. Enfin, un extrait de son dernier album "Tara Tara" avec la chanson "Mafia" offre un aperçu de son univers musical éclectique. Ne manquez pas sa performance au Festival Folk & Rock du 19 au 21 juillet et restez connectés sur Radio Taïga pour plus d'actualités musicales.Folk on the Rocks 2024 | BoogeyTheBeat - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024 | BoogeyTheBeat - Radio TaigaL'émission "L'Allonge" accueille aujourd'hui Boogey the Beat, un artiste et producteur Anishinaabe de Winnipeg, Manitoba, connu pour mélanger les traditions amérindiennes avec la musique électronique. Boogey partage son expérience de fusionner les powwows et les célébrations autochtones avec la musique moderne, qu'il présentera lors du festival Folk on the Rocks. Il évoque comment son enfance et sa participation à des cérémonies traditionnelles ont façonné son respect des traditions et son désir de les partager. Boogey raconte comment il intègre les enregistrements de groupes de drummers et de chants traditionnels dans ses compositions électroniques modernes. Il explique sa collaboration avec un groupe féminin autochtone avec lequel il crée de la musique en studio, mélangeant les voix et les instruments pour aboutir à un son unique. Boogey souligne l'importance de respecter les chansons traditionnelles tout en les interprétant à sa manière pour les rendre accessibles à un public plus large. L'artiste parle également de l'importance de partager ses talents avec sa communauté et avec le monde, en encourageant particulièrement les jeunes autochtones à reconnaître et à partager leurs propres dons. Il insiste sur le fait que le but ultime de son art est de contribuer à sa culture et de transmettre un message de paix et d'unité à travers sa musique. En conclusion, un extrait de l'album de Boogey The Beat, "Cousin", est diffusé, mettant en avant la chanson "Bangishamon" en collaboration avec The Southern Thunderbird Medicine Gym. Boogey annonce la sortie de son deuxième album en studio au printemps prochain et invite les auditeurs à le retrouver au Festival Folk on the Rock en juillet. Restez à l'écoute sur Radio Taïga pour plus d'actualités musicales et de découvertes artistiques.

]]>L'émission "L'Allonge" accueille aujourd'hui Boogey the Beat, un artiste et producteur Anishinaabe de Winnipeg, Manitoba, connu pour mélanger les traditions amérindiennes avec la musique électronique. Boogey partage son expérience de fusionner les powwows et les célébrations autochtones avec la musique moderne, qu'il présentera lors du festival Folk on the Rocks. Il évoque comment son enfance et sa participation à des cérémonies traditionnelles ont façonné son respect des traditions et son désir de les partager. Boogey raconte comment il intègre les enregistrements de groupes de drummers et de chants traditionnels dans ses compositions électroniques modernes. Il explique sa collaboration avec un groupe féminin autochtone avec lequel il crée de la musique en studio, mélangeant les voix et les instruments pour aboutir à un son unique. Boogey souligne l'importance de respecter les chansons traditionnelles tout en les interprétant à sa manière pour les rendre accessibles à un public plus large. L'artiste parle également de l'importance de partager ses talents avec sa communauté et avec le monde, en encourageant particulièrement les jeunes autochtones à reconnaître et à partager leurs propres dons. Il insiste sur le fait que le but ultime de son art est de contribuer à sa culture et de transmettre un message de paix et d'unité à travers sa musique. En conclusion, un extrait de l'album de Boogey The Beat, "Cousin", est diffusé, mettant en avant la chanson "Bangishamon" en collaboration avec The Southern Thunderbird Medicine Gym. Boogey annonce la sortie de son deuxième album en studio au printemps prochain et invite les auditeurs à le retrouver au Festival Folk on the Rock en juillet. Restez à l'écoute sur Radio Taïga pour plus d'actualités musicales et de découvertes artistiques.

]]>cbf9aceb-351a-48a3-99a8-62f1a7d34d11Thu, 04 Jul 2024 12:22:00 -060008:21falsebonusL'émission "L'Allonge" accueille aujourd'hui Boogey the Beat, un artiste et producteur Anishinaabe de Winnipeg, Manitoba, connu pour mélanger les traditions amérindiennes avec la musique électronique. Boogey partage son expérience de fusionner les powwows et les célébrations autochtones avec la musique moderne, qu'il présentera lors du festival Folk on the Rocks. Il évoque comment son enfance et sa participation à des cérémonies traditionnelles ont façonné son respect des traditions et son désir de les partager. Boogey raconte comment il intègre les enregistrements de groupes de drummers et de chants traditionnels dans ses compositions électroniques modernes. Il explique sa collaboration avec un groupe féminin autochtone avec lequel il crée de la musique en studio, mélangeant les voix et les instruments pour aboutir à un son unique. Boogey souligne l'importance de respecter les chansons traditionnelles tout en les interprétant à sa manière pour les rendre accessibles à un public plus large. L'artiste parle également de l'importance de partager ses talents avec sa communauté et avec le monde, en encourageant particulièrement les jeunes autochtones à reconnaître et à partager leurs propres dons. Il insiste sur le fait que le but ultime de son art est de contribuer à sa culture et de transmettre un message de paix et d'unité à travers sa musique. En conclusion, un extrait de l'album de Boogey The Beat, "Cousin", est diffusé, mettant en avant la chanson "Bangishamon" en collaboration avec The Southern Thunderbird Medicine Gym. Boogey annonce la sortie de son deuxième album en studio au printemps prochain et invite les auditeurs à le retrouver au Festival Folk on the Rock en juillet. Restez à l'écoute sur Radio Taïga pour plus d'actualités musicales et de découvertes artistiques.Folk on the Rocks 2024 | Begonia - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024 | Begonia - Radio TaigaBégonia, une talentueuse chanteuse pop canadienne de Winnipeg, se joint à une interview exclusive avec Cristiano Pereira pour partager son enthousiasme à l'idée de se produire au prochain festival Folk on the Rock. Elle exprime à quel point le festival est connu pour son énergie et son ambiance uniques, et elle donne aux auditeurs un aperçu de ce qu'ils peuvent attendre de son prochain spectacle. Bégonia évoque comment les longs hivers à Winnipeg et la communauté artistique solidaire ont influencé son processus créatif et son mode de vie, en soulignant l'importance de l'authenticité et de l'émotion dans ses performances. Passant du chant dans les églises à une carrière solo réussie sous le nom de Bégonia, elle réfléchit aux défis et aux récompenses d'être une artiste solo. Elle reconnaît la solitude qui peut parfois accompagner les décisions qu'elle doit prendre seule, mais elle apprécie l'esprit de collaboration qu'elle a appris en faisant partie de groupes. Elle crédite son équipe de soutien pour avoir rendu la transition vers une carrière solo plus fluide et souligne l'importance de maintenir une énergie de groupe même en tant qu'artiste solo. Bégonia explore son processus créatif, décrivant comment elle trouve l'inspiration dans le calme de son esprit et l'importance de créer de l'espace dans sa vie quotidienne pour permettre aux idées de circuler. Elle offre des conseils précieux aux artistes émergents, les encourageant à ne pas se comparer aux autres et en soulignant l'importance de la communauté et de la persévérance dans la poursuite d'une carrière musicale. L'interview se conclut par un extrait musical de la chanson de Bégonia "Married by Elvis" et un rappel de ne pas manquer sa performance au Folk on the Rock Festival. À travers cette interview, les auditeurs obtiennent un aperçu du parcours artistique de Bégonia, de son processus créatif et de l'importance de la communauté et de la confiance en soi dans la poursuite d'une carrière musicale. Sa passion pour l'authenticité, la collaboration et la croissance continue transparaît, inspirant les musiciens en herbe à embrasser leur art et à rester engagés dans leurs efforts créatifs.

]]>Bégonia, une talentueuse chanteuse pop canadienne de Winnipeg, se joint à une interview exclusive avec Cristiano Pereira pour partager son enthousiasme à l'idée de se produire au prochain festival Folk on the Rock. Elle exprime à quel point le festival est connu pour son énergie et son ambiance uniques, et elle donne aux auditeurs un aperçu de ce qu'ils peuvent attendre de son prochain spectacle. Bégonia évoque comment les longs hivers à Winnipeg et la communauté artistique solidaire ont influencé son processus créatif et son mode de vie, en soulignant l'importance de l'authenticité et de l'émotion dans ses performances. Passant du chant dans les églises à une carrière solo réussie sous le nom de Bégonia, elle réfléchit aux défis et aux récompenses d'être une artiste solo. Elle reconnaît la solitude qui peut parfois accompagner les décisions qu'elle doit prendre seule, mais elle apprécie l'esprit de collaboration qu'elle a appris en faisant partie de groupes. Elle crédite son équipe de soutien pour avoir rendu la transition vers une carrière solo plus fluide et souligne l'importance de maintenir une énergie de groupe même en tant qu'artiste solo. Bégonia explore son processus créatif, décrivant comment elle trouve l'inspiration dans le calme de son esprit et l'importance de créer de l'espace dans sa vie quotidienne pour permettre aux idées de circuler. Elle offre des conseils précieux aux artistes émergents, les encourageant à ne pas se comparer aux autres et en soulignant l'importance de la communauté et de la persévérance dans la poursuite d'une carrière musicale. L'interview se conclut par un extrait musical de la chanson de Bégonia "Married by Elvis" et un rappel de ne pas manquer sa performance au Folk on the Rock Festival. À travers cette interview, les auditeurs obtiennent un aperçu du parcours artistique de Bégonia, de son processus créatif et de l'importance de la communauté et de la confiance en soi dans la poursuite d'une carrière musicale. Sa passion pour l'authenticité, la collaboration et la croissance continue transparaît, inspirant les musiciens en herbe à embrasser leur art et à rester engagés dans leurs efforts créatifs.

]]>f9974e47-f55a-4183-8358-ababe55d2f3fThu, 27 Jun 2024 13:13:00 -060012:41falsebonusBégonia, une talentueuse chanteuse pop canadienne de Winnipeg, se joint à une interview exclusive avec Cristiano Pereira pour partager son enthousiasme à l'idée de se produire au prochain festival Folk on the Rock. Elle exprime à quel point le festival est connu pour son énergie et son ambiance uniques, et elle donne aux auditeurs un aperçu de ce qu'ils peuvent attendre de son prochain spectacle. Bégonia évoque comment les longs hivers à Winnipeg et la communauté artistique solidaire ont influencé son processus créatif et son mode de vie, en soulignant l'importance de l'authenticité et de l'émotion dans ses performances. Passant du chant dans les églises à une carrière solo réussie sous le nom de Bégonia, elle réfléchit aux défis et aux récompenses d'être une artiste solo. Elle reconnaît la solitude qui peut parfois accompagner les décisions qu'elle doit prendre seule, mais elle apprécie l'esprit de collaboration qu'elle a appris en faisant partie de groupes. Elle crédite son équipe de soutien pour avoir rendu la transition vers une carrière solo plus fluide et souligne l'importance de maintenir une énergie de groupe même en tant qu'artiste solo. Bégonia explore son processus créatif, décrivant comment elle trouve l'inspiration dans le calme de son esprit et l'importance de créer de l'espace dans sa vie quotidienne pour permettre aux idées de circuler. Elle offre des conseils précieux aux artistes émergents, les encourageant à ne pas se comparer aux autres et en soulignant l'importance de la communauté et de la persévérance dans la poursuite d'une carrière musicale. L'interview se conclut par un extrait musical de la chanson de Bégonia "Married by Elvis" et un rappel de ne pas manquer sa performance au Folk on the Rock Festival. À travers cette interview, les auditeurs obtiennent un aperçu du parcours artistique de Bégonia, de son processus créatif et de l'importance de la communauté et de la confiance en soi dans la poursuite d'une carrière musicale. Sa passion pour l'authenticité, la collaboration et la croissance continue transparaît, inspirant les musiciens en herbe à embrasser leur art et à rester engagés dans leurs efforts créatifs.Folk on the Rocks 2024 | Debby Friday - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024 | Debby Friday - Radio TaigaL'Allonge, en partenariat avec Radio Taïga et Folk on the Rock, met en lumière la scène musicale des Territoires du Nord-Ouest. Dans cet épisode, nous accueillons DEBBY FRIDAY, artiste de musique électronique et lauréate du prix Polaris en 2023 pour son album "Good Luck". Debbie partage avec nous l'impact significatif que cette récompense a eu sur sa carrière, la propulsant vers de nouveaux horizons tant personnellement que professionnellement. Cette reconnaissance a ouvert des portes et offert une visibilité accrue à sa musique, touchant à la fois ses fans de longue date et de nouveaux auditeurs intéressés par son travail. Originaire du Nigeria et élevée à Montréal, DEBBY FRIDAY a parcouru le monde, s'installant finalement à Toronto, où elle puise son inspiration dans ses diverses expériences et voyages. Sa musique hybride et son goût pour mélanger différents genres témoignent de son désir d'explorer les horizons sonores et d'offrir une perspective unique à son public. DEBBY FRIDAY souligne l'importance d'être autodidacte dans une industrie en constante évolution, encourager les artistes à apprendre par l'expérience et à développer leur propre voix pour s'épanouir artistiquement et personnellement. En exclusivité, un extrait de son album "Good Luck" avec la chanson "What a Man" sortie en 2023 nous est partagé, offrant un avant-goût de son talent et de sa créativité. Debbie révèle également travailler activement sur son prochain album en studio, tout en gardant secret d'autres projets excitants en gestation. Ne manquez pas l'opportunité de découvrir DEBBY FRIDAY en live lors du festival Folk on the Rock cet été du 19 au 21 juillet. Restez à l'affût des actualités musicales avec La Longe, la chronique musicale estivale à ne pas manquer, une production de Média Ténois.

]]>L'Allonge, en partenariat avec Radio Taïga et Folk on the Rock, met en lumière la scène musicale des Territoires du Nord-Ouest. Dans cet épisode, nous accueillons DEBBY FRIDAY, artiste de musique électronique et lauréate du prix Polaris en 2023 pour son album "Good Luck". Debbie partage avec nous l'impact significatif que cette récompense a eu sur sa carrière, la propulsant vers de nouveaux horizons tant personnellement que professionnellement. Cette reconnaissance a ouvert des portes et offert une visibilité accrue à sa musique, touchant à la fois ses fans de longue date et de nouveaux auditeurs intéressés par son travail. Originaire du Nigeria et élevée à Montréal, DEBBY FRIDAY a parcouru le monde, s'installant finalement à Toronto, où elle puise son inspiration dans ses diverses expériences et voyages. Sa musique hybride et son goût pour mélanger différents genres témoignent de son désir d'explorer les horizons sonores et d'offrir une perspective unique à son public. DEBBY FRIDAY souligne l'importance d'être autodidacte dans une industrie en constante évolution, encourager les artistes à apprendre par l'expérience et à développer leur propre voix pour s'épanouir artistiquement et personnellement. En exclusivité, un extrait de son album "Good Luck" avec la chanson "What a Man" sortie en 2023 nous est partagé, offrant un avant-goût de son talent et de sa créativité. Debbie révèle également travailler activement sur son prochain album en studio, tout en gardant secret d'autres projets excitants en gestation. Ne manquez pas l'opportunité de découvrir DEBBY FRIDAY en live lors du festival Folk on the Rock cet été du 19 au 21 juillet. Restez à l'affût des actualités musicales avec La Longe, la chronique musicale estivale à ne pas manquer, une production de Média Ténois.

]]>be1fa614-60e1-4e0c-8332-19eb0b40a3e0Thu, 13 Jun 2024 13:53:00 -060007:43falsebonusL'Allonge, en partenariat avec Radio Taïga et Folk on the Rock, met en lumière la scène musicale des Territoires du Nord-Ouest. Dans cet épisode, nous accueillons DEBBY FRIDAY, artiste de musique électronique et lauréate du prix Polaris en 2023 pour son album "Good Luck". Debbie partage avec nous l'impact significatif que cette récompense a eu sur sa carrière, la propulsant vers de nouveaux horizons tant personnellement que professionnellement. Cette reconnaissance a ouvert des portes et offert une visibilité accrue à sa musique, touchant à la fois ses fans de longue date et de nouveaux auditeurs intéressés par son travail. Originaire du Nigeria et élevée à Montréal, DEBBY FRIDAY a parcouru le monde, s'installant finalement à Toronto, où elle puise son inspiration dans ses diverses expériences et voyages. Sa musique hybride et son goût pour mélanger différents genres témoignent de son désir d'explorer les horizons sonores et d'offrir une perspective unique à son public. DEBBY FRIDAY souligne l'importance d'être autodidacte dans une industrie en constante évolution, encourager les artistes à apprendre par l'expérience et à développer leur propre voix pour s'épanouir artistiquement et personnellement. En exclusivité, un extrait de son album "Good Luck" avec la chanson "What a Man" sortie en 2023 nous est partagé, offrant un avant-goût de son talent et de sa créativité. Debbie révèle également travailler activement sur son prochain album en studio, tout en gardant secret d'autres projets excitants en gestation. Ne manquez pas l'opportunité de découvrir DEBBY FRIDAY en live lors du festival Folk on the Rock cet été du 19 au 21 juillet. Restez à l'affût des actualités musicales avec La Longe, la chronique musicale estivale à ne pas manquer, une production de Média Ténois.Folk on the Rocks 2024 | Mo Kenney - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024 | Mo Kenney - Radio TaigaRadio Taïga et Folk on the Rock présentent La Longe, une émission dédiée à l'actualité musicale dans les Territoires du Nord-Ouest. Aujourd'hui, nous avons eu le plaisir d'interviewer Mo Kenney, auteur, compositeur et interprète basé à Dartmouth, Nouvelle-Écosse. Mo a récemment partagé son expérience enrichissante lors de sa première visite à Yellowknife en 2022 aux côtés de Joël Plaskett. Cette venue au festival leur a permis de tisser des liens significatifs avec le Nord et même de postuler à des résidences artistiques. Mo a passé du temps à Yellowknife cet hiver pour une résidence artistique avec Miranda Curry, une expérience qu'iels ont particulièrement appréciée. Iels ont eu l'occasion de collaborer sur de nouveaux morceaux, de se découvrir artistiquement et humainement. En parlant de leurs projets futurs, Mo nous donne un aperçu de leur performance à venir au Festival Folk on the Rock cet été, en compagnie de Miranda Curry. Mo annonce également la sortie de leur nouvel album en septembre, produit par Joël Plaskett, dans lequel iels ont mis tout leur cœur et leur talent. Cet album est décrit comme un mélange harmonieux de folk, pop et rock, représentant au mieux leur diversité musicale. Mo partage ensuite leur processus créatif et leur façon d'écrire de nouvelles chansons, soulignant l'importance de la musique comme point de départ. En fin d'interview, nous avons l'occasion d'écouter "Ahead of Myself" de Mo Kenney, une chanson sortie en 2019 qui reflète leur expérience de vivre seul dans un appartement à Dartmouth. Ne manquez pas la performance de Mo Kenney au Festival Folk on the Rock cet été, où ils interpréteront des chansons de leur nouvel album en duo avec Miranda Curry. Restez à l'écoute pour plus de découvertes musicales et d'interviews exclusives. Merci à tous et à bientôt pour un nouvel épisode de L'allonge, une chronique musicale estivale produite par Médias Ténois.

]]>Radio Taïga et Folk on the Rock présentent La Longe, une émission dédiée à l'actualité musicale dans les Territoires du Nord-Ouest. Aujourd'hui, nous avons eu le plaisir d'interviewer Mo Kenney, auteur, compositeur et interprète basé à Dartmouth, Nouvelle-Écosse. Mo a récemment partagé son expérience enrichissante lors de sa première visite à Yellowknife en 2022 aux côtés de Joël Plaskett. Cette venue au festival leur a permis de tisser des liens significatifs avec le Nord et même de postuler à des résidences artistiques. Mo a passé du temps à Yellowknife cet hiver pour une résidence artistique avec Miranda Curry, une expérience qu'iels ont particulièrement appréciée. Iels ont eu l'occasion de collaborer sur de nouveaux morceaux, de se découvrir artistiquement et humainement. En parlant de leurs projets futurs, Mo nous donne un aperçu de leur performance à venir au Festival Folk on the Rock cet été, en compagnie de Miranda Curry. Mo annonce également la sortie de leur nouvel album en septembre, produit par Joël Plaskett, dans lequel iels ont mis tout leur cœur et leur talent. Cet album est décrit comme un mélange harmonieux de folk, pop et rock, représentant au mieux leur diversité musicale. Mo partage ensuite leur processus créatif et leur façon d'écrire de nouvelles chansons, soulignant l'importance de la musique comme point de départ. En fin d'interview, nous avons l'occasion d'écouter "Ahead of Myself" de Mo Kenney, une chanson sortie en 2019 qui reflète leur expérience de vivre seul dans un appartement à Dartmouth. Ne manquez pas la performance de Mo Kenney au Festival Folk on the Rock cet été, où ils interpréteront des chansons de leur nouvel album en duo avec Miranda Curry. Restez à l'écoute pour plus de découvertes musicales et d'interviews exclusives. Merci à tous et à bientôt pour un nouvel épisode de L'allonge, une chronique musicale estivale produite par Médias Ténois.

]]>4591e901-3d51-42f1-ad4a-9807ff43eeffFri, 07 Jun 2024 11:39:00 -060008:45falsebonusRadio Taïga et Folk on the Rock présentent La Longe, une émission dédiée à l'actualité musicale dans les Territoires du Nord-Ouest. Aujourd'hui, nous avons eu le plaisir d'interviewer Mo Kenney, auteur, compositeur et interprète basé à Dartmouth, Nouvelle-Écosse. Mo a récemment partagé son expérience enrichissante lors de sa première visite à Yellowknife en 2022 aux côtés de Joël Plaskett. Cette venue au festival leur a permis de tisser des liens significatifs avec le Nord et même de postuler à des résidences artistiques. Mo a passé du temps à Yellowknife cet hiver pour une résidence artistique avec Miranda Curry, une expérience qu'iels ont particulièrement appréciée. Iels ont eu l'occasion de collaborer sur de nouveaux morceaux, de se découvrir artistiquement et humainement. En parlant de leurs projets futurs, Mo nous donne un aperçu de leur performance à venir au Festival Folk on the Rock cet été, en compagnie de Miranda Curry. Mo annonce également la sortie de leur nouvel album en septembre, produit par Joël Plaskett, dans lequel iels ont mis tout leur cœur et leur talent. Cet album est décrit comme un mélange harmonieux de folk, pop et rock, représentant au mieux leur diversité musicale. Mo partage ensuite leur processus créatif et leur façon d'écrire de nouvelles chansons, soulignant l'importance de la musique comme point de départ. En fin d'interview, nous avons l'occasion d'écouter "Ahead of Myself" de Mo Kenney, une chanson sortie en 2019 qui reflète leur expérience de vivre seul dans un appartement à Dartmouth. Ne manquez pas la performance de Mo Kenney au Festival Folk on the Rock cet été, où ils interpréteront des chansons de leur nouvel album en duo avec Miranda Curry. Restez à l'écoute pour plus de découvertes musicales et d'interviews exclusives. Merci à tous et à bientôt pour un nouvel épisode de L'allonge, une chronique musicale estivale produite par Médias Ténois.Folk on the Rocks 2024 | BrandonSonnet - Radio TaigaFolk on the Rocks 2024 | BrandonSonnet - Radio TaigaL'allonge présente une discussion avec BrandonSonnet, un artiste solo qui repousse les limites de la musique électronique dans les territoires du Nord-Ouest. BrandonSonnet partage comment son environnement, en particulier la toundra où il a grandi, influence sa musique, créant une atmosphère unique dans ses compositions. Il évoque son processus créatif solitaire, expliquant que bien qu'il ne parle pas explicitement du froid dans ses chansons, il cherche à transmettre un sentiment subtil de fraîcheur à travers sa musique. Brandon révèle que la plupart du temps, il travaille seul, se laissant inspirer par son environnement et explorant différentes voies musicales pour ne pas se répéter. Il exprime sa conviction en l'importance d'explorer de nouveaux horizons artistiques et en encourageant la créativité sous toutes ses formes, affirmant qu'il y a un immense potentiel artistique non encore révélé dans les traditions musicales des territoires du Nord-Ouest. L'artiste souligne l'importance de sortir sa musique rapidement, de trouver son propre style et de continuer à évoluer. Brandon invite à assister à sa performance au festival Folk on the Rocks 2024 du 19 au 21 juillet, où il continuera à surprendre et à inspirer par sa musique novatrice. La discussion se termine sur un extrait de son album The Beringia Theory, offrant un aperçu de sa musique avant-gardiste et captivante. Brandon Sonnet incarne un musicien visionnaire qui repousse les frontières de la musique électronique, offrant un regard fascinant sur son processus de création et sa passion pour l'exploration artistique. Sa musique reflète son désir d'innover et de transcender les conventions, apportant une nouvelle perspective sur la scène musicale des territoires du Nord-Ouest.

]]>L'allonge présente une discussion avec BrandonSonnet, un artiste solo qui repousse les limites de la musique électronique dans les territoires du Nord-Ouest. BrandonSonnet partage comment son environnement, en particulier la toundra où il a grandi, influence sa musique, créant une atmosphère unique dans ses compositions. Il évoque son processus créatif solitaire, expliquant que bien qu'il ne parle pas explicitement du froid dans ses chansons, il cherche à transmettre un sentiment subtil de fraîcheur à travers sa musique. Brandon révèle que la plupart du temps, il travaille seul, se laissant inspirer par son environnement et explorant différentes voies musicales pour ne pas se répéter. Il exprime sa conviction en l'importance d'explorer de nouveaux horizons artistiques et en encourageant la créativité sous toutes ses formes, affirmant qu'il y a un immense potentiel artistique non encore révélé dans les traditions musicales des territoires du Nord-Ouest. L'artiste souligne l'importance de sortir sa musique rapidement, de trouver son propre style et de continuer à évoluer. Brandon invite à assister à sa performance au festival Folk on the Rocks 2024 du 19 au 21 juillet, où il continuera à surprendre et à inspirer par sa musique novatrice. La discussion se termine sur un extrait de son album The Beringia Theory, offrant un aperçu de sa musique avant-gardiste et captivante. Brandon Sonnet incarne un musicien visionnaire qui repousse les frontières de la musique électronique, offrant un regard fascinant sur son processus de création et sa passion pour l'exploration artistique. Sa musique reflète son désir d'innover et de transcender les conventions, apportant une nouvelle perspective sur la scène musicale des territoires du Nord-Ouest.

]]>187c8a72-6018-44dc-8462-b90b62fd15ffThu, 30 May 2024 14:49:00 -060008:28falsebonusL'allonge présente une discussion avec BrandonSonnet, un artiste solo qui repousse les limites de la musique électronique dans les territoires du Nord-Ouest. BrandonSonnet partage comment son environnement, en particulier la toundra où il a grandi, influence sa musique, créant une atmosphère unique dans ses compositions. Il évoque son processus créatif solitaire, expliquant que bien qu'il ne parle pas explicitement du froid dans ses chansons, il cherche à transmettre un sentiment subtil de fraîcheur à travers sa musique. Brandon révèle que la plupart du temps, il travaille seul, se laissant inspirer par son environnement et explorant différentes voies musicales pour ne pas se répéter. Il exprime sa conviction en l'importance d'explorer de nouveaux horizons artistiques et en encourageant la créativité sous toutes ses formes, affirmant qu'il y a un immense potentiel artistique non encore révélé dans les traditions musicales des territoires du Nord-Ouest. L'artiste souligne l'importance de sortir sa musique rapidement, de trouver son propre style et de continuer à évoluer. Brandon invite à assister à sa performance au festival Folk on the Rocks 2024 du 19 au 21 juillet, où il continuera à surprendre et à inspirer par sa musique novatrice. La discussion se termine sur un extrait de son album The Beringia Theory, offrant un aperçu de sa musique avant-gardiste et captivante. Brandon Sonnet incarne un musicien visionnaire qui repousse les frontières de la musique électronique, offrant un regard fascinant sur son processus de création et sa passion pour l'exploration artistique. Sa musique reflète son désir d'innover et de transcender les conventions, apportant une nouvelle perspective sur la scène musicale des territoires du Nord-Ouest.L'Allonge 22 Ép #7 - Ellen Froese - Radio Taïga Les archivesL'Allonge 22 Ép #7 - Ellen Froese - Radio Taïga Les archivesCette semaine, on reçoit Ellen Froese. Influencée par la musique folk et le bluegrass, la musicienne saskatchewanaise expérimente la musique depuis son plus jeune âge. « À 15 ans, je suis en quelque sorte tombée amoureuse des chansons de Neil Young, explique l’artiste. C’est à ce moment que j’ai commencé à écrire. Par la suite, je suis allée à un festival de bluegrass et je suis cette fois-ci tombée amoureuse du vieux folk. » Adolescente, elle fonde son premier groupe avec quelques amis puis se lance en solo. « Depuis, ma musique est variée », ajoute-t-elle. Lien vers l'article : https://aquilon.nt.ca/Article/Ellen-Froese-le-visage-du-folk-cet-ete-a-Yellowknife-202206231557/default.aspx#article

]]>Cette semaine, on reçoit Ellen Froese. Influencée par la musique folk et le bluegrass, la musicienne saskatchewanaise expérimente la musique depuis son plus jeune âge. « À 15 ans, je suis en quelque sorte tombée amoureuse des chansons de Neil Young, explique l’artiste. C’est à ce moment que j’ai commencé à écrire. Par la suite, je suis allée à un festival de bluegrass et je suis cette fois-ci tombée amoureuse du vieux folk. » Adolescente, elle fonde son premier groupe avec quelques amis puis se lance en solo. « Depuis, ma musique est variée », ajoute-t-elle. Lien vers l'article : https://aquilon.nt.ca/Article/Ellen-Froese-le-visage-du-folk-cet-ete-a-Yellowknife-202206231557/default.aspx#article

]]>tag:soundcloud,2010:tracks/1293126463Thu, 23 Jun 2022 17:26:00 -040005:03falsebonusCette semaine, on reçoit Ellen Froese. Influencée par la musique folk et le bluegrass, la musicienne saskatchewanaise expérimente la musique depuis son plus jeune âge. « À 15 ans, je suis en quelque sorte tombée amoureuse des chansons de Neil Young, explique l’artiste. C’est à ce moment que j’ai commencé à écrire. Par la suite, je suis allée à un festival de bluegrass et je suis cette fois-ci tombée amoureuse du vieux folk. » Adolescente, elle fonde son premier groupe avec quelques amis puis se lance en solo. « Depuis, ma musique est variée », ajoute-t-elle. Lien vers l'article : https://aquilon.nt.ca/Article/Ellen-Froese-le-visage-du-folk-cet-ete-a-Yellowknife-202206231557/default.aspx#articleL'Allonge 22 Ép #6 - Skyfire Taiko - Radio Taïga Les archivesL'Allonge 22 Ép #6 - Skyfire Taiko - Radio Taïga Les archivesLe groupe canadien SkyFire Taiko s’est formé en 2015. La formation pratique le taïko, un art japonais où la puissance des tambours se mêle à des chorégraphies envoutantes.

]]>Le groupe canadien SkyFire Taiko s’est formé en 2015. La formation pratique le taïko, un art japonais où la puissance des tambours se mêle à des chorégraphies envoutantes.

]]>tag:soundcloud,2010:tracks/1288718197Thu, 16 Jun 2022 15:36:00 -040006:50falsebonusLe groupe canadien SkyFire Taiko s’est formé en 2015. La formation pratique le taïko, un art japonais où la puissance des tambours se mêle à des chorégraphies envoutantes.L'Allonge 22 Ép #5 - Joey Nowyuk - Radio Taïga Les archivesL'Allonge 22 Ép #5 - Joey Nowyuk - Radio Taïga Les archivesLe chanteur auteur-compositeur Joey Nowyuk sera le visage de la scène musicale nunavoise lors de la 41e édition du festival. Après s’être produit il y a quelques semaines au Groenland, à l’occasion du festival Arctic Sounds, Joey Nowyuk se rendra à Yellowknife. « C’était ma première grande prestation depuis un moment, et c’était vraiment bon d’être de retour sur scène, réagit-il. J’ai vraiment hâte de recommencer à voyager et à visiter de nouveaux endroits. » Lien vers l'article : https://aquilon.nt.ca/Article/Du-Nunavut-a-Folk-On-The-Rocks-202206021639/default.aspx#article

]]>Le chanteur auteur-compositeur Joey Nowyuk sera le visage de la scène musicale nunavoise lors de la 41e édition du festival. Après s’être produit il y a quelques semaines au Groenland, à l’occasion du festival Arctic Sounds, Joey Nowyuk se rendra à Yellowknife. « C’était ma première grande prestation depuis un moment, et c’était vraiment bon d’être de retour sur scène, réagit-il. J’ai vraiment hâte de recommencer à voyager et à visiter de nouveaux endroits. » Lien vers l'article : https://aquilon.nt.ca/Article/Du-Nunavut-a-Folk-On-The-Rocks-202206021639/default.aspx#article

]]>tag:soundcloud,2010:tracks/1280447977Fri, 03 Jun 2022 14:00:00 -040005:34falsebonusLe chanteur auteur-compositeur Joey Nowyuk sera le visage de la scène musicale nunavoise lors de la 41e édition du festival. Après s’être produit il y a quelques semaines au Groenland, à l’occasion du festival Arctic Sounds, Joey Nowyuk se rendra à Yellowknife. « C’était ma première grande prestation depuis un moment, et c’était vraiment bon d’être de retour sur scène, réagit-il. J’ai vraiment hâte de recommencer à voyager et à visiter de nouveaux endroits. » Lien vers l'article : https://aquilon.nt.ca/Article/Du-Nunavut-a-Folk-On-The-Rocks-202206021639/default.aspx#articleL'Allonge 22 Ép #4 - Leaf Rapids - Radio Taïga Les archivesL'Allonge 22 Ép #4 - Leaf Rapids - Radio Taïga Les archivesCette semaine, on reçoit Leaf Rapids qui fera sa première apparition à Yellowknife. La formation manitobaine fait partie des têtes d’affiche de l’édition 2022 du festival Folk On The Rocks. Leaf Rapids a été formé en 2015. Le groupe est « la prolongation » de la formation folk Nathan, fondée par le duo Keri et Devin Latimer. Après deux albums – Lucky Stars, sortit en 2015 et Citizen Alien en 2019 – la chanteuse annonce le lancement de leur troisième opus, normalement prévu pour le printemps 2023. Lien vers l'article : https://aquilon.nt.ca/Article/Leaf-Rapids-affiche-son-folk-a-Yellowknife-202205261509/default.aspx#article

]]>Cette semaine, on reçoit Leaf Rapids qui fera sa première apparition à Yellowknife. La formation manitobaine fait partie des têtes d’affiche de l’édition 2022 du festival Folk On The Rocks. Leaf Rapids a été formé en 2015. Le groupe est « la prolongation » de la formation folk Nathan, fondée par le duo Keri et Devin Latimer. Après deux albums – Lucky Stars, sortit en 2015 et Citizen Alien en 2019 – la chanteuse annonce le lancement de leur troisième opus, normalement prévu pour le printemps 2023. Lien vers l'article : https://aquilon.nt.ca/Article/Leaf-Rapids-affiche-son-folk-a-Yellowknife-202205261509/default.aspx#article

]]>tag:soundcloud,2010:tracks/1275627889Thu, 26 May 2022 14:24:00 -040005:02falsebonusCette semaine, on reçoit Leaf Rapids qui fera sa première apparition à Yellowknife. La formation manitobaine fait partie des têtes d’affiche de l’édition 2022 du festival Folk On The Rocks. Leaf Rapids a été formé en 2015. Le groupe est « la prolongation » de la formation folk Nathan, fondée par le duo Keri et Devin Latimer. Après deux albums – Lucky Stars, sortit en 2015 et Citizen Alien en 2019 – la chanteuse annonce le lancement de leur troisième opus, normalement prévu pour le printemps 2023. Lien vers l'article : https://aquilon.nt.ca/Article/Leaf-Rapids-affiche-son-folk-a-Yellowknife-202205261509/default.aspx#articleL'Allonge 22 Ép #2 - Sara Dufour - Radio Taïga Les archivesL'Allonge 22 Ép #2 - Sara Dufour - Radio Taïga Les archivesCette semaine, c'est au tour Sara Dufour de passer par L'Allonge. L'Artiste du Saguenay-Lac-Saint-Jean prépare une 3e album et sera de passage à Yellowknife, pour l'incontournable Folk On The Rocks.

]]>Cette semaine, c'est au tour Sara Dufour de passer par L'Allonge. L'Artiste du Saguenay-Lac-Saint-Jean prépare une 3e album et sera de passage à Yellowknife, pour l'incontournable Folk On The Rocks.

]]>tag:soundcloud,2010:tracks/1267155007Thu, 12 May 2022 18:36:00 -040006:13falsebonusCette semaine, c'est au tour Sara Dufour de passer par L'Allonge. L'Artiste du Saguenay-Lac-Saint-Jean prépare une 3e album et sera de passage à Yellowknife, pour l'incontournable Folk On The Rocks.L'Allonge 22 Ép #1 - Ian St-Arnaud - Radio Taïga Les archivesL'Allonge 22 Ép #1 - Ian St-Arnaud - Radio Taïga Les archivesCette semaine, dans la série Folk on the Rocks, on rencontre Ian St-Arnaud, auteur-compositeur-interprète albertain revient avec un second album Love and The Front Lawn et foulera pour la première fois la scène de Folk On The Rocks.

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]]>tag:soundcloud,2010:tracks/1262686627Thu, 05 May 2022 13:26:00 -040006:05falsebonusCette semaine, dans la série Folk on the Rocks, on rencontre Ian St-Arnaud, auteur-compositeur-interprète albertain revient avec un second album Love and The Front Lawn et foulera pour la première fois la scène de Folk On The Rocks.L'Allonge 2021 - Remords De RenardL'Allonge 2021 - Remords De Renard

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]]>c7486913-f455-4766-ad50-ff0841b85e28Thu, 02 Jul 2020 11:35:00 -060005:06falsefullL'allonge 2020 - Cris DerksenL'allonge 2020 - Cris DerksenGabrielle Desforges

]]>Gabrielle Desforges

]]>7215f62b-2283-4c53-a25e-c8a150b7bab3Wed, 01 Jul 2020 11:30:00 -060007:22falsefullL'Allonge 2019 - WintersleepL'Allonge 2019 - WintersleepL'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

Depuis près d’une vingtaine d’années, le groupe Wintersleep sillonne le Canada avec ses pièces doucereuses empreintes d’ironie et de mélancolie. Avec son septième album en carrière, In the Land Of lancé plus tôt cette année, le quintetindy explore la connexion entre l’esprit et le territoire.

]]>L'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

Depuis près d’une vingtaine d’années, le groupe Wintersleep sillonne le Canada avec ses pièces doucereuses empreintes d’ironie et de mélancolie. Avec son septième album en carrière, In the Land Of lancé plus tôt cette année, le quintetindy explore la connexion entre l’esprit et le territoire.

]]>66b59c93-f37d-45ca-9cec-04106146503cMon, 08 Jul 2019 11:45:00 -060008:38falsefullL'Allonge 2019 - Orkestar KriminalL'Allonge 2019 - Orkestar KriminalL'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec «drink» et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

Au confluent du folk sale et du cabaret burlesque, Orkestar Kriminal se spécialise dans le répertoire déviant des gangsters et des insoumis. L’interprète polyglotte fait œuvre d’ethnomusicologue publique en pillant méticuleusement les chants clandestins du monde

entier avec une préférence marquée pour les années 1930.

Retrouvez les à Folk On The Rocks 2019!

Entrevue et montage : Batiste Foisy. Habillage sonore LVLR.

]]>L'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec «drink» et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

Au confluent du folk sale et du cabaret burlesque, Orkestar Kriminal se spécialise dans le répertoire déviant des gangsters et des insoumis. L’interprète polyglotte fait œuvre d’ethnomusicologue publique en pillant méticuleusement les chants clandestins du monde

entier avec une préférence marquée pour les années 1930.

Retrouvez les à Folk On The Rocks 2019!

Entrevue et montage : Batiste Foisy. Habillage sonore LVLR.

]]>19959f13-4609-4cc1-ab6a-b27941b780acSun, 07 Jul 2019 11:40:00 -060009:11falsefullL'Allonge 2019 - Miraj & PuppyL'Allonge 2019 - Miraj & PuppyL'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

L'habillage sonore de la capsule est une composition originale de LVLR.

« Comme partout ailleurs, les classiques des années 1980 et des années 1990, ça pogne, dit-il. Mais sinon, c’est le funk et le disco qui marche le plus, avec les gens du Nord. Ce sont des musiques qui rejoignent tout le monde. Dans le funk, il y a le côté folk, le côté acoustique et le côté électrique, et en plus il y a une composante électonique. C’est un mélange qui unit toutes les différentes scène en même temps. ».

]]>L'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

L'habillage sonore de la capsule est une composition originale de LVLR.

« Comme partout ailleurs, les classiques des années 1980 et des années 1990, ça pogne, dit-il. Mais sinon, c’est le funk et le disco qui marche le plus, avec les gens du Nord. Ce sont des musiques qui rejoignent tout le monde. Dans le funk, il y a le côté folk, le côté acoustique et le côté électrique, et en plus il y a une composante électonique. C’est un mélange qui unit toutes les différentes scène en même temps. ».

]]>e86cf92c-fa00-4eed-b1c4-f158f91c0991Sat, 06 Jul 2019 11:40:00 -060012:37falsefullL'Allonge 2019 - Light Bulb AlleyL'Allonge 2019 - Light Bulb AlleyL'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec «drink» et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

«C’est pas seulement le rock; c’est le rock and roll, insiste Allister, leadeur charismatique de la formation Light Bulb Alley. Ce roll-là est très important. Ça prend le roll. Il y a le rock, mais après vient le roll où loge le groove.»

Retrouvez les à Folk On The Rocks 2019!

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«C’est pas seulement le rock; c’est le rock and roll, insiste Allister, leadeur charismatique de la formation Light Bulb Alley. Ce roll-là est très important. Ça prend le roll. Il y a le rock, mais après vient le roll où loge le groove.»

Retrouvez les à Folk On The Rocks 2019!

]]>ec068da7-0b66-40d8-9065-a858c5a3d9b6Sat, 06 Jul 2019 11:35:00 -060010:12falsefullL'Allonge 2019- Lido PimientaL'Allonge 2019- Lido PimientaL'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

D’abord annoncée pour l’édition 2018 de Folk on the Rocks, la déferlante Lido Pimienta aura fait patienter ses fans des

TNO une petite année de plus. « J’étais trop enceinte », explique la compositrice et interprète. Cette année, elle sera là et on l'attends avec impatience.

L'habillage sonore de la capsule est une composition originale de LVLR.

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D’abord annoncée pour l’édition 2018 de Folk on the Rocks, la déferlante Lido Pimienta aura fait patienter ses fans des

TNO une petite année de plus. « J’étais trop enceinte », explique la compositrice et interprète. Cette année, elle sera là et on l'attends avec impatience.

L'habillage sonore de la capsule est une composition originale de LVLR.

]]>0d66e17f-8b58-4e6e-8728-a46bb5c7f01dFri, 05 Jul 2019 11:35:00 -060012:21falsefullL'Allonge 2019 - Harmony On MarsL'Allonge 2019 - Harmony On MarsL'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

Détrompez-vous, le groupe Harmony on Mars arrive bien de la planète Terre. Le duo est sorti tout droit de Toronto et d’un même utérus.

Les frères Jack et Max White sont un peu les nouveaux Tegan and Sara du post-punk psychédélique.

Harmony on Mars sera en ville pour le festival Folk On The Rocks 2019.

]]>L'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

Détrompez-vous, le groupe Harmony on Mars arrive bien de la planète Terre. Le duo est sorti tout droit de Toronto et d’un même utérus.

Les frères Jack et Max White sont un peu les nouveaux Tegan and Sara du post-punk psychédélique.

Harmony on Mars sera en ville pour le festival Folk On The Rocks 2019.

]]>fbce057e-e029-4a60-93f4-e4816f178425Wed, 03 Jul 2019 11:35:00 -060003:38falsefullL'allonge 2019 - Claude CormierL'allonge 2019 - Claude CormierL'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

Cette semaine Batiste Foisy a parlé à Claude Cormier, de son retour à Yellowknife pour le festival.

L'habillage sonore de la capsule est une composition originale de LVLR.

]]>L'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

Cette semaine Batiste Foisy a parlé à Claude Cormier, de son retour à Yellowknife pour le festival.

L'habillage sonore de la capsule est une composition originale de LVLR.

]]>f888e8fe-b91f-4481-b7c0-cc9711007f36Tue, 02 Jul 2019 11:30:00 -060008:40falsefullL'allonge 2019 - Alex CubaL'allonge 2019 - Alex CubaL'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

La dernière fois qu’Alex Cuba est passé par Yellowknife, c’était durant le mois de mars.

« Je me souviens que c’était une période extrêmement froide de l’année, rigole le musicien né à Cuba et établi en Colombie-Britannique. Nous avions joué à Yellowknife et le public était très enthousiaste. C’était un beau spectacle. Nous nous étions aussi rendus dans des petites collectivités. Ce que je me souviens surtout, c’est qu’e nous avons fait un tour d’hélicoptère au dessus de la ville. On a vu les voitures qui roulent sur le lac. Ça m’a impressionné! »

]]>L'Allonge de Radio Taïga. On se pose, tranquille, sur le patio, avec "drink" et on rencontre les artistes de passage à Yellowknife.

La dernière fois qu’Alex Cuba est passé par Yellowknife, c’était durant le mois de mars.

« Je me souviens que c’était une période extrêmement froide de l’année, rigole le musicien né à Cuba et établi en Colombie-Britannique. Nous avions joué à Yellowknife et le public était très enthousiaste. C’était un beau spectacle. Nous nous étions aussi rendus dans des petites collectivités. Ce que je me souviens surtout, c’est qu’e nous avons fait un tour d’hélicoptère au dessus de la ville. On a vu les voitures qui roulent sur le lac. Ça m’a impressionné! »

]]>60f2036e-1d20-4705-89d1-bab7b16c0299Mon, 01 Jul 2019 11:25:00 -060011:34falsefull